Las Horas Rojas

Oscar 2012: Celebrando los orígenes del cine

2012-01-25T20:36:00.017-05:00

Hugo, cinta de aventuras dirigida por Martin Scorsese y The Artist, film mudo en blanco y negro, tienen mucho en común. La primera es una producción de Hollywood ambientada en Francia y la segunda es una película francesa cuya acción transcurre en Hollywood. Ambas son un homenaje al sétimo arte: mientras Hugo muestra el trabajo visionario de Georges Méliès (uno de los primeros directores de la historia), The Artist es la historia de una estrella del cine mudo, que ve su carrera peligrar con la llegada del cine sonoro.

Además, comparten el honor de ser las dos películas con más candidaturas al Oscar 2012. Hugo tiene 11 y The Artist 10 nominaciones. Ambas coinciden en varias categorías, como mejor película, director, fotografía, edición, dirección artística, diseño de vestuario y música.

Completan la terna de nominadas a mejor película: la comedia romántica Medianoche en París, la cinta sobre los derechos civiles Historias cruzadas, el drama indie Los descendientes, el film deportivo Moneyball, la producción bélica War Horse, la película experimental The Tree of Life y el drama sobre el 11 de setiembre Extremely Loud and Incredibly Close.

Los actores y las actrices

Las nominadas a mejor actriz principal se caracterizan por sus transformaciones radicales. En The Iron Lady Meryl Streep se convierte en Margaret Thatcher, en My week with Marilyn Michelle Williams asume el rol de Marilyn Monroe, en Albert Nobbs Glenn Close se disfraza de hombre, en Historias Cruzadas Viola Davis es una nana que sueña con ser escritora y en The Girl with the Dragon Tattoo Rooney Mara se mimetiza con su personaje gótico Lisbeth Salander.

En la categoría de mejor actor, el favorito es George Clooney por su papel de un padre que intenta reconciliarse con sus hijas en Los descendientes. Le pisan los talones Brad Pitt (por su rol de gerente general de un equipo de baseball en Moneyball) y Jean Dujardin (el francés que protagoniza The Artist). Llegan con menos probabilidades el británico Gary Oldman (quien hace de espía en Tinker Tailor Soldier Spy) y el mexicano Demián Bichir (quien interpreta a un jardinero indocumentado en A Better Life).

La marca latina

Pero Bichir no es el único latino nominado al Oscar este año. Su compatriota Emmanuel Lubezki compite en la categoría de mejor fotografía por su notable trabajo en The tree of life. La argentina Bérénice Bejo es candidata a la mejor actriz de reparto por The Artist. Y Brasil se hace presente en la terna de canción original, por el tema “Real in Rio” que Sergio Mendes y Carlinhos Brown compusieron para Rio.

Las animadas

Sorprendentemente, la Academia dejó fuera de la categoría de mejor film animado a Las aventuras de Tintin, que incluso ganó el Globo de Oro en esa categoría. Las 5 nominadas son: la excelete Rango, la divertida Kung Fu Panda 2, la olvidable Gato con Botas, la francesa A Cat in Paris y la española Chico & Rita. Celebro que hayan incluido a dos cintas europeas, que escapan de los estándares de los grandes estudios de Hollywood.

Mientras la industria del cine reconoce las mejores películas del año y, en especial, a dos cintas que celebran sus orígenes, los cinéfilos enfrentamos una carrera contra el tiempo para ver la mayoría de filmes nominados antes del 26 de febrero, día de la ceremonia. Esa noche las emociones (y unas cuantas decepciones) flotarán entre los pasillos y butacas del Teatro Kodak.

El peso aplastante del poder

2012-01-22T20:19:00.003-05:00

Habemus Papam (estrenada en Lima con el desafortunado título Un Papa en apuros) comienza con unas imágenes de archivo que aún palpitan frescas en la memoria colectiva: tras la muerte de Juan Pablo II, la Plaza San Pedro luce abarrotada de fieles, reporteros y curiosos que están expectantes por conocer quién será su sucesor.

Tras este recordatorio, empieza la ficción. En el Vaticano se realiza un cónclave para elegir al nuevo Papa y el elegido es el cardenal Melville (Michel Piccoli). Como parte del ritual, se le pide que salga al balcón para dar su primer discurso, pero sufre un ataque de pánico y huye despavorido. Para “curarlo”, traen al mejor psicoanalista de Roma.

El director Nanni Moretti (quien además interpreta al psicoanalista) es uno de los más renombrados cineastas italianos de los últimos años. Si en su brillante film La habitación del hijo mostraba a una familia intentando sobreponerse del dolor por la muerte de su hijo, en Habemus Papam se concentra en un hombre que lucha por superar su ansiedad y encontrar el sentido de su vida.

En vez de mostrar a un Papa que tiene una crisis de fe, la película sigue otra ruta no menos provocadora. El cardenal Melville es un hombre que se siente abrumado por el poder, que no se considera preparado para asumir tanta responsabilidad y que reflexiona sobre los sueños que dejó de lado en su juventud.

En su recorrido por los protegidos ambientes del Vaticano, la película nos muestra con gran sentido del humor la interacción entre los cardenales que están atrapados e incomunicados con el mundo exterior hasta que el Papa se pronuncie en público. Las memorables escenas en que juegan un campeonato de vóley organizado por el psicoanalista, les confiere un perfil más humano, saliendo a relucir la competitividad y la emoción del triunfo.

Ahora que en el Perú y el mundo vemos cómo muchas poblaciones manifiestan el rechazo a sus autoridades porque no cumplen sus expectativas, Habemus Papam ofrece una lúcida reflexión sobre el ejercicio del poder y las competencias que necesita una autoridad para asumir el liderazgo sin ceder a las presiones externas. Su final abrupto nos deja la mente aguijoneada por muchas interrogantes y una sola certeza: hasta los más poderosos son vulnerables.

Título original: Habemus Papam
País y año: Italia 2011
Director: Nanni Moretti
Actores: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Jerzy Stuhr, Margherita Buy, Camillo Milli, Roberto Nobile, entre otros.
Calificación: ****

La revolución del servicio

2012-01-19T20:33:00.005-05:00

Historias cruzadas (The Help) es como un pastel de chocolate: irresistiblemente dulce, fácil de digerir y aparentemente inofensivo. Cuenta los maltratos sufridos por las empleadas domésticas afroamericanas en el pueblo de Jackson, Mississippi, tomando como contexto el movimiento de los derechos civiles de los años 60.

Skeeter (Emma Stone) es una chica blanca que desea ser novelista y que pretende escribir un libro sobre las vicisitudes del servicio doméstico, contado desde el punto de vista de las criadas negras. Sus primeras aliadas son Aibeleen (Viola Davis) y Minny (Octavia Spencer), dos empleadas que aman su trabajo, aunque éste no siempre sea bien recompensado.

La película está ambientada en una época en la que los negros eran considerados ciudadanos de segunda categoría y tenían muchas prohibiciones. En ese contexto de transformaciones profundas en la sociedad, Historias cruzadas muestra la ignorancia de las mentes racistas y la perseverancia de una hermandad de mujeres dispuestas a reclamar un trato más digno.

Se trata de una cinta hecha para encandilar y emocionar al público, dándole una doble rebanada de risas y lágrimas. Lo que la distingue de otras películas que abordan el tema del racismo (como Crash o The Blind Side), es su poderoso elenco femenino.

Viola Davis le inyecta coraje y dignidad al personaje de Aibeleen, una empleada seria y dedicada. A diferencia de sus compañeras de reparto, Davis tiene una actuación más contenida y mesurada, pero igualmente conmovedora, en especial cuando sus enormes ojos negros se inundan de tristeza. Ya ganó el Critics Choice Award a la mejor actriz del año y es una de las más fuertes candidatas al Oscar, aunque no la tendrá tan fácil.

Octavia Spencer está fantástica como la impulsiva Minny, mujer de carácter indomable y rostro expresivo. Pasa de ser un personaje cómico a mostrar una enorme sensibilidad y solidaridad. Hasta el momento, se ha llevado el Critics Choice Award y el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto.

La estrella en ascenso Jessica Chastain interpreta a la ingenua Celia, un ama de casa desesperada por recibir la aceptación de las demás mujeres del pueblo. Ella también ha recibido algunos premios por este papel, de parte de las asociaciones de críticos de Los Angeles y Nueva York.

Historias cruzadas es una fábula clásica, con personajes arquetípicos como la heroína digna de santidad y la villana despiadada (Bryce Dallas Howard), cuya maldad llega a rozar los excesos de la caricatura. Y como en toda fábula, el director siente la necesidad de subrayar la moraleja con resaltadores de colores. De todas formas, el magnetismo de sus actrices y la calidez con que retratan a sus personajes hacen que nos dejemos tentar por este dulce bocado de buenas intenciones.

Título original: The Help
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Tate Taylor
Actores: Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Sissy Spacek, Allison Janney, Chris Lowell, entre otros.
Calificación: ***

Balance 2011: El año de la nostalgia II

2012-01-08T22:17:00.007-05:00

En el post anterior, hice un recuento de mis 10 estrenos favoritos del año pasado. Hay otras películas (casi tan) valiosas que se quedaron fuera del ranking, pero que vale la pena mencionar:

* Los dramas inteligentes, cuyos personajes se enfrentan a un destino adverso: Camino a la libertad, El peleador, Ágora y Un novio para tres esposas.

* La comedia políticamente incorrecta que desnuda la rivalidad femenina: Damas en guerra.

* Los blockbusters sorprendentes, que se diferencian del resto por sus buenas historias: El planeta de los simios: (R)evolución, Las aventuras de Tintín y X-Men: Primera Generación.

* El cine argentino protagonizado por Ricardo Darín: Un cuento chino y Carancho.

Las 10 mejores actuaciones

La actuación más impactante del año fue la de Javier Bardem en Biutiful, en la que interpreta a un hombre desahuciado que intenta dejar a sus hijos a buen recaudo. Bardem está tan convincente que es imposible no identificarse con el sufrimiento inenarrable de su personaje.

Otros actores muy destacados fueron Colin Firth y Geoffrey Rush en El discurso del rey, James Franco en 127 Horas y Paul Giamatti en Un novio para tres esposas.

Entre las actrices más destacadas, brillaron Natalie Portman en El Cisne Negro, Nicole Kidman en Al otro lado del corazón y Melissa Leo en El peleador. Las dos revelaciones del año fueron dos pequeñas actrices que demostraron un enorme potencial: Hailee Steinfeld en Temple de Acero y Fátima Buntinx en Las malas intenciones.

Las decepciones

Después de 11 películas muy buenas, el estudio de animación Pixar dejó de tener un record invicto con Cars 2, una cinta con buen nivel técnico pero un guión desprovisto de ingenio o magia. Su falta de inspiración se evidencia en un humor chabacano y una historia de espionaje bastante floja.

Sin embargo, Cars 2 no fue la única secuela animada que me decepcionó este año: Happy Feet 2 siguió haciendo bailar a los pingüinos, pero se olvidó de generar emoción. Gato con Botas calcó otros cuentos infantiles al igual que su mentor Shrek, pero sin la irreverencia ni osadía de éste.

Otro desencanto llegó con El turista, protagonizada por Angelina Jolie y Johnny Depp. Su argumento inverosímil y su patético giro final son motivo suficiente para mandar al guionista de viaje, pero sin boleto de retorno.

No obstante, quien se lleva la corona a la peor película del año es la “comedia” Si fueras yo (The Change-Up), un adefesio sobre dos hombres que cambian de cuerpo después de orinar en una pileta. Tras mostrar escenas de bebés defecando y electrocutándose, intenta reivindicarse con un mensaje moralizador sobre la importancia de la familia. Un bodrio incoherente e impresentable.

Balance 2011: El año de la nostalgia

2012-01-05T21:38:00.019-05:00

El 2011 tuvimos escasez de calidad en nuestra cartelera comercial: hubo muy pocos estrenos realmente extraordinarios. Mientras tanto, en los festivales de cine y/o en DVD pude ver obras excelentes que lamentablemente jamás llegaron a proyectarse en nuestros multicines, como la francesa El ilusionista, la británica Another year y la uruguaya La vida útil.

De todos modos, de las casi 60 películas que pude ver en nuestra cartelera durante el año pasado, esta es mi selección de las 10 más memorables.

1. Medianoche en París (Midnight in Paris). Demostrando que aún sigue siendo un maestro, Woody Allen escribió y dirigió esta encantadora fábula sobre cómo contrarrestar la nostalgia con una revalorización del presente y sus inagotables fuentes de inspiración. Es una comedia hipnótica, que envuelve al espectador en un mágico ambiente de ensoñación.

2. Al otro lado del corazón (Rabbit Hole). Este film sobre una pareja de esposos que intentan sobreponerse al dolor de la muerte de su hijo, nos hunde en un agujero de desolación para luego empujarnos hacia la superficie y demostrar que todas las heridas cicatrizan, aunque dejen marcas a las que terminamos acostumbrándonos.

3. Temple de Acero (True Grit). Con planos tan hermosos que parecen postales, este emocionante western de los hermanos Coen tiene la mejor fotografía que he visto en mucho tiempo y unos personajes que se rigen por las leyes del Lejano Oeste, donde la justicia siempre llega, aunque uno intente esconderse de ella.

4. Las malas intenciones. El nuevo hallazgo del cine peruano fue esta celebrada ópera prima de Rosario García-Montero, que nos presenta el inocente y a la vez sarcástico punto de vista de una niña (excelente Fátima Buntinx) que fantasea sobre la muerte y se embarca en aventuras imaginarias con los héroes de la independencia.

5. Rito diabólico (Bakjwi). Sobre la piel, esta cinta coreana aparenta ser sólo un film de vampiros, pero a medida que hunde sus colmillos, va encontrándose con las venas de la culpa, la ansiedad, el deseo y el rechazo a vivir bajo la condena de unos impulsos destructivos. Es una trágica historia de amor y un romance que se desangra de placer.

6. El discurso del rey (The King's Speech). La última ganadora del Oscar a la mejor película nos muestra un relato inspirador sobre un hombre que lucha por vencer el obstáculo de su tartamudez y encontrar una voz que sepa guiar a su nación en tiempos de guerra. Las actuaciones de Colin Firth y Geoffrey Rush son tan majestuosas como sus personajes.

7. Rango. La mejor cinta animada del año está llena de facetas, como el camaleón histriónico que la protagoniza. Combina de manera inteligente el estilo clásico de los westerns y las cintas de aventuras, con una divertida representación sobre la escasez de agua, mostrada como un preciado tesoro que todos se pelean por tener y consumir.

8. Juego de traiciones (Fair Game). Este thriller político muestra el alto precio que pagaron una agente de la CIA y su esposo cuando el gobierno de George W. Bush usó peligrosas armas de desprestigio masivo, como represalia al atrevimiento de ellos de cuestionar la verdad oficial. La valentía se abre paso entre la tensión, la paranoia y la infamia.

9. El cisne negro (Black Swan). Natalie Portman se vuelve inmortal en el rol de Nina, una atormentada bailarina de ballet. Mientras la película nos plantea el reto de descubrir si el ambiente hostil es imaginado por Nina o es una amenaza real, los espectadores nos dejamos seducir por la ambigüedad del frágil cisne blanco y el dominante cisne negro.

10. Contagio (Contagion). Sin los efectos visuales ni la pirotecnia que suelen acompañar las películas sobre catástrofes, esta efectiva cinta nos muestra la expansión de una peligrosa pandemia. Junto con el virus, se propagan el miedo y la desconfianza, se magnifica el instinto de supervivencia y se reproducen las teorías de la conspiración.

La captura de la aventura

2011-12-27T19:10:00.003-05:00

A Steven Spielberg le encanta zambullir a los personajes de sus películas en una aventura épica, como lo demuestran las sagas de Indiana Jones y Jurassic Park. Después de un receso de 3 años, Spielberg vuelve a sentarse en la silla de director, trayendo consigo ese mismo afán de destilar adrenalina, en la cinta animada Las Aventuras de Tintín.

El film narra el encuentro de Tintín, un acucioso reportero al que le encanta resolver misterios, con el avezado capitán Haddock, quien siempre necesita una botella de whisky a su lado. Ambos buscan las pistas que les ayuden a encontrar un tesoro sumergido en las profundidades del mar, pero el villano Sr. Sakharine hará lo imposible por encontrarlo antes que ellos.

Spielberg se asoció con el productor Peter Jackson (responsable de la trilogía de El señor de los anillos) para adaptar esta historia, procedente del cómic, a la gran pantalla. La técnica que han utilizado para la animación es la captura de movimiento (motion capture), la cual permite captar, a través de sensores, cada gesto de los actores de carne y hueso para después digitalizarlos. El resultado de esta innovadora técnica es impresionante, porque la animación luce muy realista.

Quien le presta su voz y movimientos a Tintín es el actor Jamie Bell, el recordado niño bailarín de ballet de Billy Elliot. Y en el papel del capitán Haddock destaca el genial Andy Serkis, todo un veterano en la técnica de la captura de movimiento, ya que interpretó antes a Gollum en El Señor de los Anillos, a King Kong en la película del mismo nombre y al rebelde simio César en El planeta de los simios: (R)Evolución.

En un año opaco y poco estimulante para el cine de animación, Las Aventuras de Tintín se convierte en una de las cintas más rescatables del género, junto con Rango y Operación: Regalo. Estas tres cintas compiten por el Globo de Oro a mejor película animada, además de las decepcionantes Cars 2 y Gato con Botas.

Aunque el argumento de Las Aventuras de Tintín está encadenado por giros y complicaciones que aportan emoción y suspenso, el guión se vale de algunos artificios forzados o ridículos, como la inexplicable escena en la que el Capitán Haddock usa su aliento cargado de alcohol como combustible de avioneta (¡!).

Al tener a dos pesos pesados como Spielberg y Jackson compartiendo el timón, las expectativas son muy altas. Gracias a su vasta experiencia, ambos logran capturar el auténtico sentido de las clásicas cintas de aventuras, logrando involucrar al espectador en la búsqueda del tesoro. El resultado es un entretenimiento ligero y de gran calidad técnica.

Título original: The Adventures of Tintin
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Steven Spielberg
Con las voces de: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Daniel Mays, entre otros.
Calificación: *** 1/2

El ansia por beber sangre

2011-12-20T12:45:00.002-05:00

Un estreno casi clandestino, pero justo y necesario, para contrarrestar las sosas películas de la temporada navideña, ha sido el de Rito Diabólico (también conocida como Thirst en inglés o Bakjwi en coreano). Se trata de una audaz cinta procedente de Corea del Sur, que devuelve a los vampiros a su pedestal de seres atormentados y amenazantes, a diferencia de la cándida versión para dummies que ofrece la saga de Crepúsculo.

El sacerdote Sang-hyeon (Kang-ho Song) se ofrece como voluntario para probar una nueva vacuna destinada a erradicar un virus mortal. Casi muere en el intento, pero se recupera inesperadamente gracias a la transfusión de sangre de un vampiro. Su vida no vuelve a ser la misma ahora que se enfrenta a la súbita necesidad por experimentar los placeres mundanos.

Gracias a su milagrosa recuperación, Sang-yeon es asediado por enfermos que desean ser tocados por él para sanarse. Uno de ellos es un viejo amigo que vive sobreprotegido por su madre dominante. Su esposa, Tae-ju, se convierte en el objeto de deseo de Sang-yeon.

Rito diabólico es una cinta bizarra e impactante. Su poder de conmoción no se agota en la audacia de mostrar a un sacerdote lujurioso y criminal. Lejos de glorificar sus actos, la película muestra a un personaje con un enorme conflicto interior, trastornado por su nueva naturaleza, angustiado por sus deseos, culposo de experimentar sensaciones que no debería.

El director Chan-wook Park es conocido por su “trilogía de la venganza”: Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance. En su filmografía suele concentrarse en el miedo y el dolor, asociados a la violencia. Y como los mejores representantes del cine asiático, tiene un estilo visual impresionante. Por ejemplo, la cámara acompaña el vuelo del sacerdote por la ciudad y se arrastra por el suelo persiguiendo a una víctima que busca escapar.

A pesar de que tiene varios momentos de humor absurdo y hasta cruel, Rito diabólico termina siendo una tragedia romántica. El conmovedor desenlace es una consecuencia inevitable del destino de los seres condenados a esconderse: de sus necesidades y de sus culpas, así como de la luz amenazante.

Título original: Bakjwi
País y año: Corea del Sur, 2009
Director: Chan-wook Park
Actores: Kang-ho Song, Ok-bin Kim, Hae-sook Kim, Ha-kyun Shin, In-hwan Park, Mercedes Cabral, entre otros.
Calificación: ****

Los intrusos

2011-11-23T21:20:00.004-05:00

Una comedia argentina y una francesa han aterrizado en nuestra cartelera. Mientras una cae del cielo para conmovernos, la otra se disfraza para seducirnos. Ambas tienen en común la llegada inesperada de un personaje que transforma su entorno.

La vaca voladora

Ricardo Darín protagoniza Un cuento chino, cinta en la que interpreta a Roberto, un hombre huraño y renegón que acoge en su casa a Jun (Ignacio Huang), un chino que vino a Buenos Aires huyendo de una tragedia personal. Jun desea encontrar a su tío, pero como no habla nada de español, está perdido en una ciudad desconocida.

Roberto es el dueño de una modesta ferretería y de una personalidad explosiva. Intenta ayudar a Jun, pero como no lo entiende se desespera. La imposibilidad de comunicarse a través de las palabras genera muchas situaciones de humor negro. Esta comedia comprueba que el lenguaje corporal también sirve para gritar, callar o manifestar las más variadas emociones.

La escena inicial es desconcertante: una vaca cae del cielo y mata a una mujer. En el transcurso de la película, se explica cómo ocurrió este incidente y cómo ambos personajes, Roberto y Jun, aparecieron en los periódicos como protagonistas de alguna noticia. Ciertamente, algunos eventos mostrados en el film pueden parecer un poco forzados, pero el carisma de ambos actores los hace creíbles.

Un cuento chino es la historia de una amistad improbable y de cómo los hechos aparentemente fortuitos logran sacarnos de la rutina y vencer nuestras resistencias, para apostar por un destino diferente. Las vacas no vuelan, pero las oportunidades de enmendar el rumbo sí llueven de vez en cuando.

Título original: Un cuento chino
País y año: Argentina 2011
Director: Sebastián Borensztein
Actores: Ricardo Darín, Ignacio Huang, Muriel Santa Ana, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Las vanas ilusiones

En El Rompecorazones (L'arnacoeur), Alex Lippi (Romain Duris) es especialista en separar parejas. Un millonario lo contrata para que seduzca a su hija Juliette (Vanessa Paradis) e impida su matrimonio con un inglés inofensivo. Alex se hace pasar por guardaespaldas de Juliette y su misión parece complicada, porque ella ama a su prometido y detesta a Alex… hasta que él despliega su arsenal de seducción.

La actriz Vanessa Paradis, más conocida por ser la esposa de Johnny Depp, luce desganada en muchas escenas, como si su mente estuviera ausente. Su co-protagonista Romain Duris no logra convencernos de que hay química entre ellos, pero sí destaca en el divertido montaje que muestra cómo seduce a mujeres de distintas culturas y procedencias, utilizando un personaje distinto para cada una.

Las calles de Mónaco le prestan elegancia a la puesta en escena, convirtiéndose en uno de los principales atractivos de la cinta. También vale la pena resaltar a dos personajes secundarios, la hermana y el cuñado de Alex, quienes en su papel de cómplices del negocio familiar, se valen de disfraces y artimañas para ayudarle a obtener información.

Si no fuera porque los actores hablan en francés, cualquier espectador despistado podría pensar que esta película es una producción hecha en Hollywood, porque sigue al pie de la letra todos los procedimientos del manual de la comedia romántica. Si bien resulta entretenida en ciertos tramos, la historia no deja de ser gastada y repetitiva.

Título original: L'arnacoeur
País y año: Francia 2010
Director: Pascal Chaumeil
Actores: Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier, Andrew Lincoln, François Damiens, entre otros.
Calificación: **

Desacuerdos prenupciales

2011-10-22T19:46:00.004-05:00

Las películas que muestran los preparativos para un matrimonio se han vuelto prácticamente un subgénero dentro de la comedia en Hollywood. Títulos como La boda de mi mejor amigo, Experta en bodas, Los rompebodas (Wedding Crashers) o Guerra de novias representan distintas variantes de esta tendencia casamentera. Un nuevo referente del género es la divertida y osada Damas en guerra (Bridesmaids).

Lillian (Maya Rudolph) se va a casar y le encarga a Annie (Kristen Wiig), su mejor amiga desde la infancia, que sea su dama de honor. Las tareas, que implican organizar una serie de eventos y rituales engorrosos, son compartidas con las demás damas de honor, entre las que destaca Helen (Rose Byrne), quien está decidida a organizarlo todo a su manera. Su rivalidad con Annie desata una guerra de poderes que amenaza con convertirse en una lluvia de puñales.

Mientras Annie es una mujer que ha fracasado en los negocios y en el amor, Helen es la sofisticada esposa de un gran ejecutivo y siempre parece (o se muere por) tenerlo todo bajo estricto control. Sus discrepancias comienzan en la fiesta de compromiso de Lillian, en las que ambas literalmente se quitan el micrófono de las manos para poder decir el discurso más emotivo o contar la anécdota más divertida, que demuestre su estrecha amistad con la novia.

Al igual que las comedias matrimoniales que la han precedido, Damas en guerra tiene una predecible cuota de romance. Sin embargo, a diferencia de ellas, pone mayor énfasis en las relaciones interpersonales que se dan en un grupo de mujeres, donde la competitividad es un velo que esconde una profunda inconformidad consigo mismas. Además, se atreve a mostrar un paralelo entre dos esposas que encarnan extremos opuestos: la recién casada que idealiza el matrimonio y la cuarentona asqueada de su marido y sus hijos adolescentes.

Incluso la crisis económica que afecta a Estados Unidos juega un papel importante, al mostrar la depresión de la protagonista por haber tenido que cerrar su negocio. Por otro lado, los excesivos lujos de los preparativos matrimoniales (como el ridículo “shower” temático inspirado en Francia) se van multiplicando hasta volverse impagables para la familia de la novia.

Kristen Wiig, proveniente de las filas del programa cómico Saturday Night Live, cumple con éxito el doble rol de guionista y protagonista del film. Esta cinta representa su consagración y es muy probable que reciba una nominación al Globo de Oro como mejor actriz de comedia. También merece ser aplaudida Melissa McCarthy, quien interpreta a Megan, una mujer robusta y libidinosa, de modales vulgares y una sinceridad abrumadora.

Algunos han etiquetado a Damas en guerra como una versión femenina de ¿Qué pasó ayer? (The Hangover). Ambas son comedias atrevidas que mezclan el humor escatológico con valores universales como la amistad incondicional. Sin embargo, este retrato de mujeres desenfrenadas no copia las líneas argumentales de su antecesora, sino que tiene una identidad propia. Estas chicas conforman un ramo algo amorfo, con flores delicadas y otras toscas, unas brillantes y otras opacas, pero todas listas para pelear por su supervivencia en la jungla salvaje.

Título original: Bridesmaids
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Paul Feig
Actores: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper, Jon Hamm, Chris O'Dowd, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Avance de temporada 2011/2012

2011-10-12T22:48:00.005-05:00

Como todos los años, presento una selección de mis cinco películas más anticipadas, las mismas que podrían convertirse en clásicos. Su fecha de estreno en Perú es incierta, pero es probable que la mayoría aterrice en nuestra cartelera en plena temporada de premios (de enero a febrero de 2012).

La piel que habito

Director: Pedro Almodóvar (Trabajos anteriores: Hable con ella, Volver, Los Abrazos Rotos)
Actores: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Blanca Suárez, Jan Cornet, entre otros.
País: España
Sinopsis: Robert Ledgard ( Banderas) es un eminente cirujano plástico que se obsesiona con la creación de un tipo de piel que cultiva en su laboratorio. Para lograr ese fin, utiliza como “conejilla de indias” a una mujer que mantiene prisionera.
Por qué promete: Pedro Almodóvar abandona sus géneros habituales, el melodrama y la comedia, para incursionar en un “thriller” con toques de terror. Tomando como base la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, el director manchego confecciona una historia de venganza que recibió excelentes comentarios cuando se estrenó en el Festival de Cannes… como ya es usual cada vez que Almodóvar estrena sus filmes en este encuentro de cine. En esta ocasión, vuelve a trabajar después de décadas con dos actores que suelen brillar cuando están bajo sus órdenes: Antonio Banderas (Átame, Mujeres al borde de un ataque de nervios) y la gran Marisa Paredes (Tacones lejanos, Todo sobre mi madre). Vale la pena dejar que se erice nuestra piel por este esperado reencuentro.

The Artist
Director: Michel Hazanavicius (Trabajo anterior: OSS 117: El Cairo, nido de espías)
Actores: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, entre otros.
País: Francia
Sinopsis: George Valentin es una estrella del cine mudo de Hollywood que, en 1927, vive el repentino ocaso de su carrera tras la llegada del cine sonoro. Su destino se cruza con el de la bailarina Peppy Miller, quien empieza a ascender rápidamente en la industria cinematográfica.
Por qué promete: Esta película francesa, filmada en blanco y negro, aparenta ser un homenaje al cine mudo, en el cual la expresividad de los artistas resultaba fundamental para captar el interés del público, a falta de diálogos, música o cualquier tipo de sonido. El conflicto de un actor que ve llegar su temprana decadencia a causa del cine sonoro, podría originar una interesante reflexión sobre la esencia y evolución del arte. Muchos analistas de cine consideran que esta película será una sensación en la próxima temporada de premios en Hollywood, tal como ocurrió en el Festival de Cannes, donde el protagonista Jean Dujardin recibió el premio al mejor actor.

Extremely Loud and Incredibly Close
Director: Stephen Daldry (Trabajos anteriores: Billy Elliot, The Hours, The Reader)
Actores: Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, Thomas Horn, John Goodman, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: Oskar Schell es un niño de 9 años con una gran curiosidad científica. Cuando descubre una llave que pertenecía a su padre, fallecido en los atentados del 11 de setiembre, recorre todo Nueva York buscando la cerradura que abre esa llave.
Por qué promete: Stephen Daldry es un director que mantiene el curioso récord de haber sido nominado al Oscar por los tres largometrajes que ha dirigido en su vida. Esos tres títulos, Billy Elliot, The Hours y The Reader, se caracterizan por mostrar situaciones profundamente emotivas con una gran sensibilidad, por lo que Daldry parece ser una excelente opción para llevar a la pantalla grande el best seller sobre un niño que busca conectarse con el pasado de su padre ausente. El elenco está comandado por grandes estrellas como Tom Hanks y Sandra Bullock, pero se especula que quien podría robarse la atención es el legendario actor Max von Sydow, recordado por su papel del Padre Merrin en El Exorcista y por títulos más recientes como Minority Report, El llanto de la mariposa o Shutter Island.

A Dangerous Method
Director: David Cronenberg (Trabajos anteriores: La mosca, Una historia violenta, Promesas peligrosas)
Actores: Michael Fassbender, Viggo Mortensen, Keira Knightley, Vincent Cassel, entre otros.
País: Canadá / Alemania
Sinopsis: La cinta narra las tensas relaciones entre el psiquiatra Carl Jung (Fassbender) y su mentor Sigmund Freud (Mortesen). Además de sus perspectivas científicas, los separa una inquieta paciente llamada Sabina Spielrein (Knightley).
Por qué promete: Esta película se propone describir el convulsionado momento en que surgió el psicoanálisis. El canadiense David Cronenberg ha dirigido varias películas sumamente interesantes en las que ha abordado desde distintos ángulos la complejidad del comportamiento humano (eXistenZ, Una historia violenta, Promesas Peligrosas, etc.), así que este material parece ser ideal para él. En los dos papeles principales, se espera excelentes resultados de Viggo Mortensen (quien también protagonizó las dos últimas películas de Cronenberg) y de Michael Fassbender, cuya carrera ha despegado este año. Primero destacó como Magneto en X-Men: Primera Generación y luego se llevó el premio a mejor actor en el Festival de Venecia por su papel de adicto al sexo en la cinta Shame.

J. Edgar
Director: Clint Eastwood (Trabajos anteriores: Los imperdonables, Cartas desde Iwo Jima, Invictus)
Actores: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Judi Dench, Naomi Watts, Dermot Mulroney, entre otros.
País: Estados Unidos
Sinopsis: J. Edgar Hoover (DiCaprio) es el admirado y a la vez temido fundador del FBI (Oficina Federal de Investigación), organismo que dirige durante casi 50 años. Sin embargo, tras puertas cerradas, esconde secretos que amenazan con destruir su carrera y su imagen pública.
Por qué promete: Clint Eastwood es un maestro y cada película suya es un acontecimiento. En esta ocasión, se inserta en un campo minado al examinar la vida del hombre que cambió para siempre la lucha contra el crimen organizado. Aún antes de su estreno, la película ha generado mucha polémica y una airada reacción del FBI, quienes rechazan la hipótesis (supuestamente mostrada en el film) que Hoover tenía una relación sentimental con su socio Clyde Tolson. Eastwood suele dirigir muy bien a sus actores, así que será interesante ver qué resultados logra Leonardo DiCaprio con un papel tan prometedor.

Coro de desadaptados

2011-09-27T21:22:00.003-05:00

Desde su estreno en mayo de 2009, la serie televisiva Glee se convirtió en un fenómeno de masas alrededor del mundo. La historia de un grupo de perdedores que forman un coro en su colegio revivió el género musical en la televisión y se llevó durante dos años consecutivos el Globo de Oro a mejor serie de comedia o musical. Ahora llega al cine en la forma de un documental titulado Glee 3D: La película (Glee: The 3D Concert Movie).

Existen tres dimensiones paralelas que se van mostrando durante el espectáculo. La primera muestra varios números musicales grabados durante los conciertos que el elenco de la serie ofreció en New Jersey. Las canciones, que han sido previamente interpretadas en la primera y segunda temporada del programa, son nuevas versiones de temas clásicos (como “Somebody to love” de Queen y “I want to hold your hand” de The Beatles) o de artistas pop que dominan actualmente las emisoras radiales (como Katy Perry y Lady Gaga). Además incluyen un tema original, “Loser like me”, cuyas letras resumen a la perfección la actitud de la serie, entre desenfadada y optimista.

La segunda dimensión nos lleva tras bastidores para entrevistar a los personajes de la serie, quienes fingen rivalidades, exhiben su egolatría y le agradecen a sus admiradores por tanta devoción. Lamentablemente, este es el tercio menos interesante de la cinta, pues desaprovechan la oportunidad de mostrar facetas desconocidas del elenco o propiciar una mayor interacción entre ellos.

La tercera y última dimensión presenta el efecto que ha creado Glee en la vida de sus fanáticos. El documental se concentra en tres de ellos, quienes revelan cómo sus propias experiencias se relacionan con los temas de la serie. De las tres historias, la más relevante es la de una adolescente con el Síndrome de Asperger, quien gracias a Glee tuvo el valor de vencer muchos de sus temores y convertirse en una persona más sociable.

Si bien la tecnología 3D permite potenciar el espectáculo visual de ciertos números musicales, su aporte no es fundamental para disfrutar la experiencia del concierto. Por ejemplo, los saltos y acrobacias de las coreografías lucen impactantes, pero los efectos más emocionantes son los que causan las voces privilegiadas de Lea Michele, Amber Riley o Naya Rivera.

Aunque Gwyneth Paltrow canta “Forget you” con irreverencia, para el público es imposible olvidarla. Su breve presencia es uno de los puntos más altos del concierto, tal y como ocurrió cuando apareció en algunos capítulos de la segunda temporada de la serie.

Para aquellos que no están familiarizados con el programa de TV, la experiencia de Glee 3D: La película puede resultar insignificante, porque es un film diseñado para complacer a los seguidores de la serie, entre quienes me incluyo. Las escenas del concierto causan una incontenible necesidad de mover los pies y cantar en voz alta los mejores temas. Al final, deja una sensación de alegría que puede resultar peligrosamente contagiosa.

Título original: Glee: The 3D Concert Movie
País y Año: Estados Unidos 2011
Director: Kevin Tancharoen
Actores: Lea Michele, Darren Criss, Chris Colfer, Heather Morris, Cory Monteith, Naya Rivera, Amber Riley, Gwyneth Paltrow, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Amores burros

2011-09-14T21:29:00.005-05:00

Algunas veces, una ilusión amorosa puede embrutecer a las víctimas que caen bajo su efecto hipnótico. Precisamente, eso les ocurre a varios personajes de la comedia Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love.), la cual entrecruza algunas historias paralelas de romances imposibles, separaciones y desencuentros.

Ese esquema argumental me recordó mucho a la divertida película británica Realmente Amor (Love Actually), pero esta última es ciertamente superior. Ambas comedias muestran gente de distintas edades sucumbiendo al amor o sufriendo porque no son correspondidos. Si bien las dos películas tienen algunos clichés y resoluciones esquemáticas, también dejan espacio para la sorpresa.

En Loco y estúpido amor, Emily (Julianne Moore) le pide el divorcio a su esposo Cal (Steve Carell) y le confiesa que le ha sido infiel. Cal debe enfrentar su inesperada soltería, para lo cual recibe la ayuda de Jacob (Ryan Gosling), quien siente tanta pena por él cuando lo conoce en un bar, que se ofrece a enseñarle a conquistar a mujeres anónimas… como entrenamiento para luego reconquistar a su esposa.

Jacob puede tener a las chicas que desee, pues siempre caen rendidas ante sus calculados trucos de seducción. O mejor dicho, casi siempre, porque su metodología no funciona cuando conoce a Hannah (Emma Stone), una abogada muy concentrada en su carrera. Por otro lado, el hijo de trece años de Cal y Emily está obsesionado con su niñera de diecisiete años, quien a su vez se ilusiona con Cal, sin importarle la diferencia de edad.

Como decía al inicio, la película sigue algunas rutas predecibles, como la transformación del hombre común y corriente en un irresistible seductor (incluyendo el clásico y tantas veces visto cambio de look logrado gracias a una rápida incursión por la peluquería y las tiendas de ropa de diseñador). Sin embargo, el guión también se reserva más de un giro inesperado, algunos diálogos mordaces y varias situaciones realmente hilarantes.

El reparto está compuesto por varios actores con indiscutible talento para la comedia. Steve Carell logra hacernos reír como en las comedias Virgen a los 40 años, El Super Agente 86 o la genial Little Miss Sunshine. Julianne Moore está espléndida como siempre, aunque su papel no le permite explotar su enorme potencial cómico y dramático como en The Kids Are All Right, por citar otra película en la que ella interpretaba a una mujer en plena crisis matrimonial.

No obstante, la verdadera sorpresa del elenco es el canadiense Ryan Gosling, quien se hizo famoso gracias a dramas como The Notebook o Half Nelson (la cual le valió una nominación al Oscar). En Loco y estúpido amor, Gosling demuestra un buen ritmo para la comedia, una actitud desenfadada y dominio de escena.

Sin llegar a ser una comedia infalible, esta película nos recuerda que así como el amor puede afectar nuestro coeficiente intelectual, también tiene el poder de motivarnos a ser mejores individuos. Y eso no es ni loco ni estúpido.

Título original: Crazy, Stupid, Love.
País y año: Estados Unidos 2011
Directores: Glenn Ficarra y John Requa
Actores: Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone, Kevin Bacon, Marisa Tomei, Analeigh Tipton, Jonah Bobo, entre otros.
Calificación: ***

La asimilación del dolor

2011-09-04T19:21:00.004-05:00

Cuando alguien cercano muere, a menudo nos hundimos en un agujero del cual no todos podemos salir a la misma velocidad. Al otro lado del corazón (Rabbit Hole) muestra cómo una pareja de esposos afronta la muerte prematura de su pequeño hijo e intenta sobrevivir al dolor.

Becca (Nicole Kidman) quiere desaparecer las huellas de su existencia: juguetes, ropa, dibujos. Howie (Aaron Eckhart) intenta aferrarse a esos recuerdos y sentir que su hijo revive a través de los videos que él grabó con la cámara de su celular. Además, Howie intenta encontrar consuelo en un grupo de terapia para padres que han pasado por la misma experiencia que ellos, pero Becca se resiste a recibir sermones religiosos o respuestas complacientes. Ella sabe bien que ninguna palabra de aliento podrá devolverle la vida a su hijo.

El dolor de ambos es tan grande que ninguno sabe bien cómo ayudar al otro, porque no pueden cicatrizar primero sus propias heridas. Las alternativas que cada uno encuentra de hacer catarsis, a escondidas del otro, ponen en riesgo su matrimonio pero los hace soñar con la posibilidad de sentir alivio.

A pesar de que la tristeza sobrevuela el firmamento de esta historia, el director John Cameron Mitchell no se queda sólo en el plano deprimente y le añade a las situaciones más tensas y ásperas un humor irreverente y un fuerte ánimo de lucha, como rutas de escape frente al conformismo.

Nicole Kidman ya ha demostrado que es una de las mejores actrices de su generación, en papeles que le han demandado una gran inmersión emocional (Los otros, Las Horas, Dogville, Birth y un largo etcétera). En Al otro lado del corazón, está impecable como una mujer vulnerable que no sabe cómo escapar del laberinto del sufrimiento. El correcto balance entre intensidad y sutileza que logra en su brillante actuación se evidencia, por ejemplo, cuando intenta fingir ante su familia que no le afecta el embarazo de su hermana.

En el reparto también destacan Aaron Eckhart y Dianne Wiest, quien interpreta a la madre de Becca. Wiest está extraordinaria cuando pronuncia un hermoso monólogo sobre la asimilación del dolor por la muerte de un ser querido.

Al otro lado del corazón toca temas muy sensibles y que podrían caer en el denso campo minado del sentimentalismo, pero felizmente son manejados con tacto, audacia y sobre todo, mucha autenticidad. Sin llegar a ser fatalista, invita a comprender que la vida continúa y que a pesar de que el dolor no desaparece, uno aprende a convivir con él para salir del agujero de la depresión.

Título original: Rabbit Hole
País y Año: Estados Unidos 2010
Director: John Cameron Mitchell
Actores: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Milles Teller, Tammy Blanchard, Sandra Oh, entre otros.
Calificación: **** 1/2

La cinefilia útil III

2011-08-21T21:58:00.007-05:00

Como parte de las muestras paralelas del XV Festival de Cine de Lima, pude ver algunas películas provenientes de Estados Unidos, México, España y Dinamarca.

Estados Unidos

Medianoche en París (Midnight in Paris) es la más reciente cinta del prolífico director y guionista Woody Allen. Gil (Owen Wilson) es un escritor que viaja a la capital francesa junto a su novia Inez (Rachel McAdams). De día, Inez y sus padres atosigan a Gil con los preparativos de la boda. Pero cuando llega la medianoche, Gil encuentra un atajo hacia la mágica década de 1920 y encuentra en ella nuevas fuentes de inspiración.

Esta comedia romántica es un nuevo triunfo en la gira europea de Woody Allen (después de Match Point y Vicky Cristina Barcelona). Representa una declaración de amor a París, al arte y a la pasión que hace funcionar el motor creador de los artistas. Asimismo, es una hermosa reflexión sobre cómo el vivir añorando e idealizando un pasado mejor, nos impide ver que el presente también puede ser maravilloso y productivo. En el numeroso reparto, que incluye a Kathy Bates, Carla Bruni, Michael Sheen y Adrien Brody, destaca la francesa Marion Cotillard, irresistible en el papel de musa. Calificación: **** 1/2.

México

La otra familia es la historia de Hendrix, un niño de 7 años que es abandonado por su madre drogadicta y rescatado por Ivana, quien lo deja temporalmente en casa de una pareja gay, Jean Paul y Chema. Sin embargo, el novio de la madre de Hendrix pretende vender el niño a un matrimonio que no puede concebir hijos.

Este drama está concebido con buenas intenciones: promover la tolerancia, denunciar el tráfico de menores, mostrar las dificultades que tienen las parejas de gays y lesbianas cuando desean tener hijos. Sin embargo, el director Gustavo Loza se vale de ciertos clichés (como la infaltable súplica a la Virgen de Guadalupe para que solucione todos los problemas) y de un reparto sacado de los foros de Televisa, lo cual le resta credibilidad a su propuesta. Calificación: ** ½.

España

Amador es un anciano (Celso Bugallo) que queda al cuidado de una inmigrante peruana, Marcela (Magaly Solier). Cuando él muere repentinamente, ella teme quedarse desempleada, así que decide ocultar la noticia de su fallecimiento a la familia de Amador.

Si bien Magaly Solier sigue evolucionando como actriz y resulta efectiva al transmitir la desesperación e ingenuidad de su personaje, sería mejor para ella probar otros papeles más desafiantes. El director español Fernando León de Aranoa, siempre fascinado por los personajes marginales y luchadores, retrata con calidez la interacción entre Marcela y Amador. Asimismo, la aparición de la prostituta Puri alivia la tensión y genera momentos de mucho humor. Sin embargo, la relación de Marcela y su novio Nelson (Pietro Sibille) es un elemento que se siente incompleto y poco trabajado. Calificación: ***.

Dinamarca
En un mundo mejor (Hævnen) cruza los destinos de dos familias fragmentadas. Christian acaba de perder a su madre y este suceso genera en él mucha rabia e impotencia. En el colegio donde es transferido, se hace amigo de Elias, un niño víctima del bullying, cuyo padre es un doctor que trabaja en un campo de refugiados en África.

Esta producción danesa, ganadora del Oscar a la mejor película extranjera en la ceremonia de este año, muestra un paralelo entre la moral de los adultos y sus efectos en el aprendizaje de los niños. También compara los conflictos sociales de Europa y África, cuya resolución no es muy diferente: si te golpean, pega más fuerte. Esta intensa parábola sobre el efecto multiplicador de la violencia y las reacciones destructivas que genera a su paso, es cautivante de principio a fin, aunque en el desenlace se excede un poco en su afán didáctico. Calificación: *** ½.

La cinefilia útil II

2011-08-20T11:58:00.011-05:00

Siguiendo con el XV Festival de Cine de Lima, estas son las películas que vi de Uruguay, Argentina, Brasil y Chile.

Uruguay

La vida útil de Federico Veiroj es la historia de Jorge, quien trabaja desde hace 25 años en la Cinemateca de Montevideo. Por problemas financieros, la institución se ve obligada a cerrar y Jorge tiene que adaptarse al mundo real.

El protagonista es el crítico de cine Jorge Jellinek, quien se luce sobre todo en una escena de antología, en la que da un monólogo sobre la mentira. La vida útil, filmada en blanco y negro, es un homenaje a la pasión que genera el sétimo arte en los cinéfilos y una reflexión sobre la influencia que generan las películas en nuestra vida, cuando se acaba la función y salimos a caminar por el mundo. Calificación: *** ½.

Argentina

Por tu culpa es una película inquietante. Julieta está recién separada de su esposo. Un domingo por la noche ella intenta trabajar en la computadora, mientras sus dos hijos juegan sobre la cama. De pronto, el más pequeño cae al piso y se golpea el brazo. En la clínica, el doctor descubre otros golpes en el cuerpo del niño y sospecha que es maltratado por su madre.

El jurado decidió premiar a Anahí Berneri con el trofeo a la mejor directora del festival, por su destacada dirección de actores y precisa creación de atmósferas tensas. Durante toda la cinta, Berneri mantiene una constante sensación de peligro, como si algún evento terrible estuviera a punto de ocurrir. La protagonista Erica Rivas construye un personaje desconcertado, temeroso y necesitado de afecto. Finalmente, el brazo fracturado del niño es una representación de otras grietas que mantienen a esta familia separada. Calificación: *** ½.

Brasil

Trabajar cansa muestra a una pareja de esposos afectados por la crisis económica. Otávio (Marat Descartes) es despedido repentinamente y tiene que buscar trabajo. Helena (Helena Albergaria, premiada por el jurado como la mejor actriz) abre un minimarket, pero le cuesta captar clientes y una repentina mancha en la pared se convierte en su obsesión.

La película, dirigida por Marco Dutra y Juliana Rojas, cambia de tono constantemente: de la comedia al terror y del drama al suspenso. Resulta mucho más efectiva cuando retrata con humor una ridícula dinámica grupal o un seminario sobre cómo postular con éxito a un empleo. Sin embargo, la cinta cae en un exceso decepcionante cuando se revela lo que se esconde detrás de la pared del minimarket. Ambas historias pretenden concluir que los hombres seguimos siendo seres primitivos. Calificación: ***.

Chile
La vida de los peces transcurre en una fiesta de cumpleaños. Andrés (Santiago Cabrera) vive en Berlín desde hace 10 años y está de paso por Santiago. Durante la reunión, se reencuentra con viejos amigos y con Beatriz (Blanca Lewin), su ex pareja con la que todavía tiene algunas heridas por cerrar.

El guión (co-escrito por el director Matías Bize) sigue un esquema un tanto repetitivo: Andrés conversa con otro personaje, se despide, intenta irse de la reunión y se vuelve a encontrar con alguien con quien se queda conversando. Sin embargo, donde sí triunfa el guión es en la construcción de diálogos que generan una inmediata identificación con el espectador, primero al recrear el reencuentro de Andrés con sus amigos de toda la vida y luego, al invitarnos a cuestionar aquellas decisiones que giran nuestra vida hacia otra dirección. La fotografía logra transmitir la calidez de una reunión que nos acoge y al mismo tiempo nos causa nostalgia. Calificación: *** ½.

En el próximo post: las películas de las muestras paralelas (Estados Unidos, México, España y Dinamarca).

La cinefilia útil I

2011-08-16T21:27:00.009-05:00

En el XV Festival de Cine de Lima, los más pequeños fueron los grandes protagonistas. Muchas de las películas proyectadas se enfocaron en la niñez y los peligros que la acechan: violencia, indiferencia paterna, abandono, etc. Cintas provenientes de Latinoamérica y Europa nos abrieron la puerta a universos paralelos en los que la edad de la inocencia se ve contaminada por un entorno cada vez más hostil.

El jurado de la sección oficial de competencia (ficción) tuvo una presidenta de lujo: la carismática Geraldine Chaplin, digna heredera del legendario Charles Chaplin. Junto con ella, los demás espectadores pudimos apreciar decenas de cintas peculiares e impactantes, que reafirmaron la utilidad de nuestra cinefilia.

Perú

Las malas intenciones está ambientada a inicios de los años 80, cuando el terrorismo comenzaba a carcomer el Perú. Cayetana (Fátima Buntinx) es una niña de 8 años que está celosa del bebé que está esperando su mamá. Ella cree que el día que él nazca, ella morirá.

La directora y guionista Rosario García-Montero recrea con acierto la crisis de una niña que se siente olvidada y nos invita a fantasear con sus históricos amigos imaginarios: los héroes nacionales Olaya, Grau y Bolognesi. La cinta recuerda a la novela de Bryce Echenique Un mundo para Julius por la mirada infantil de un mundo privilegiado, pero frágil y etéreo. Sin dudas, fue la mejor película de la sección oficial de competencia (ficción). Calificación: ****.

Coliseo, de Alejandro Rossi, es la historia de Marcial y Esperanza, dos jóvenes que participan en un concurso de huaylarsh para salvar la carpa de música folklórica en la cual practican sus danzas y que pertenece a los abuelos de Marcial, quienes, a su vez, acogieron a Esperanza cuando era niña.

Lo mejor de esta fallida película son las escenas de danza, en las que el huaylarsh se luce majestuoso. Lamentablemente, los protagonistas Luis Enrique Gastelu y Noelia Ramírez evidencian su inexperiencia actoral y demuestran que su mayor talento es sólo la danza. Incluso actores de respetada trayectoria como Delfina Paredes y Aristótoles Picho se ven obligados a recitar diálogos esquemáticos y forzados en este cuento de hadas de migrantes soñadores. Calificación: **.

Colombia

Los colores de la montaña sigue de cerca a tres niños del campo colombiano: Manuel, Julián y “Poca Luz” (quien recibe este apodo por ser albino y cegatón). El balón de fútbol que a Manuel le regalaron por su cumpleaños, cae accidentalmente en un campo minado y los tres amigos se lanzan a la aventura de rescatarlo.

Mientras que los niños están rodeados de minas antipersonales, sus padres deben lidiar con las guerrillas y los paramilitares. A pesar de que podría haber sido un drama más intenso, el director Carlos César Arbeláez prefiere darle un tono más ligero a esta propuesta pacifista, enfatizando el poder del deporte y el arte (la pintura) como alternativas frente a la violencia. El mayor acierto está en la elección del reparto infantil. Calificación: ***.

En el próximo post: las películas de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay.

Las estaciones de la depresión

2011-07-16T12:50:00.003-05:00

Normalmente sólo comento películas que están en la cartelera, pero como en las últimas semanas ésta no ofrece nada interesante, voy a escribir sobre una pequeña joya que vi en DVD y que es una de las mejores cintas que NO se han estrenado este año en nuestras salas de cine.

Another year es la crónica de un año entero en la vida de una pareja de esposos sexagenarios, Tom (Jim Broadbent) y Gerri (Ruth Sheen). A lo largo de las cuatro estaciones del año, este matrimonio feliz recibe la visita de familiares, amigos y compañeros de trabajo que sufren de depresión, tristeza o infelicidad.

El único hijo de la pareja es Joe, un hombre de treinta y pocos años que ve con envidia y melancolía cómo la mayoría de sus amigos ya se han casado, mientras él sigue soltero. Gerri trabaja como terapeuta y una de sus pacientes tiene una severa depresión, pero no quiere afrontar la situación. El hermano de Tom acaba de enviudar y su silencio evidencia un fuerte impacto emocional.

Sin embargo, el personaje más destacado es Mary (Lesley Manville), una compañera de Gerri que está divorciada y se siente sola, por lo que busca afecto desesperadamente, así sea en las personas equivocadas. Los cambios de ánimo de Mary funcionan como una metáfora de las estaciones del año: muta del cálido entusiasmo del verano a la fría depresión del invierno, pasando por los vientos de la melancolía en el otoño.

La actuación de Lesley Manville es sencillamente extraordinaria. A pesar de que su personaje comienza siendo irritante, luego compartimos su terrible sensación de soledad y carencia. La escena final, con la cámara pendiente de ella en todo momento, resulta devastadora.

El director y guionista británico Mike Leigh es especialista en retratar las relaciones humanas de manera aparentemente sencilla, pero con un fuerte trasfondo emocional. Sus diálogos cotidianos y sembrados de inesperado humor negro, así como la descripción de situaciones incómodas parecen extraídos de algún episodio de nuestras propias vidas. De hecho, sus guiones han sido nominados al Oscar en cinco oportunidades, incluyendo Another year.

En su maravillosa cinta previa, La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky), Leigh mostró el optimismo desbordante de una mujer en un entorno de gente egoísta y hostil. En Another year, en cambio, expone todo lo contrario: el pesimismo de algunos personajes que se sienten estancados en una vida gris y el contraste con la felicidad inalcanzable que los rodea.

Otro tema que aborda Leigh en esta película es el inexorable paso del tiempo y cómo la llegada de nuevas etapas nos produce desconcierto y ganas de aferrarnos al pasado. Pero como demuestra el matrimonio de Gerri y Tom que viven sus años otoñales, cada estación de nuestra existencia merece ser disfrutada y compartida, más aún cuando llega el invierno y congela los ánimos.

Título original: Another year
País y año: Reino Unido 2010
Director: Mike Leigh
Actores: Jim Broadbent, Ruth Sheen, Lesley Manville, Imelda Staunton, Oliver Maltman, Karina Fernández, David Bradley, entre otros.
Calificación: **** 1/2

Terror surreal

2011-07-07T23:41:00.005-05:00

La casa muda es una película uruguaya que se promociona como “terror real en tiempo real”, porque según sus realizadores ha sido filmada en una sola toma, sin cortes de edición. Más allá de la discutible veracidad de esa afirmación, la cinta genera interés por otros motivos.

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) son contratados para refaccionar una vieja casa de campo, cuyo dueño (Abel Tripaldi) planea poner a la venta. La indicación es que pasen la noche en el primer piso de la vivienda y que comiencen los trabajos a la mañana siguiente. Al oír unos ruidos extraños que provienen de arriba, Laura se angustia y despierta a su padre, quien sube a ver qué ocurre.

A partir de entonces, comenzamos a aceptar las convenciones del género de terror. Una mujer se queda sola, atrapada y desesperada en una casa que no tiene luz eléctrica y que representa una amenaza mortal. Se multiplican las señales que nos advierten sobre la presencia de un ente maligno. ¿Se tratará un asesino en serie? ¿Serán zombies, fantasmas o aliens? La duda nos persigue mientras la heroína intenta escapar con vida de la casa maldita.

El director Gustavo Hernández sabe cómo construir el suspenso y mantenerlo latente por lo menos en los dos primeros tercios de la película. La oscuridad de la casa acrecienta nuestra ansiedad y el trabajo de cámara resulta meritorio, pues con muy poca luz tienen que mostrarnos, en los momentos precisos, los elementos que van armando el rompecabezas.

Sin embargo, en el tercio final de la película un giro inesperado nos obliga a replantear todas las escenas que hemos visto hasta entonces. El cambio de timón nos sacude y confunde, hasta que intentamos interpretar las motivaciones detrás de los hechos y descubrimos que, bajo el nuevo escenario, muchos de los sucesos iniciales carecen de lógica.

Durante los créditos finales y en una escena posterior a estos, aparecen otras evidencias que guían a los espectadores con vocación de investigador o detective hacia nuevas hipótesis. Para aquellos que disfrutan del género de terror, La casa muda es una experiencia casi surreal que destaca más por su osadía y buen uso de pocos recursos, que por la (in)consistencia del guión.

Título original: La casa muda
País y año: Uruguay 2010
Director: Gustavo Hernández
Actores: Florencia Colucci, Abel Tripaldi, Gustavo Alonso y María Salazar.
Calificación: ***

La belleza de la complejidad humana

2011-06-25T20:04:00.005-05:00

En la producción hispano-mexicana Biutiful, Javier Bardem interpreta a Uxbal, un hombre que enfrenta la inminencia de la muerte al saber que padece una enfermedad en fase terminal. Mientras intenta aceptar su final, tiene que resolver el futuro de sus negocios ilegales y el destino de sus dos pequeños hijos.

La vida de Uxbal está sujetada por varias cuerdas tensas. Su esposa Marambra (Maricel Alvarez) padece de trastorno bipolar y, lejos de ayudarle en la crianza de sus hijos, se vuelve una hija más. Por otro lado, los inmigrantes chinos y senegaleses con los que hace negocios viven en condiciones extremas y su supervivencia depende en buena medida de las maniobras que pueda hacer Uxbal.

El director mexicano Alejandro González Iñárritu suele exponer de manera descarnada el sufrimiento humano (21 gramos, Babel). Biutiful es una nueva demostración de dolor extremo, pero también del amor paternal que motiva a Uxbal a aferrarse a la vida. Las escenas en las que cena y conversa con sus hijos nos llevan de la liviana ternura al peso de la resignación.

Quizás como Iñárritu está acostumbrado a contar múltiples historias paralelas (característica que inició con su ópera prima Amores Perros), aquí también intenta abarcar muchos temas y eso termina afectando el conjunto. Las historias de los migrantes, por ejemplo, ocupan más metraje del necesario y su impacto es reducido.

Por otro lado, la cinta también decae cuando se interna en el fantasioso terreno de lo sobrenatural. Uxbal puede hablar con los muertos e incluso imagina que estos están colgados del techo, lo que desentona con el resto de la cinta.

Sin duda, el mayor atractivo de Biutiful es la magistral actuación de Javier Bardem, uno de los intérpretes más notables y versátiles que le ha dado España al mundo. Esta película le hizo ganar el premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2010 y le valió una nominación al Oscar 2011 (perdió frente a Colin Firth). Su compenetración con el personaje nos transmite al mismo tiempo la desesperación de morir y el instinto de protección de nuestros seres queridos. Resume la belleza de saber que los seres humanos somos complejos, pero finalmente pasajeros en tránsito.

Título original: Biutiful
País y año: México y España 2010
Director: Alejandro González Iñárritu
Actores: Javier Bardem, Maricel Alvarez, Guillermo Estrella, Hanaa Bouchaib, Eduard Fernández, entre otros.
Calificación: ***

El orgullo mutante

2011-06-12T21:03:00.003-05:00

Después de una fallida tercera parte y una olvidable película dedicada exclusivamente a Wolverine, la saga X-Men regresa con el ADN rejuvenecido para mostrarnos los orígenes de sus principales líderes: el profesor X y Magneto, antes de que se conviertan en rivales.

X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class) nos transporta a los campos de concentración del Holocausto, donde el niño Erik Lehnsherr es manipulado por su capacidad para atraer y retorcer metales. Años más tarde, Erik busca vengarse de los asesinos de sus padres y, en su camino, se encuentra con Charles Xavier, un experto en telepatía recién graduado de la Universidad de Oxford, quien está publicando su tesis sobre la mutación.

Erik y Charles se convierten en aliados de la CIA, ya que tienen un poderoso enemigo en común: Sebastian Shaw (Kevin Bacon), otro mutante que posee la capacidad de absorber energía. En ese proceso, los dos bandos reclutan a varios mutantes jóvenes para unirse en un enfrentamiento que ocurre en paralelo con la Guerra Fría.

Esta película sigue una estrategia similar a la de Batman inicia y Casino Royale: contar el origen de sus protagonistas, ahondando en su perfil psicológico y en los momentos de quiebre que los estimulan a convertirse en héroes o vengadores. En este caso, los traumas de Erik son el combustible que lo anima a saciar su sed de venganza, mientras que Charles utiliza su liderazgo y poder de convencimiento para formar a las generaciones más jóvenes de mutantes.

El casting no podría ser más acertado. El actor alemán Michael Fassbender (300, Bastardos sin Gloria) le inyecta a Magneto una profunda carga dramática y una vehemencia inoxidable. James McAvoy (El último rey de Escocia, Expiación) le imprime carisma y empatía a la versión juvenil del Profesor X. Jennifer Lawrence (nominada al Oscar este año por Lazos de Sangre) muta de la inseguridad al orgullo en la piel de la camaleónica Mystique.

Justamente, X-Men: Primera Generación retoma y potencia algunos temas que ya habían aparecido en películas anteriores de la saga: la aceptación de las minorías y el orgullo de saberse diferente y único. Ese mensaje de tolerancia funciona mejor que el subtexto político de la Guerra Fría y los gastados mensajes televisados de John F. Kennedy.

11 años después del estreno de la película X-Men, esta precuela revitaliza la saga gracias a espectaculares efectos visuales, sólidas actuaciones y un guión que sabe cómo generar tensión a partir de diálogos precisos y sutiles.

Título original: X-Men: First Class
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Matthew Vaughn
Actores: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Jennifer Lawrence, January Jones, Rose Byrne, Nicholas Hoult, entre otros.
Calificación: *** 1/2

La resaca de lo vivido

2011-06-04T20:24:00.003-05:00

Hace dos años, la comedia ¿Qué pasó ayer? (The Hangover) fue un inesperado éxito de taquilla y de crítica. La ingeniosa crónica de tres amigos que despiertan con una resaca infernal en Las Vegas, sin recordar nada de lo que pasó la noche anterior, fue celebrada por su espíritu festivo, atrevido, mordaz y tóxicamente divertido. Incluso ganó el Globo de Oro a mejor película del año en la categoría comedia/musical.

¿Qué pasó ayer? Parte II reúne al mismo grupo de amigos en una alocada despedida de solteros, que se transforma a la mañana siguiente en la búsqueda de una persona desaparecida. Esta vez, el escenario elegido para la juerga extrema es Bangkok, Tailandia, una ciudad más salvaje y peligrosa que Las Vegas.

Las coincidencias con la primera película son tantas que hasta cierto punto uno se pregunta si esto realmente es una secuela o es más bien un remake de la anterior. El director Todd Phillips juega a lo seguro y no corre riesgos: repite la misma fórmula ganadora de su guión original, recreando escenas y situaciones bastante similares.

Sin embargo, dentro de las pocas novedades, encontramos un par de elementos interesantes. De hecho, quien causa gran parte de las carcajadas es un pequeño mono que fuma compulsivamente y es usado como traficante de drogas. También funciona muy bien la presencia de un monje budista que sabe lo que pasó la noche anterior, pero no les puede decir nada porque hizo un voto de silencio desde niño.

Del trío de protagonistas, el personaje más interesante sigue siendo Alan (Zach Galifianakis), el obeso rebelde que es capaz de todo por proteger a su manada de amigos y que, a pesar de su comportamiento infantil, defiende sus argumentos con una solemnidad de mártir. Es imposible no quererlo, a pesar de sus estupideces.

La secuela de ¿Qué pasó ayer? deja, a su vez, ciertas secuelas en el espectador que podrían parecerse a las de una resaca: los recuerdos se mezclan con las alucinaciones de lo que podría haber pasado si se evitaran los excesos, los mejores momentos nos hacen reír y los peores nos invitan a no caer en la tentación de repetir lo mismo. Dos juergas idénticas ya fueron suficientes.

Título original: The Hangover Part II
País y Año: Estados Unidos 2011
Director: Todd Phillips
Actores: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Keon Jeong, Justin Bartha, Paul Giamatti, Mike Tyson, entre otros.
Calificación: ** 1/2

30 Clásicos de Cannes: 2001 – 2010

2011-05-19T21:44:00.004-05:00

Cada año en el mes de mayo, la Costa Azul francesa se convierte en el epicentro del mayor movimiento cinematográfico en el mundo. El Festival de Cannes, el más prestigioso y codiciado, reúne a los mejores autores del cine contemporáneo, descubre a nuevos talentos y marca la pauta de lo que los cinéfilos veremos el resto del año.

De las decenas de películas que se proyectan anualmente en el festival, quisiera rescatar 30 títulos muy recomendables que durante la última década se dieron a conocer primero en Cannes y luego deslumbraron al resto del mundo.

2001: La Palma de Oro (el premio a mejor película otorgado por el jurado) fue para la conmovedora cinta italiana La habitación del hijo (La Stanza del figlio). También se estrenaron dos obras maestras: el fantástico musical Moulin Rouge! de Baz Luhrmann y la hipnótica Mulholland Dr. de David Lynch.

2002: La Palma de Oro fue para El pianista, el drama del Holocausto dirigido por Roman Polanski. También fueron parte de la competencia oficial el impactante documental Bowling for Columbine de Michael Moore y About Schmidt de Alexander Payne, con la genial actuación de Jack Nicholson.

2003: Se estrenó la extraordinaria Dogville, dirigida por el controvertido danés Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Además se proyectaron Río Místico de Clint Eastwood y la brasileña Carandiru de Hector Babenco.

2004: La Palma de Oro fue para el documental Fahrenheit 9/11 de Michael Moore, que desnudó los verdaderos intereses de George W. Bush en Afganistán e Irak. Otros estrenos memorables fueron: Diarios de motocicleta de Walter Salles, que mostraba el recorrido del Che Guevara por Sudamérica; y Shrek 2, la divertida secuela de la saga del ogro verde.

2005: El premio al mejor director fue para Michael Haneke por la perturbadora película Escondido (Caché). Otras cintas notables fueron: Una historia violenta de David Cronenberg y Flores Rotas de Jim Jarmusch.

2006: Fue un año extraordinario para el cine en español. La obra maestra Volver de Pedro Almodóvar se llevó dos premios: mejor guión y mejor actriz (para todo el elenco femenino, desde Penélope Cruz hasta Carmen Maura pasando por Lola Dueñas). Dos mexicanos presentaron fábulas inolvidables: Alejandro González Iñárritu estrenó Babel y Guillermo Del Toro nos llevó de paseo por El laberinto del fauno.

2007: La cautivadora cinta francesa El llanto de la mariposa recibió el premio al mejor director para Julian Schnabel. También estuvieron en competencia dos películas que tienen en común la presencia de asesinos difíciles de atrapar: Sin lugar para los débiles de los hermanos Coen y Zodiaco de David Fincher.

2008: Sudamérica tuvo muy buenos representantes. Argentina presentó dos títulos en competencia: la brillante Leonera de Pablo Trapero (que ese mismo año se llevó el premio a mejor película en el Festival de Cine de Lima) y la inquietante La mujer sin cabeza de Lucrecia Martel. También se estrenó Ceguera del brasileño Fernando Meirelles.

2009: La Palma de Oro fue para La Cinta Blanca de Michael Haneke, un macabro relato que mostraba la crueldad de unos niños alemanes. Ese año dos reconocidos directores añadieron nuevos títulos a su galería de clásicos: Quentin Tarantino reinterpretó la Segunda Guerra Mundial en Bastardos sin Gloria y Pedro Almodóvar le declaró su amor al cine en Los Abrazos Rotos.

2010: De las películas en competencia oficial sólo he visto la argelina Outside the Law (Hors-la-loi), sobre tres hermanos que luchan por la independencia de su país. En la sección paralela Una cierta mirada, destacaron la argentina Carancho de Pablo Trapero y la peruana Octubre de los hermanos Daniel y Diego Vega.

Este año el Festival de Cannes va desde el 11 hasta el 22 de mayo. Entre los títulos más prometedores de la sección oficial están: La piel que habito de Pedro Almodóvar, Habemus Papam de Nanni Moretti, The Tree of Life de Terrence Malick, Melancholia de Lars von Trier y la aclamada We need to talk about Kevin de Lynne Ramsay. ¿Cuáles de ellas se convertirán en clásicos? ¿Cuál conquistará al jurado compuesto por personalidades como Robert De Niro, Uma Thurman, Jude Law y Martina Gusmán? Pronto lo sabremos.

El viaje de los que sobran

2011-04-22T23:21:00.005-05:00

Dos comedias recientemente estrenadas nos llevan de paseo por los exóticos confines del relajo y el absurdo. La primera escala es en Rio de Janeiro, Brasil. La segunda, en Hawái, Estados Unidos. Desabróchense los cinturones.

Postales brasileñas

Blu es un guacamayo azul domesticado que viaja junto a su dueña desde la helada Minnesota hacia la cálida Rio de Janeiro para conocer a Perla, la última hembra sobreviviente de su especie. Por ser aves tan exóticas, caen en las garras de una cacatúa inescrupulosa, que forma parte de una banda de traficantes. Su sueño de libertad se complica porque el tímido Blu ni siquiera sabe volar.

Rio es la nueva cinta animada de Blue Sky Studios y Twentieth Century Fox Animation, el mismo equipo que produjo La era de hielo. Al igual que en esa trilogía, Rio alza vuelo entre el humor, la aventura, el romance y el desesperado intento de los animales por sobrevivir a la extinción. Sólo que ahora lo hacen a ritmo de samba.

El gran acierto de Rio está en incorporar coloridos y vistosos números musicales (como la deslumbrante escena inicial), que transmiten la desbordante energía del país carioca. Sin embargo, en el afán de utilizar los más conocidos referentes brasileños, todos los personajes de la cinta aparecen mágicamente en el desfile de carros alegóricos del carnaval, de manera forzada y poco imaginativa. Por supuesto, el espectáculo también incluye un recorrido por las favelas y se muestra la pasión por el fútbol.

Es lamentable que no se haya estrenado la versión subtitulada de esta cinta, porque en el reparto original cuenta con un gran elenco, entre quienes destacan las voces de Jesse Eisenberg (Red social), Anne Hathaway, Rodrigo Santoro, Jaime Foxx, Will.i.am, Jane Lynch, entre otros.

Título original: Rio
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Carlos Saldanha
Con las voces de: Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Rodrigo Santoro, Jaime Foxx, entre otros.
Calificación: ***

Miento, luego seduzco

Jennifer Aniston y Adam Sandler son dos rostros bastantes reconocibles de la comedia en Estados Unidos. Ella está encasillada en las comedias románticas, en las que suele repetir el mismo personaje de chica dulce que termina enamorándose en contra de su voluntad (Mi novia Polly, El caza recompensas, Loco por ella). Sandler, en cambio, está especializado en personajes más bien vulgares o con alma de bufón (Un papá genial, Click, No te metas con Zohan).

La comedia que los une se llama Una esposa de mentira (Just go with it). Sandler interpreta a Danny, un cirujano plástico acostumbrado a engañar a las chicas que quiere conquistar, haciéndoles creer que es casado pero infeliz en su matrimonio. La táctica le funciona muy bien hasta que conoce a Palmer (Brooklyn Decker), quien exige conocer a la esposa de la cual supuestamente se está separando. Como ésta no existe, Danny le pide a su asistente Katherine (Aniston), que se haga pasar por su ex. Una mentira lleva a la otra y Danny termina viajando con Palmer y toda la familia de Katherine a Háwai.

Uno ya sabe qué esperar de estas comedias románticas que tienen el mismo esquema de enamoramiento inesperado – desilusión pasajera – reconciliación. Lo que las diferencia son las situaciones diseñadas para entretener y si es posible, reír. En Una esposa de mentira hay muchas situaciones hilarantes que sirven para disimular la ridiculez del guión.

El reparto nos depara dos sorpresas agradables. En un pequeño papel, destaca Nicole Kidman como Devlin, una antigua compañera de Katherine que tiene un complejo de superioridad y una lengua ponzoñosa. También se luce Bailee Madison como la hija de Katherine, una niña que sueña con ser actriz y que habla con acento británico para impresionar. Menos acertados están Aniston y Sandler, quienes repiten su registro habitual, lo que provoca que sus actuaciones se sientan mecánicas y algo desganadas.

Título original: Just go with it
País y año: Estados Unidos 2011
Director: Dennis Dugan
Actores: Adam Sandler, Jennifer Aniston, Brooklyn Decker, Nicole Kidman, Bailee Madison, Griffin Gluck, Dave Matthews, entre otros.
Calificación: ** 1/2

Males necesarios

2011-03-23T21:00:00.004-05:00

Round 1. En una esquina, Micky Ward (Mark Wahlberg) lucha por ser el campeón en la categoría de peso mediano, a pesar de que viene perdiendo varias peleas. En la otra esquina, su medio hermano Dickie Eklund (Christian Bale), es un boxeador retirado que ahora es un adicto al crack y también es el entrenador de Micky.

Round 2. A un costado del cuadrilátero, la madre de ambos, Alice (Melissa Leo) maneja la carrera de Micky como antes lo hizo con Dickie. Alice siempre ha mostrado una abierta preferencia por su hijo mayor, lo cual aumenta la inseguridad de Micky. A pesar de que él admira a su hermano, también siente una enorme presión debido a las comparaciones.

El peleador (The Fighter) sigue una ruta similar a la de otras cintas dedicadas al box, como Rocky o Million Dollar Baby. En todos los casos, tenemos un protagonista que desafía su suerte de perdedor mientras combate sus propios problemas personales. En el caso de Micky, la complicada relación con su familia es como un guante que a veces lo defiende del ataque del oponente y otras veces lo golpea a sí mismo.

Al igual que ocurrió con esas dos cintas memorables, la Academia también cayó rendida ante los encantos de El Peleador, aunque no por knock out. Recibió siete nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película y director. Pero sólo se alzó con dos trofeos, en las categorías de actores secundarios.

Christian Bale (Oscar al mejor actor de reparto) luce irreconocible como Dickie. Más conocido por su rol de Batman en Batman inicia y El caballero de la noche, Bale logra una soberbia interpretación del decrépito boxeador que cree estar de regreso cuando en realidad está cada vez más consumido en su propia autodestrucción.

Melissa Leo (Oscar a la mejor actriz de reparto) le confiere a Alice una mezcla de gracia y cinismo, matizada con su falta de escrúpulos. Ella es la dominante matriarca de un clan que también incluye a siete hijas buenas-para-nada; de modales vulgares; melenas teñidas y estáticas por la laca; y los puños listos para derribar a todo aquel que les lleve la contra.

Quien también fue nominada en la categoría de mejor actriz de reparto fue Amy Adams, quien abandona su estereotipo de chica ingenua para meterse en la piel de la atrevida Charlene, la novia de Micky quien a veces parece más su traductora: expresa en voz alta lo que a él le cuesta exteriorizar. El punto débil de la película está justamente en el personaje de Micky, a quien le cuesta tomar sus propias decisiones porque los demás se reparten esa responsabilidad.

El peleador pudo ser sólo una película deportiva con mensaje inspirador, pero se atreve a ser más que eso. Sale triunfante gracias a su formidable elenco y al peculiar retrato de una familia compuesta de males necesarios.

Título original: The Fighter
País y año: Estados Unidos 2010
Director: David O. Russell
Actores: Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo, Amy Adams, entre otros.
Calificación: *** 1/2

La radio mató a la estrella de Internet

2011-03-05T11:57:00.009-05:00

La temporada de premios comenzó celebrando el poder de Internet y de cómo el origen de Facebook cambió nuestra manera de interactuar. Red Social se llevó 30 premios a mejor película, incluyendo el Globo de Oro y casi todos los reconocimientos de la crítica en Estados Unidos.

Sin embargo, en el Oscar, la Academia prefirió inclinarse por una cinta que celebra el poder de la radio y de cómo las palabras pueden unir a los seres humanos. El discurso del rey se llevó 4 Oscar: mejor película, director (Tom Hooper), actor (Colin Firth) y guión original.

El mejor discurso

De estos cuatro premios, el más merecido sin duda es el de Firth, quien estaba predestinado a dar el mejor discurso de la noche. Lo más memorable fue su mención a “unos movimientos abdominales que amenazan con convertirse en pasos de baile” y su agradecimiento a su esposa por “soportar mis delirios de realeza”.

Los mejores triunfos

Red Social, por su parte, recibió tres Oscar muy merecidos: mejor guión adaptado, edición y partitura original. Sin embargo, me hubiese gustado que se lleve también los premios de mejor película y mejor director (David Fincher).

Otros premios en los que sí estuve totalmente de acuerdo son:

* Mejor actriz: Natalie Portman por El cisne negro. Nicole Kidman (Rabbit Hole) y Annette Bening (The Kids are All Right) estuvieron notables, pero Portman tuvo un papel más demandante física y emocionalmente.

* Mejor película animada: Toy Story 3. Pixar se lleva el premio por cuarto año consecutivo por una sencilla razón: son los mejores.

* Mejores efectos visuales: El Origen (Inception). Es un justo reconocimiento para una estilizada cinta de ciencia ficción que construyó mundos virtuales fascinantes.

El mejor presentador

Cuando Kirk Douglas apareció en el escenario para presentar el Oscar a mejor actriz de reparto, el auditorio Kodak se puso de pie para aplaudir al legendario y nonagenario actor. Tuvo más gracia que los propios anfitriones, jugó con su bastón y supo alargar el suspenso al abrir el sobre con el nombre de la ganadora, cuando con absoluto desparpajo empezaba a contar más de una vez “You know…”. ¡Espartaco, sigues siendo un héroe!

Los maestros sin escuela

En un evidente intento por captar la atención del público adolescente, los productores del show optaron por contratar a una pareja de jóvenes actores como maestros de ceremonias: Anne Hathaway y James Franco. Mientras ella nos intentaba conquistar con su sonrisa de princesa y su entusiasmo desbordante, el pobre James lucía bastante desganado y desorientado, como si siguiera atrapado entre las rocas de su película 127 Horas.

A pesar de que hubo premios muy merecidos, el espectáculo transmitió la sensación de ser un sueño repetido o una película con guión predecible. Como los ganadores fueron los mismos de otras premiaciones, ni siquiera se esmeraron en fingir sorpresa (salvo por la procaz Melissa Leo) y por eso la mayoría de discursos carecieron de la vibrante energía que hemos visto otros años. Así como la radio mató a la estrella de Internet, la falta de emoción (casi) mató a la ceremonia.

Pánico en Palacio

2011-02-27T12:29:00.002-05:00

En el colegio, la universidad o la oficina, todos hemos sido testigos de alguien que sufre al hablar en público. Conocemos los síntomas: ataques de pánico, sudor en las manos, bloqueo mental. La situación se agrava cuando además se padece de tartamudez. Si para un simple mortal, la situación puede ser aterradora; entonces la vida debió ser una pesadilla para el Rey George VI de Inglaterra, el protagonista de El discurso del rey (The King's Speech).

Esta cinta británica nos muestra los infructuosos intentos de George VI (Colin Firth) por vencer este problema, hasta que su esposa Elizabeth (Helena Bonham Carter) conoce al especialista Lionel Logue (Geoffrey Rush). Con técnicas poco ortodoxas, Logue busca ayudar a George en momentos decisivos para Inglaterra: la muerte del Rey George V, la coronación de sus dos hijos y el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

El discurso del rey es una cinta de cambio y aprendizaje. George patalea y se desespera, quiere decir muchas cosas, pero las palabras se quedan atracadas en la punta de la lengua. Se siente minimizado ante la presencia de su padre y su hermano, quienes le producen cierta ansiedad. Pero lo quiera o no, tiene que superar esos obstáculos si quiere gobernar.

Lionel es un actor frustrado que sin embargo, utiliza su histrionismo para curar a sus pacientes. A pesar de ser un plebeyo que se toma la confianza de tutear a George y de entrometerse en su vida privada, surge una sólida amistad que supera las barreras sociales y levanta las cejas de los sectores más tradicionales del entorno real.

La mayor fortaleza de El discurso del rey está en la calidez con que retrata la relación entre el rey y su terapeuta. Humaniza a sus personajes hasta que sean palpables. Colin Firth y Geoffrey Rush están excepcionales y saben complementarse para dejar que cada uno brille cuando debe hacerlo. Mientras el primero nos involucra en sus temores y angustias, el segundo nos transmite confianza y seguridad.

La superación de la adversidad es un tema recurrente en el cine. Algunas veces se hace con excesivo sentimentalismo, pero en este caso se recortan los excesos para filtrar una emoción que se siente genuina y contagiosa. El clímax es emotivo, aunque no sea inesperado.

Sus 12 nominaciones al Oscar, más los triunfos en los Sindicatos de Productores, Directores y Actores de Hollywood la coronan como la gran favorita para esta noche. Si bien es una cinta hecha con pulcritud y elegancia, personalmente prefiero Red Social y Toy Story 3 entre las 10 nominadas a mejor película. De todos modos, celebraré cuando Colin Firth gane el premio al mejor actor. Dudo que sufra ataques de pánico al dar su esperado discurso, el primero como soberano indiscutible de la gran pantalla.

Título original: The King's Speech
País y año: Reino Unido 2010
Director: Tom Hooper
Actores: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Michael Gambon, entre otros.
Calificación: ****

El cercano Oeste

2011-02-19T21:55:00.004-05:00

El western es uno de los géneros más clásicos del cine. Pasada la era dorada que tuvo como máximo exponente a John Wayne, empezó su decadencia hasta llegar casi a la agonía. Ahora los hermanos directores Ethan y Joel Coen le practican un electroshock al género con su nueva cinta Temple de acero (True Grit).

En algún lugar del Lejano Oeste, Mattie Ross (Hailee Steinfeld) es una niña de 14 años que busca vengarse del hombre que mató a su padre. Para encontrarlo, cuenta con la ayuda del comisario Rooster Cogburn (Jeff Bridges) y el “Ranger” LaBoeuf (Matt Damon), con quienes se introduce en territorio indio en busca del asesino.

Mattie es una chica adelantada a su tiempo. Sabe negociar de igual a igual con los adultos, no se amilana ante nadie y persigue la terca obsesión de que se haga justicia. En un entorno de hombres armados que siempre la subestiman, ella esquiva las balas y saca a relucir sus agallas en las situaciones más extremas.

La debutante Hailee Steinfeld ha sido nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por su afilada interpretación de Mattie. Es absurdo incluirla en esa categoría cuando ella es la protagonista, pero la Academia suele nominar a los actores menores de edad en las categorías secundarias (como ocurrió con Haley Joel Osment por El Sexto Sentido). De todos modos, celebro que reconozcan a esta actriz revelación, quien se gana la simpatía de la audiencia desde el inicio y logra imponerse frente a actores más veteranos como Bridges o Damon.

Temple de acero es una película producida, dirigida, escrita y editada por los prolíficos hermanos Coen. Tiene la clásica ironía que caracteriza sus guiones (como en las comedias Quémese después de leerse o Un Hombre Serio). Otro elemento reconocible de su filmografía es la tensa confrontación entre personajes arquetípicos enfrentados a un destino inevitable (como en su obra maestra Sin lugar para los débiles).

Quizás se hubiera esperado una resolución del conflicto menos apresurada, pero igual la película es una aventura memorable. Entre las escenas más valiosas destaca la inolvidable imagen del jinete disfrazado de oso y el viaje final que realizan Cogburn y Mattie a caballo. En esa y en todas las escenas nocturnas, la fotografía nos regala planos de una belleza impresionante. El Lejano Oeste luce ahora más cercano y rejuvenecido.

Título original: True Grit
País y año: Estados Unidos, 2010
Directores: Ethan y Joel Coen
Actores: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, entre otros.
Calificación: ****

Halago de los cisnes

2011-02-15T20:27:00.003-05:00

Nina (Natalie Portman) sólo quiere ser perfecta. Esta frase, repetida a lo largo de El cisne negro (Black Swan), sirve para recordarnos que su perfeccionismo es una obsesión constante y creciente. Pero también peligrosa.

El ballet de Nueva York planea estrenar una nueva versión de la clásica obra El lago de los cisnes. El director francés Thomas (Vincent Cassel) ve en Nina a la bailarina perfecta para representar el papel del cisne blanco: frágil, contenida, virginal. Pero le preocupa si ella también podrá interpretar al cisne negro: seductor, dominante, avasallador.

Todas estas características, que a Nina le cuesta exteriorizar, son parte inherente de la naturaleza de Lily (Mila Kunis), otra bailarina del elenco. Nina se siente amenazada ante la presencia de Lily pero al mismo tiempo no puede escapar a su magnetismo.

El cisne negro es un adictivo juego de seducción. Por un lado Thomas se porta como un depredador con sus bailarinas y ellas coquetean entre sí. Además, Nina se ve obligada a explorar su sexualidad para entender mejor su personaje. Al salir de sus propios límites, Nina lucha por liberarse pero la camisa de fuerza es cada vez más pesada.

Natalie Portman nació para interpretar a Nina. Su valiente actuación le demanda zambullirse en un lago cargado de emociones intensas. Es un trabajo impecable que ya la ha hecho ganadora del Globo de Oro, del premio del Sindicato de Actores y del BAFTA (Academia Británica). El Oscar es el siguiente paso de baile.

Las otras actrices del elenco también son aciertos de casting. Barbara Hershey interpreta a la sobreprotectora y controladora madre de Nina, una ex bailarina que intenta cumplir sus frustrados sueños de juventud a través de su hija. Mila Kunis le imprime a Lily una sensualidad venenosa. Y Winona Ryder es Beth, la bailarina que está a punto de retirarse y se niega a sentirse reemplazada.

Darren Aronofsky es un talentoso director de actores. Lo que logró con Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño, Mickey Rourke en El luchador y ahora Natalie Portman en El cisne negro, fue moldear actuaciones extraordinarias que definieron los puntos más altos en la carrera de sus intérpretes.

Sin embargo, Aronofsky también es propenso a los excesos. En El cisne negro crea una atmósfera de suspenso y le añade elementos de terror y fantasía, pero de una manera tan tosca que termina contaminando con petróleo las plumas del cisne. Tampoco ayuda que el final sea exactamente igual al de otra película suya. Mientras algunos creen que ambas obras se complementan, a mí me parece un efecto repetitivo.

El cisne negro es un animal hermoso, pero herido. No es una película perfecta, pero la entrega de Natalie Portman sí lo es.

Título original: Black Swan
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Darren Aronofsky
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder, Benjamin Millepied, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Brillo prestado

2011-02-05T21:21:00.005-05:00

Cuando las cantantes pop intentan incursionar en la actuación, los resultados pueden ser decepcionantes. Madonna, Jennifer Lopez, Britney Spears y Mariah Carey no lograron repetir en el cine el mismo éxito que tuvieron en la música, haciéndose acreedoras todas ellas del Razzie a la peor actriz. Ahora es el turno de Christina Aguilera, quien protagoniza el musical Noches de encanto (Burlesque).

Ali (Aguilera) deja su monótona vida en Iowa para trasladarse a Los Angeles, en busca de cumplir su sueño de ser cantante. El destino (o mejor dicho, los atajos de un guión trillado) la llevan a conocer el club Burlesque, justo en el preciso instante en que su dueña Tess (Cher) canta “Welcome to Burlesque” rodeada de sensuales bailarinas enfundadas en corsé.

Como todas las heroínas soñadoras y tercas, la vehemente Ali está decidida a subir al escenario para cantar, bailar y de paso, seducir al barman. Cuando finalmente lo consigue, se enfrenta a la egocéntrica Nikki, bailarina principal del elenco.

Este argumento gastado y predecible parecía presagiar que Noches de encanto sería una nueva versión de Showgirls, ese clásico de los 90s que mostraba la rivalidad de unas bailarinas nudistas en Las Vegas y que casi sepultó la carrera de su protagonista Elizabeth Berkley (Salvado por la campana). Sin embargo, Noches de encanto reemplaza las potenciales tensiones eróticas por una imagen mucho más inofensiva e ingenua.

Las escenas musicales tienen un brillo y dinamismo que recuerdan a los videoclips de Aguilera. Por otro lado, una referencia obvia a otros musicales se siente en la canción “Diamonds Are a Girl's Best Friend” (interpretada por primera vez en cine por Marilyn Monroe en Gentlemen Prefer Blondes). Las bailarinas intentan imitar el desenfado de Satine (Moulin Rouge!) en “Sparkling diamonds” y Ali fantasea que ella canta parte de la canción sobre el escenario, al igual que Roxie Hart (Chicago) en “All that jazz”.

Sin embargo, hay otras canciones que tienen una personalidad propia y elevan el nivel de la película. La mejor es la emotiva balada “You Haven't Seen The Last Of Me”, interpretada por Cher como un combativo canto de resistencia y perseverancia. Cher es una de las pocas cantantes que sí logró tener éxito en el cine, llegando a ganar el Oscar por Hechizo de luna (Moonstruck) en 1988. Noches de encanto le ha valido, en cambio, una injusta nominación al Razzie a la peor actriz de reparto. De hecho, lo más rescatable del elenco son ella y Stanley Tucci, quien interpreta al vestuarista del club.

Por su parte, Christina Aguilera no sale mal parada. Su portentosa voz es su principal arma y atributo. En las escenas no musicales, se esfuerza por ser convincente, pero no siempre lo logra. No es su culpa. El guión tiene algunos diálogos lamentables que sólo sirven para desear que comience ya la siguiente canción.

Título original: Burlesque
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Steve Antin
Actores: Christina Aguilera, Cher, Cam Gigandet, Stanley Tucci, Eric Dane, Kristen Bell, Julianne Hough, Alan Cumming, entre otros.
Calificación: ** 1/2

El nerd ambicioso vs. El rey tartamudo

2011-01-29T12:35:00.003-05:00

Desde el inicio de la temporada de premios, Red Social (The Social Network) se convirtió en la película favorita para llevarse el Oscar a mejor película (lleva en su haber más de una veintena de trofeos), hasta que le apareció una fuerte competidora vestida con traje de gala y hablando con acento inglés. El discurso del rey (The King's Speech) recibió 12 nominaciones (versus las 8 de Red Social), lo cual la convierte en la película más nominada del año y demuestra que cuenta con el respaldo de la mayoría de gremios de la Academia. Además, el Sindicato de Productores de Hollywood (PGA) le entregó la semana pasada el trofeo a la mejor cinta del año, lo cual es un gran indicador de su creciente popularidad.

Las otras ocho nominadas a mejor película son: la cinta de ciencia ficción El Origen (Inception), la animada Toy Story 3, el western de los hermanos Coen Temple de acero (True Grit), el thriller psicológico El Cisne Negro (Black Swan), el drama de boxeo The Fighter, la comedia independiente sobre una pareja de lesbianas The Kids are All Right, la historia de supervivencia 127 Horas (127 Hours) y el drama con elementos de misterio Winter's Bone.

Los actores

Por segundo año consecutivo Jeff Bridges y Colin Firth compiten en la categoría de mejor actor. El año pasado Bridges fue el triunfador gracias a Crazy Heart y esta vez es nominado por Temple de acero, pero todo indica que ahora Firth tendrá su venganza: es el gran favorito a llevarse el Oscar por su interpretación de George VI en El discurso del rey. Completan la terna Jesse Eisenberg (Red Social), Javier Bardem (Biutiful) y James Franco (127 Hours), quien además compartirá el rol de maestro de ceremonias junto a Anne Hathaway.

En la categoría de mejor actriz se repite el clásico duelo de una joven en ascenso vs. una diva veterana. La probable ganadora es Natalie Portman por su papel de la atormentada bailarina de ballet en El Cisne Negro. La única que podría hacerle la competencia es Annette Bening, quien interpreta a una madre lesbiana en The Kids are All Right. Ambas se llevaron el Globo de Oro a mejor actriz de drama y comedia, respectivamente. Las otras actrices nominadas son Michelle Williams (Blue Valentine), Jennifer Lawrence (Winter's Bone) y la estupenda Nicole Kidman (Rabbit Hole), quien logra su tercera nominación al Oscar después de Moulin Rouge! y Las Horas.

Las extranjeras

Lamentablemente, la peruana Contracorriente quedó fuera de competencia en la categoría de mejor película en idioma extranjero. La única representante de Latinoamérica este año es la mexicana Biutiful, dirigida por Alejandro González Iñárritu (Amores Perros, 21 Gramos, Babel) y protagonizada por Javier Bardem, quien ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cannes. Las críticas señalan que es una historia deprimente que gira en torno a la muerte.

Algunos consideran que la favorita es la danesa Hævnen (Civilization), ganadora del Globo de Oro a mejor película extranjera. Muestra los problemas de dos familias, unidas por los juegos de violencia que practican sus hijos.

Otra fuerte candidata es la griega Kynodontas (Dogtooth o Canino). Cuenta la claustrofóbica historia de un padre que ha criado a sus tres hijos encerrados en una mansión, sin ninguna influencia del mundo exterior. La cinta causó una gran controversia desde que se estrenó en el Festival de Cannes, donde se llevó el premio mayor en la sección Una cierta mirada.

Siguiendo con la tendencia de explorar conflictos familiares, la canadiense Incendies trata sobre dos gemelos que viajan a Medio Oriente buscando pistas sobre el enigmático pasado de su madre recién fallecida. Finalmente, la candidata de Argelia es Hors-la-loi (Outside the Law), la cual entrecruza el destino de tres hermanos que luchan porque su nación se independice de Francia después de la Segunda Guerra Mundial.

Película animada

Las tres representantes del cine de animación son: la última genialidad de Pixar Toy Story 3, la francesa El Ilusionista y Cómo entrenar a tu dragón (de los estudios Dreamworks). La favorita es Toy Story 3, que no sólo es la película más taquillera de 2010 en el mundo entero, sino que además cuenta con el apoyo unánime de la crítica. Después de tres años consecutivos de llevarse el Oscar en esta categoría (Ratatouille, Wall E y Up), Pixar no parece tener intenciones de cederle el trono a nadie.

Un artista en vías de extinción

2011-01-17T00:12:00.004-05:00

En la cartelera de Buenos Aires hubo un título que llamó mi atención y me condujo hacia la sala de cine más cercana al Obelisco. Se trata de El Ilusionista, una película francesa y animada que no tiene nada que ver con la cinta homónima de 2006 protagonizada por Edward Norton.

La historia está ambientada en 1959. Un mago circunspecto, alto y no tan joven se queda sin trabajo en París y viaja a Escocia, donde su trabajo es más apreciado, especialmente por una chica pobre y soñadora que decide acompañarlo en sus travesías y fantasear con una vida en la que las ilusiones reemplazan sus carencias.

Al igual que Wall E, otra lograda cinta de animación, El Ilusionista tiene escasos diálogos y requiere suma atención para captar todos los detalles. Con complicidad, adivinamos (y compartimos) las sensaciones que viven el mago y su mayor admiradora.

Además del dúo protagónico, la película exhibe en vitrina algunos personajes secundarios que están compuestos con una admirable riqueza de detalles. Destacan los excéntricos artistas que conviven en el mismo edificio: un payaso suicida, un ventrílocuo alcohólico y unos acróbatas hiperactivos. Quien también está para sacarse el sombrero (literalmente) es el conejo del mago, un animal indomable y escurridizo.

Una escena que resume el carácter agridulce de la cinta muestra al mago detrás del escenario, metiendo los ases bajo la manga y preparando sus trucos, mientras la banda de rock Billy Boy and the Britoons hace delirar a la audiencia femenina. Cuando por fin le toca entrar a escena, el teatro está casi vacío. El ilusionista se enfrenta así a la obsolescencia: el penoso trance de pasar de moda.

El director Sylvain Chomet alcanzó notoriedad internacional con la cinta animada Les triplettes de Belleville (nominada al Oscar) y también participó de la cinta París, yo te amo, dirigiendo el segmento "Tour Eiffel", sobre dos mimos que se enamoran. Al igual que en ese cortometraje, El Ilusionista también explora temas como el estado efímero de las ilusiones, la incomprensión e intolerancia frente al arte y la soledad a la que muchas veces se enfrentan los artistas.

Esta cinta es una pequeña joya que se vale del humor y la tristeza para recalcar la necesidad de creer en algo que nos sacuda las telarañas del conformismo. También es un homenaje a aquellos artistas que están en peligro de extinción, frente a nuevas tendencias que calan más hondo en el gusto popular a pesar de que no tienen una esencia tan duradera.

Título original: L'illusionniste
Director: Sylvain Chomet
País y Año: Francia 2010
Con las voces de: Jean-Claude Donda, Eilidh Rankin, entre otros.
Calificación: ****

Balance 2010: El año de las almas solitarias

2011-01-09T11:17:00.016-05:00

Las mejores películas del año que acaba de terminar tienen en común personajes que se sienten solos, olvidados o arrinconados. Sin embargo, acompañándolos hemos descubierto nuevos e inolvidables mundos.

1. Red Social (The Social Network). El origen de la onda expansiva de Facebook es un agudo y entretenido análisis de la generación que documenta su vida en internet, con su doble rostro voyeurista y exhibicionista. Además, pasa el cursor sobre otros temas como la ética en los negocios, el frágil concepto de la amistad en tiempos de Facebook y la necesidad de trascender en un entorno competitivo.

2. Un hombre solo (A Single Man). El estado de desolación y desconsuelo en el que queda un hombre de luto nunca fue filmado con tanta sofisticación. El director Tom Ford muestra la belleza en medio del dolor y el conflicto de un hombre por resistirse a dejar ir la mitad de su existencia.

3. Zona de Miedo (The Hurt Locker). En el caos que transpiran las calles de Irak, un comando de élite debe desactivar bombas con la pericia de un cirujano. Esta mirada frontal a la paranoia de los soldados estadounidenses ofrece además escenas de suspenso perfectamente orquestadas.

4. La cinta blanca (Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte). En una aldea alemana de hace un siglo, regida por tradiciones y reglas estrictas, varios sucesos extraños muestran un grado de violencia e intolerancia inquietante. Los niños aprenden por imitación y en esta cinta la crueldad se hereda y se magnifica.

5. Toy Story 3. La mejor cinta animada del año es un emotivo adiós a la edad de la inocencia. La aventura y la comedia juegan a los pies de temas más bien adultos como el miedo al cambio y a asumir nuevas responsabilidades. No en vano Quentin Tarantino la escogió como su película favorita de 2010.

6. Amor sin escalas (Up in the air). Ambientada en aeropuertos, aviones y oficinas, esta cinta captura con mucha clase los efectos de la crisis económica y de las relaciones afectivas: la desolación del desempleo, el abandono de la pareja o el dilema del compromiso con aquello a lo que siempre le huimos.

7. El origen (Inception). Christopher Nolan nos introduce en el mundo onírico. Arma un apasionante laberinto, con infinitas puertas que conducen hacia la culpa, la envidia y la fascinación por los recuerdos de tiempos pasados. Vivir soñando nunca fue una tarea tan compleja y desafiante para los sentidos.

8. Los Abrazos Rotos. Lo más reciente de Almodóvar explora los romances tormentosos, tocados por la fatalidad y la pasión desbordante. Con un protagonista que parece su alter ego, Pedro le declara el amor al cine y su poder expresivo.

9. La felicidad de vivir (Okuribito). Esta película japonesa expone la preparación de los ritos fúnebres, reconciliando el humor inesperado con la solemnidad de la despedida a aquellos que nos llevan la delantera.

10. El secreto de sus ojos. La obsesión es una constante en esta cinta argentina que sorprende y emociona de inicio a fin. Cuenta con un diseño de producción impecable, así como notables actuaciones del trío protagónico.

Casi…

¿Quiénes se quedaron a punto de entrar al top ten? La isla siniestra (Shutter Island) de Martin Scorsese y la sueca Criatura de la noche fueron excelentes representantes del género de terror. Nine fue un musical glamoroso que reunió a uno de los mejores elencos del año. Contracorriente y Paraíso (y en menor medida, Octubre) demostraron que el cine peruano sigue evolucionando gracias a propuestas diferentes y arriesgadas.

Las decepciones

A diferencia de años anteriores, esta vez tuve mejor suerte porque no me topé con ninguna película realmente mala. Aún así, de todas maneras me llevé algunas decepciones, en especial porque se trató de cintas que teniendo un gran potencial me dejaron un sinsabor: Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland), Desde mi cielo (The lovely bones), Shrek para siempre (Shrek forever after) y El Príncipe de Persia (Prince of Persia).

Balance 2010: Actos de (gran) presencia

2011-01-03T18:52:00.009-05:00

Entre todos los estrenos de 2010, quisiera destacar diez actuaciones que inundaron la pantalla con su grandeza.

1. Colin Firth, Un hombre solo (A Single Man). George acaba de perder al amor de su vida y por eso decide que ya no quiere vivir más. Firth está impecable en el registro de la soledad, angustia y nostalgia. Una escena memorable: su reacción al enterarse que su pareja ha sufrido un accidente.

2. Mo'Nique, Preciosa (Precious). Mary es la abusiva madre de Precious, una adolescente a la que trata como si fuera su esclava, humillándola de mil maneras. Una escena memorable: la confrontación final en la oficina de la asistenta social, en la que Mary intenta justificar sus horrendos actos.

3. Marion Cotillard, Nine. Luisa Contini es la esposa del mujeriego director de cine Guido Contini. La francesa Marion Cotillard es la mayor atracción de este espectacular musical. Una escena memorable: Luisa le canta a Guido “Take it all” y se despide con una frase lapidaria: “You take everything… and I'm empty”.

4. Jeff Bridges, Loco Corazón (Crazy Heart). Bad Blake es un cantante de música country, alcohólico y autodestructivo. Una escena memorable: Bad queda al cuidado de Buddy, el pequeño hijo de su pareja Jean, pero cuando lo pierde de vista en un bar, la desesperación se apodera de él (y de toda la audiencia).

5. Bruno Odar, Octubre. Clemente es un prestamista bastante tacaño e incapaz de expresar emociones, cuya vida se ve transformada ante la misteriosa aparición de una bebita abandonada por su madre. Una escena memorable: Clemente intenta deshacerse de un billete falso una y otra vez.

6. Jesse Eisenberg, Red Social (The Social Network). Mark Zuckerberg es un nerd ambicioso, envidioso y torpe en sus relaciones interpersonales. Aunque intenta aparentar que nada le afecta y se escuda en el sarcasmo para defenderse de las acusaciones, en el fondo sólo quiere ser popular. Una escena memorable: En medio de una discusión con su novia, Mark la humilla y subestima con su acostumbrada autosuficiencia, pero se vuelve vulnerable cuando ella le devuelve el golpe.

7. Carey Mulligan, Enseñanza de Vida (An Education). Jenny es una adolescente londinense que en plena década del 60 sueña con vivir una vida sofisticada y encuentra un hombre de 30 años que le ofrece un atajo hacia su sueño. Una escena memorable: Jenny confronta a David sobre el secreto que él escondía y lo que ella acaba de dejar pasar. De un momento a otro, ha madurado.

8. Anna Kendrick, Amor sin escalas (Up in the air). Recién salida de la universidad, Natalie Keener entra a una compañía encargada de despedir personal. Es la típica sabelotodo que vuela alto porque cree dominar la teoría, pero en la práctica se estrella contra la realidad. Una escena memorable: Cuando Natalie comienza a implementar el plan de despedir a la gente por videoconferencia, las consecuencias son inesperadas.

9. Leonardo DiCaprio, La isla siniestra (Shutter Island). Teddy Daniels es un policía que viaja a una isla remota para averiguar la desaparición de una asesina en un hospital siquiátrico, pero lleva sus propios demonios consigo. Una escena memorable: En un final abierto, Teddy se pregunta qué es peor, "si vivir como un monstruo o morir como un hombre bueno".

10. Morgan Freeman, Invictus. Nelson Mandela asume la presidencia en Sudáfrica y aprovecha el campeonato mundial de rugby para unir a su fragmentada nación. Freeman interpreta al líder balanceando el carisma del líder político y la serenidad del hombre pacifista. Una escena memorable: Mandela recita un poema que termina con los versos “I am the master of my fate. I am the captain of my soul”.

La sed social

2010-12-20T01:19:00.005-05:00

“Antes vivíamos en granjas, luego en las ciudades. Ahora vamos a vivir en internet”, sentencia uno de los personajes de Red Social (The Social Network), la película que documenta la génesis del universo virtual conocido como Facebook.

La Universidad de Harvard es el escenario, sombrío y opresivo, donde el estudiante Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) crea una poderosa red social. Lo que comienza como una excusa para registrar la experiencia social de los universitarios en internet, luego se transformaría en un fenómeno mundial.

La cinta mantiene varias ventanas abiertas al mismo tiempo. Alterna el ascenso de Zuckerberg con los dos juicios que le entablan, por un lado, Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y, por el otro, los gemelos Winklevoss (interpretados ambos por Armie Hammer), quienes también reclaman ser creadores de Facebook, ya sea por la inversión de capital o por haberle dado forma al concepto original.

Mark Zuckerberg es presentado como un joven visionario, un genio creador. Pero al mismo tiempo es un ser egoísta, ingrato, convenido y obsesivo. Su misión es trascender a través de una obra que sea popular, sin importar los sacrificios o los daños colaterales.

El actor Jesse Eisenberg crea un retrato fascinante, cargado de irreverencia y marcado por el contraste entre las barreras que Mark levanta para alejarse de las personas y el imperio que construye para conectar al mundo... virtual.

Por su parte, Andrew Garfield también destaca como Eduardo Saverin, quien fuera el mejor amigo de Mark. En medio de tantos oportunistas dispuestos a huir con el botín, Eduardo tiene una amarga transición desde la ingenuidad y buena voluntad hacia la conciencia de saberse traicionado.

En estos momentos, Red Social se alza como la favorita a llevarse el Oscar a mejor película. Las principales asociaciones de críticos de los Estados Unidos (New York, Los Angeles, Washington, Boston, etc.) la han aclamado por unanimidad como el mejor film de 2010, llegando a compararla con El Ciudadano Kane y El Padrino. Los Globos de Oro también la han nominado en varias categorías, incluyendo película, director, actor (Eisenberg), actor de reparto (Garfield), guión y partitura.

¿Se merece Red Social tantos reconocimientos? En mi opinión, sí. El director David Fincher y el guionista Aaron Sorkin han creado un valioso testimonio que desnuda el estado de la sociedad actual: individualista, exhibicionista y sedienta de popularidad y reconocimiento. La vida transcurre hoy en internet, donde nos exponemos en enormes vitrinas mientras miramos las de los costados.

Título original: The Social Network
País y Año: Estados Unidos, 2010
Director: David Fincher
Actores: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, Armie Hammer, Max Minghella, entre otros.
Calificación: **** 1/2

Los últimos sobrevivientes

2010-11-02T23:09:00.004-05:00

Imaginemos que la tierra ha sido arrasada por algún fenómeno natural de la magnitud de un cataclismo. Los pocos sobrevivientes se pelean por la escasa comida disponible y cuando ésta se acaba, tienen que recurrir al canibalismo.

Este es el devastador panorama que presenta El Último Camino (The Road). Un padre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) recorren a pie el país, dirigiéndose hacia la costa y esquivando peligros que los acechan desde los escombros y los rincones desolados de pueblos fantasmas. Para defenderse, sólo cuentan con una pistola y dos balas.

Este escenario post-apocalíptico recuerda a otras películas como Children of Men o I am Legend. Sin ser tan impactante como la primera ni tan decepcionante como la segunda, El Último Camino tiene méritos propios en su peculiar recreación de la resaca del fin del mundo.

Las situaciones extremas vistas en la película sirven para demostrar el comportamiento del ser humano cuando lo pierde casi todo. Para algunos, el instinto de supervivencia implica matar o morir, luchar por cada trozo de comida como si fuera la última cena del mundo. Para otros, ese mismo instinto permite aflorar el amor y la protección de los seres queridos.

El núcleo de la película está conformado por la sólida relación entre padre e hijo. El amor paternal es el escudo que los mantiene vivos. Por eso, cada acto heroico del padre para salvar a su hijo resulta conmovedor y emocionante. La genial actuación de Viggo Mortensen es un ejemplo de precisión y autenticidad.

Charlize Theron interpreta a la madre ausente y a través de flashbacks, conocemos algunos detalles de la relación con su esposo y su hijo. Lamentablemente, ese personaje tiene un pobre desarrollo y, lo que es peor, es abandonado a su suerte de manera intempestiva.

El guión de El Último Camino está basado en una novela de Cormac McCarthy, el mismo autor de No Country for Old Men, llevada al cine por los hermanos Coen. Si algo tienen en común ambas historias es que la violencia se presenta como un componente intrínseco de toda sociedad descompuesta. La diferencia es que en El Último Camino, se muestra el poder de sentimientos humanos tan fuertes que ningún cataclismo puede derrumbar.

Título original: The Road
País y Año: Estados Unidos, 2009
Director: John Hillcoat
Actores: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce
Calificación: *** 1/2

Avance de temporada 2010/2011

2010-10-17T20:52:00.004-05:00

Estos son los cinco estrenos de fines de este año o comienzos del próximo que espero con mayor ansiedad y curiosidad.

The Social Network
Director: David Fincher (Trabajos anteriores: Seven, Zodiac, The Curious Case of Benjamin Button)
Actores: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, entre otros.
Estreno en EEUU: 1 de octubre
Sinopsis: En una noche del otoño de 2003, Mark Zuckerberg, genio de la Universidad de Harvard, empieza a trabajar en un nuevo concepto que más tarde se convierte en un fenómeno de masas conocido como Facebook. La película explora el origen de esta red social y cómo sus creadores pasaron de la amistad a los tribunales.
Por qué promete: En primer lugar, estamos ante un director especializado en enganchar al espectador con atmósferas de suspenso e incertidumbre. En segundo lugar, la crítica especializada en Estados Unidos la ha alabado por unanimidad como una de las mejores películas del año y tiene un puntaje de 95 sobre 100 en la web de Metacritic (que agrupa a todos los críticos de ese país), el más alto que haya obtenido cualquier cinta este año. Por último, presenciar la conflictiva creación de este monstruo mediático es un evento al que resultado imposible decir que no. A mí y a 500 millones de usuarios de Facebook nos gusta esto.

Rabbit Hole
Director: John Cameron Mitchell (Trabajos anteriores: Hedwig and the Angry Inch, Shortbus)
Actores: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Sandra Oh, entre otros.
Estreno en EEUU: 17 de diciembre
Sinopsis: Becca (Kidman) y Howie (Eckhart) se enfrentan a la inesperada muerte de su pequeño hijo de 4 años en un accidente. Ante ese trastorno de su existencia, cada uno intenta superar el duelo de maneras distintas.
Por qué promete: John Cameron Mitchell es un director de culto en el circuito del cine “indie” gracias sobre todo a Hedwig and the Angry Inch, película por la cual fue nominado a mejor director y mejor actor en los Independent Spirit Awards. Rabbit Hole es la adaptación de una obra de teatro que recibió numerosas nominaciones al Tony y por la cual Cynthia Nixon (de la serie Sex and the city) ganó el trofeo a la mejor actriz. La película se estrenó recientemente en el Festival de Cine de Toronto y recibió estupendas críticas, especialmente para Nicole Kidman y Aaron Eckart, un actor que ya demostró su gran talento en filmes como Gracias por fumar y El caballero de la noche.

The King's Speech
Director: Tom Hooper (Trabajos anteriores: The Damned United y la miniserie John Adams)
Actores: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Guy Pearce, Michael Gambon, entre otros.
Estreno en EEUU: 26 de noviembre
Sinopsis: Cuenta la historia del hombre que se convirtió en el Rey George VI de Inglaterra (Firth). George, quien tartamudea y sufre ataques de pánico al hablar en público, consigue la ayuda de un terapista (Rush), quien le enseña a encontrar su voz justo cuando su país está por enfrentar la Segunda Guerra Mundial.
Por qué promete: Las películas sobre la realeza británica han tenido dignas representantes como The Queen y The Young Victoria, recién estrenada en Lima. En esta oportunidad, tenemos un ángulo peculiar: un rey que no sabe comunicarse bien debe conducir a su país a la guerra. El reparto está compuesto por actores brillantes como Colin Firth (de quien se especula que podría llevarse el Oscar por este papel), Geoffrey Rush (Shine, Shakepeare in Love, Letras prohibidas) y la siempre perturbadora Helena Bonham Carter (The Wings of the Dove, Big Fish, Sweeney Todd). The King's Speech ganó el premio del público en el Festival de Cine de Toronto, un indicador de que ésta será una de las principales atracciones de la temporada de premios que se avecina.

Black Swan
Director: Darren Aronoksky (Trabajos anteriores: Réquiem por un sueño, La fuente de la vida, El luchador)
Actores: Natalie Portman, Mila Kunis, Winona Ryder, Vincent Cassel, Barbara Hershey, entre otros.
Estreno en EEUU: 3 de diciembre
Sinopsis: Nina (Portman) es una bailarina del Ballet de New York que después de años de esfuerzo y sacrificio, es seleccionada para ser la nueva protagonista del clásico El lago de los cisnes. Sin embargo, otra bailarina (Kunis) intenta robarle protagonismo y al mismo tiempo intenta seducirla, por lo cual Nina empieza a perder el equilibrio.
Por qué promete: Este thriller psicológico abrió el reciente Festival de Venecia, donde causó furor entre los críticos. La protagonista Natalie Portman recibió las mejores críticas de su carrera y quienes nos dejamos seducir por ella en Closer, sabemos que su talento entra en ebullición cuando su fragilidad se ve amenazada. Esperemos que Black Swan tenga el poderoso impacto emocional de las mejores cintas de Aronofksy (Réquiem por un sueño y El luchador) y evite los excesos de su absurda cinta La fuente de la vida.

Amador
Director: Fernando León de Aranoa (Trabajos anteriores: Los lunes al sol, Princesas)
Actores: Celso Bugallo, Magaly Solier, Pietro Sibille, Sonia Almarcha, Fany de Castro, entre otros.
Estreno en España: 8 de octubre
Sinopsis: Marcela (Magaly Solier) es una inmigrante embarazada que consigue trabajo cuidando de un anciano enfermo, llamado Amador (Celso Bugallo). Ante un suceso repentino que la podría dejar sin trabajo, Marcela se enfrenta a un dilema moral.
Por qué promete: Fernando León de Aranoa es un celebrado cineasta español, del cual he podido ver la lograda cinta Princesas y un segmento dentro del documental Invisibles. Pero lo que más me llama la atención de Amador es el reparto, en el que los actores peruanos Magaly Solier (en su primer papel protagónico después de La Teta Asustada) y Pietro Sibille comparten escena con actores españoles como Celso Bugallo, quien ganó el Goya al mejor actor de reparto por su memorable actuación en Mar Adentro.

Una mirada clásica

2010-09-30T21:29:00.003-05:00

El cine argentino de la última década ha deslumbrado en cuanto festival y premiación se ha presentado, gracias a una nueva camada de talentosos directores, entre los que destacan Fabián Bielinsky (Nueve reinas, El Aura), Pablo Trapero (El bonaerense, Leonera), Lucía Puenzo (XXY, El niño pez), Lucrecia Martel (La ciénaga, La mujer sin cabeza) y otros.

Por otro lado, las dos únicas películas latinoamericanas que han recibido el Oscar a mejor película extranjera en toda la historia de la Academia son argentinas, un logro que ningún otro país de la región ha podido igualar. La primera fue La Historia Oficial (1985) y la segunda fue El Secreto de sus Ojos (2009), que por fin ha llegado a nuestra cartelera comercial.

El Secreto de sus Ojos se desplaza entre dos décadas distintas. Benjamín Espósito (Ricardo Darín) acaba de jubilarse y decide escribir una novela sobre un caso policial que presenció hace 25 años, cuando trabajaba en un juzgado y se involucró en la búsqueda de un criminal que violó y asesinó a una chica recién casada.

La cinta de Juan José Campanella utiliza con solvencia distintos géneros clásicos y aprovecha lo mejor de cada uno. Además del suspenso y el policial, está el romance interrumpido entre Benjamín y su jefa Irene (Soledad Villamil) y también hay algo de comedia, gracias al personaje de Pablo Sandoval (Guillermo Francella), el alcohólico y entrañable compañero de Benjamín.

El guión tiene una estructura clásica, potenciada por un (casi) perfecto engranaje de giros inesperados y obstáculos que alargan la ansiada búsqueda del criminal y la confesión de amor. El doble conflicto que vive el protagonista (en lo personal y lo profesional) está bien balanceado y complementado por líneas narrativas secundarias, como la del viudo obsesionado con que se haga justicia.

Campanella ya había dirigido antes a Ricardo Darín en El Hijo de la Novia, la exitosa comedia que también fue nominada al Oscar. En El Secreto de sus Ojos, el director y el actor se superan a sí mismos con respecto a su colaboración anterior, logrando una actuación memorable, con las dosis necesarias de intensidad y sutileza.

Soledad Villamil es toda una revelación como la mujer aparentemente inalcanzable, intuitiva y decidida. Guillermo Francella, por su parte, sorprende componiendo un personaje alejado de su registro habitual: es gracioso cuando debe serlo, pero también se luce en escenas de drama.

El Secreto de sus Ojos cuenta con un excelente acabado desde el punto de vista técnico: destacan la fotografía y la recreación de época. A pesar de sus innumerables logros y aciertos, considero que no debió llevarse el Oscar a mejor película extranjera. Es una cinta valiosa pero finalmente tradicional, a diferencia de otras nominadas como La Cinta Blanca o La Teta Asustada, que no cuentan con un diseño de producción tan pomposo, pero vibran gracias a la originalidad de su propuesta y la riqueza de su lenguaje cinematográfico.

Título original: El Secreto de sus Ojos
País y año: Argentina 2009
Director: Juan José Campanella
Actores: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, entre otros.
Calificación: ****

Lady Papa

2010-08-27T20:09:00.003-05:00

La Pontífice cuenta la leyenda de una mujer que llegó a ser Papa en el Siglo IX. Johanna (Johanna Wokalek) sufrió una infancia miserable, por culpa de su abusivo y misógino padre que creía firmemente que las mujeres no debían tener educación. Pero Johanna tenía una enorme sed de conocimiento y aprendizaje que la llevó a estudiar en la escuela de la catedral, siendo la única alumna entre varios hombres.

Su vida, marcada por aventuras y sacrificios, la llevó más adelante a disfrazarse de hombre para poder entrar al monasterio, donde aprendió a curar enfermedades. Su destino la condujo finalmente a Roma, donde se ganó la confianza del Papa Sergio (John Goodman).

Esta cinta procedente de Alemania (en coproducción con el Reino Unido, Italia y España) se plantea el reto de resumir la vida de esta mujer revolucionaria desde su nacimiento hasta el esperado momento en que llega a ser Papa. Y como en otras cintas que recorren la vida entera de un personaje, algunos pasajes resultan más apasionantes que otros.

Cada vez que Johanna manifiesta su espíritu inconforme con las reglas impuestas a las mujeres de su época y utiliza todos sus recursos para aprender y ayudar a los demás, resulta sencillo identificarnos con su lucha y comparar cómo en pleno Siglo XXI muchas minorías siguen siendo tratadas como ciudadanos de segunda categoría, sin igualdad de derechos.

La Pontífice tiene también una línea argumental que explora el romance imposible entre Johanna y el guerrero Gerold (David Wenham). Al igual que en las telenovelas clásicas, su felicidad se posterga durante décadas por culpa de los más increíbles obstáculos. Felizmente, ese romance cumple un rol secundario y no opaca el trayecto principal de Johanna.

Aunque se evidencia cierto maniqueísmo, es decir, los personajes “buenos” son nobles como santos y los “malos” son caricaturas de la crueldad, la cantidad de personajes que conoce Johanna en cada episodio va renovando el interés del espectador y genera más intriga por saber cómo avanzará la trama.

Estamos ante una leyenda que podría tener ciertos elementos verídicos o podría ser una simple ficción. Finalmente no importa si realmente existió esta supuesta pontífice, porque la película plantea el debate sobre si hoy estamos preparados para tener a una mujer ocupando el cargo más importante en la jerarquía de la Iglesia Católica.

Título original: Die Päpstin
País y año: Alemania, Reino Unido, Italia y España 2009
Director: Sönke Wortmann
Actores: Johanna Wokalek, David Wenham, John Goodman, Ian Glen, Edward Petherbridge, Anatole Taubman, entre otros.
Calificación: ***

Mar de Sombras II

2010-08-23T20:39:00.007-05:00

Ficción en Competencia – México

Alamar de Pedro González es la crónica de un viaje que realizan mar adentro Jorge, un joven de origen maya, y su pequeño hijo Natan, quien está a punto de irse a vivir a Italia con su madre. La cámara sigue las acciones cotidianas del padre y el niño en medio del mar, filmando cómo se mimetizan con la naturaleza y se sirven de ella para sobrevivir.

La narración poco convencional, desprovista de trucos y giros inesperados, nos invita a convertirnos en compañeros de viaje en una travesía paradisíaca que sirve de despedida a los dos protagonistas. El niño representa cómo el contraste entre dos culturas (la occidental de su madre italiana y la ancestral de su padre maya) puede permitir un mutuo enriquecimiento. La preciosa fotografía fue reconocida como la mejor de las películas en competencia. Calificación: *** ½.

Ficción en competencia – Colombia

El vuelco del cangrejo de Óscar Ruiz Navia es otra odisea marina, pero está en la orilla opuesta de Alamar. Daniel es un hombre silencioso que llega al pueblo costeño de La Barra y permanece estancado ahí hasta que consiga una lancha que le permita seguir su viaje.

Aquí también se evidencia un contraste de culturas, pero desde una perspectiva de choque entre los nativos de la zona y los hombres blancos que llegan a “traer” el progreso, materializado en hoteles y otros negocios. El mejor personaje de la cinta es una niña con mucha determinación, que se convierte en la mejor amiga del protagonista. Lo más flojo se encuentra en algunas escenas adormecidas de letargo que pueden lucir muy bien, pero que no aportan mucho a la historia. Calificación: ** ½.

Documentales en Competencia

Nostalgia de la luz de Patricio Guzmán es un documental chileno que nos lleva desde el desierto de Atacama hacia los confines del universo y de la memoria. Expone el metódico trabajo de los astrólogos que observan con sus telescopios los cuerpos celestes, mientras algunas mujeres buscan los cuerpos inertes de sus familiares desaparecidos y enterrados en el desierto durante la dictadura de Pinochet.

El cineasta se vale de imágenes poéticas para narrar recuerdos de su infancia que están relacionados con la historia y geografía de su país. Las entrevistas a los astrólogos son interesantes hasta cierto punto, pero se ven opacadas por los testimonios desgarradores de las personas que siguen buscando entre rocas y arena algún rastro de sus seres queridos después de varias décadas de incertidumbre. Recibió una mención especial del jurado oficial. Calificación: *** ½.

Los dos Escobar se sitúa en un momento crítico de la historia de Colombia, cuando Pablo Escobar, capo del narcotráfico, era una figura poderosa y sanguinaria. Aunque compartía el mismo apellido, Andrés Escobar era lo contrario a Pablo: era el heroico capitán de la selección colombiana de fútbol, que tuvo la mala suerte de anotar un autogol en el Mundial de Estados Unidos 94 y que fue asesinado al regresar a su país.

Este documental dirigido por Jeff y Michael Zimbalist presenta de manera clara y contundente las relaciones peligrosas entre el narcotráfico y el fútbol. Con grandes dosis de emoción, narra el ascenso y caída de su selección, que se convirtió en un motivo de orgullo nacional al brillar en las eliminatorias del mundial, hasta que el fantasma nefasto del narcotráfico manchó y desangró todo a su paso. Calificación: *** ½.

Presentaciones Especiales

Sólo un hombre (A Single Man) es la primera película dirigida por el conocido diseñador de modas Tom Ford. La película muestra un día en la vida de George (Colin Firth), un profesor universitario que durante la década de 1960 pierde a su pareja en un accidente y no puede soportar su ausencia.

A pesar del dolor y ansiedad que transpira esta historia, la belleza sobrecogedora se apodera de cada encuadre gracias a la fotografía, música y la magistral actuación de Colin Firth, quien ganó el trofeo al mejor actor en el Festival de Venecia y fue nominado al Oscar. Tom Ford ha tenido un auspicioso debut confeccionando esta obra de arte que emociona a partir de la sutileza. Calificación: **** ½.

El escritor fantasma (The Ghost Writer) es el más reciente film del polémico Roman Polanski. El Primer Ministro Británico (Pierce Brosnan) contrata a un escritor (Ewan McGregor) para que se encargue de escribir sus memorias. El encargo se torna cada vez más siniestro, a medida que aparecen turbias revelaciones que ponen en peligro la vida del escritor.

Lo más destacado del thriller es su creciente clima de tensión y de peligro inminente. Sin embargo, hacia el final se descarrila con hechos fortuitos y un desenlace abrupto, los que le restan credibilidad al producto final. Calificación: ***.

Mar de Sombras I

2010-08-18T21:52:00.006-05:00

Este año se sintió aroma de mujer en el Festival de Lima, XIV Encuentro Latinoamericano de Cine. El jurado estuvo conformado en su mayoría por destacadas cineastas como Claudia Llosa, Lucrecia Martel y María Novaro, así como la periodista y escritora Rosa Montero. Ellas eligieron como mejor película latinoamericana a la brasileña Hotel Atlántico, dirigida por Suzana Amaral y el segundo lugar (premio especial del jurado) también fue para una película dirigida por una mujer: Agua Fría de Mar, de Paz Fábrega (Costa Rica).

No pude ver ninguna de esas dos películas, pero sí vi otras 10 provenientes de las secciones de ficción, documental y presentaciones especiales. Coincidentemente, algunas películas estuvieron ambientadas en el espacio marítimo y las demás que se quedaron ancladas en tierra firme, igual nos ofrecieron un mar de historias y anécdotas dignas de contarse.

Ficción en Competencia - Perú

La presencia peruana este año fue especialmente destacada. Además de Paraíso, la cual estuvo en nuestra cartelera hace unos meses, tuvimos otras dos representantes que venían cargando bajo el brazo importantes premios conseguidos en festivales de cine en el extranjero.

Contracorriente de Javier Fuentes-León narra el dilema de un pescador (Cristian Mercado), quien tras ocultarle a su esposa embarazada (Tatiana Astengo) y al resto de su pueblo conservador, que vive un romance con un pintor (Manolo Cardona), se verá obligado a tomar una decisión drástica sobre su destino.

La narración comienza como un clásico triángulo amoroso, pero sorprendentemente vira hacia el realismo mágico, convirtiéndose en un cuento conmovedor y emocionante que trasciende los límites de este mundo. Destacan las actuaciones de los tres protagonistas, así como el retrato de la intolerancia y el miedo a la libertad del alma, las cuales muchas veces hacen naufragar una relación. Con toda justicia, recibió el premio del público a la mejor película en este festival, tal como ocurrió en los festivales de Sundance, Cartagena, Miami, Montreal, Chicago y un largo etcétera que sigue nadando contra la corriente. Calificación: ****.

Octubre de los hermanos Daniel y Diego Vega nos presenta a un peculiar personaje: Clemente (Bruno Odar), un prestamista avaro y apático, quien encuentra una bebé abandonada en su casa. Mientras busca a la madre de la niña, su vecina Sofía (Gabriela Velásquez), devota del Señor de los Milagros, se hace cargo de la niña e intenta ganarse el cariño de Clemente.

Esta ópera prima de los hermanos Vega ganó el Premio del Jurado en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, nada menos. Se trata de una cinta valiosa por la soberbia actuación de Odar (quien debió llevarse el trofeo a mejor actor) y por su visión sarcástica de varios elementos reconocibles de la “viveza criolla” que nos caracteriza como país. Sin embargo, el final abierto y algo confuso decepciona y desentona con el resto de la cinta. Calificación: ***.

Ficción en Competencia – Argentina

Carancho de Pablo Trapero está protagonizada por el conocido actor Ricardo Darín, quien interpreta a Sosa, un abogado que se aprovecha de las víctimas de los accidentes de tránsito y de las aseguradoras, a quienes intenta sacar mucho dinero. Una noche conoce a Luján (Martina Gusmán), una doctora que atiende las emergencias de esas mismas víctimas y que lucha contra una adicción.

El director Pablo Trapero arrasó hace dos años con todos los premios en el Festival de Lima gracias a la notable Leonera, también protagonizada por Gusmán, su esposa y musa. En Carancho, el resultado es muy bueno, pero no sobresaliente. De todos modos, se mantiene intacto su talento para filmar de manera cruda y directa los crímenes y abusos de poder, así como las manifestaciones más espontáneas de amor. Darín, quien se luce como ya es costumbre, fue homenajeado en la clausura del festival gracias a su brillante trayectoria artística. Calificación: *** ½.

Rompecabezas de Natalia Smirnoff es una adorable comedia sobre un ama de casa abocada a atender a su familia. En su cumpleaños le regalan un rompecabezas y se vuelve adicta a armarlos en corto tiempo. Sin avisarle a nadie, se anima a participar en un torneo local que la puede llevar a competir a nivel mundial.

María Onetto, la protagonista, recibió el premio a la mejor actriz según el veredicto del jurado oficial, un merecido reconocimiento a una actuación armada meticulosamente a partir de pequeños gestos que muestran la evolución de esta mujer y la posibilidad de emanciparse de su condición de esclava de su propia familia. Otras piezas clave son la dirección y el guión de Smirnoff, quien ojalá se hubiera atrevido a armar un final más audaz. Calificación: *** ½.

En la próxima entrada: México y Colombia, así como los documentales y presentaciones especiales.

Nos vemos en otra existencia

2010-08-10T00:02:00.006-05:00

La cartelera comercial ha despertado de su letargo gracias a dos estrenos que son motivo de celebración. El Origen nos inserta en el mundo de los sueños y de las realidades paralelas que vivimos en ellos. Desde el otro lado del globo terráqueo, la cinta japonesa La felicidad de vivir nos presenta una curiosa manera de renacer en medio de cuerpos inertes.

El laberinto de los sueños

Christopher Nolan es un director y guionista británico que se ganó el prestigio de la industria gracias a trabajos como Amnesia (Memento) y El Caballero de la noche (The Dark Knight). En ambas cintas demostró una gran ambición y visión creativa, características que vuelven a aparecer en su nueva cinta, El Origen (Inception).

Esta superproducción de ciencia ficción es protagonizada por Leonardo DiCaprio, quien interpreta a Cobb, integrante de una banda criminal de alto vuelo que puede entrar en los sueños de otras personas para robar sus ideas. Cuando Cobb desea retirarse del negocio, lo tientan con un gran desafío: ingresar en la mente del heredero de un magnate para “sembrarle” la idea de destruir su imperio empresarial.

Dos líneas argumentales se ven marcadas por conflictos familiares. De un lado, Cobb es atormentado por la presencia de su esposa Mal (Marion Cotillard). De otro lado, el heredero Robert Fischer (Cillian Murphy) carga con la culpa de no cumplir las expectativas de su poderoso padre.

El Origen es un complejo laberinto en el que se van multiplicando las puertas falsas y rutas de escape hacia otros niveles narrativos, a medida que los personajes se introducen en un sueño que está dentro de otro sueño y así sucesivamente. Nolan llega a abusar un poco del recurso narrativo de las “cajas chinas” (una historia dentro de otra), quizás por esa insaciable ambición de la que hablaba al inicio.

Aunque esta experiencia puede resultar confusa, no deja de ser fascinante, envolvente y desafiante. Es una cinta de acción con un guión bien elaborado y que nos plantea interesantes dilemas filosóficos sobre elegir entre la cruda realidad y la tentadora evasión de la misma.

Título original: Inception
País y año: Estados Unidos, Reino Unido 2010
Director: Christopher Nolan
Actores: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Marion Cotillard, Cillian Murphy, entre otros.
Calificación: ****

La necesidad de morir

Okuribito es una cinta japonesa que en inglés se llamó Departures y que aquí ha tenido el desafortunado título de La felicidad de vivir, el cual resulta patético porque desvía el foco de su gran potencial dramático hacia el sentimentalismo más empalagoso.

Daigo (Masahiro Motoki) toca el chelo en una orquesta, pero cuando ésta se disuelve decide regresar a su pueblo natal junto a su esposa. Ahí encuentra trabajo en una empresa que se dedica a preparar cadáveres para el funeral, desde la limpieza del cuerpo hasta el maquillaje y vestimenta.

La película aborda con mucho humor el proceso de asimilación de Daigo ante un trabajo que al inicio le produce rechazo, asco y miedo. Y no sólo a él, su esposa y otras personas de su entorno repudian sus actividades por considerarlas impuras.

Sin embargo, el arco dramático del protagonista muestra una evolución hacia la realización personal, al comprender que en ese rito fúnebre no sólo está limpiando un cuerpo sin vida, sino que está alistando a esta persona para la despedida final de sus seres queridos y su posible tránsito a otra etapa de su existencia.

Quizás se le puede reprochar un final ciertamente predecible, pero no es difícil entender por qué ganó el Oscar a mejor película en idioma extranjero del 2008. Es una película emotiva, con una notable actuación central y una magnífica banda sonora, que estremece a todos aquellos que hemos tenido que despedir a alguien muy querido, y que hemos vivido en esa ceremonia del adiós una mezcla de emociones que van desde el desconsuelo al recuerdo feliz, anclándose finalmente en un sereno “hasta luego”.

Título original: Okuribito
País y año: Japón 2008
Director: Yôjirô Takita
Actores: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, entre otros.
Calificación: ****

Verde desteñido

2010-07-18T21:07:00.003-05:00

Hace 9 años, el primer episodio de Shrek fue una fresca bocanada de aire fresco. A través de personajes poco convencionales, construyó una ingeniosa interpretación y parodia de los clásicos cuentos de hadas. Las subsiguientes secuelas se fueron reproduciendo cada 3 años hasta llegar a Shrek para siempre, supuestamente el último capítulo de la saga.

Esta vez el famoso ogro verde enfrenta la crisis de la media vida, se siente agobiado por la rutina y las obligaciones familiares. Después de una pelea con su esposa Fiona, aparece en escena el maquiavélico Rumpelstiltskin, quien le ofrece volver a ser un temible ogro por un día y escapar de la aburrida vida familiar.

Shrek acepta el trato, sin sospechar que queda atrapado en un universo paralelo en el que no es más que un desconocido para Fiona, a quien tiene que conquistar nuevamente y ayudar en la resistencia contra el dictador Rumpelstiltskin, el nuevo rey de Muy Muy Lejano.

Como ocurrió en las secuelas anteriores, Burro y el Gato con Botas se lucen con los diálogos más divertidos y salvan a la audiencia del aburrimiento. Ambos son como viejos comediantes que uno confía en que lo harán reír y aunque lo consiguen, antes lo hicieron con más éxito.

El problema de esta saga es el desgaste que ya se hizo evidente desde Shrek Tercero. El ingenio e irreverencia que caracterizaron a las dos primeras cintas de la serie ahora resultan más escasos. Sigue habiendo comedia y aventura, pero ahora Shrek se ha tornado más convencional y cercano a los cuentos de hada que parodiaba en sus inicios.

Es hora de decir adiós a esta franquicia animada, tal y como hemos hecho hace poco con Toy Story 3, una serie que supo hacer madurar a sus personajes con mayor creatividad y emoción. De todos modos, aunque Shrek no se despide en la cúspide de su carrera, se va exprimiendo los últimos resquicios de encanto que le quedan como antihéroe contestatario.

Título original: Shrek Forever After
País y año: Estados Unidos 2010
Director: Mike Mitchell
Actores: Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Julie Andrews, Walt Dohrn
Calificación: **1/2

Muñecos bravos

2010-06-30T23:48:00.005-05:00

Han pasado 15 años desde que Pixar estrenó Toy Story. Esta película, que contaba las aventuras de varios juguetes que cobraban vida cuando su dueño no los veía, representó una gran innovación tecnológica: era el surgimiento del cine de animación digital. En 1999, Toy Story 2 confirmó el enorme ingenio de los creativos de Pixar. Este año, los juguetes regresan para demostrar la madurez y evolución de este imbatible estudio de animación.

Toy Story 3 arranca cuando Andy, el dueño de los muñecos, está por irse a la universidad y su mamá lo empuja a tomar una decisión sobre el destino de sus juguetes: pueden ir a parar a la basura o al ático. Por una equivocación, la caja de juguetes termina siendo donada a la guardería Sunnyside.

Ahí, los clásicos personajes de la trilogía sienten que llegan a un paraíso, pero no tardan en darse cuenta que los niños de edad pre-escolar son pequeños monstruos que decapitan, golpean y bañan en saliva a los juguetes. Peor aún, un grupo de muñecos rebeldes, comandados por un oso de peluche dictatorial, han convertido la guardería en una prisión de la que es imposible escapar.

Los entrañables personajes que conocimos en las dos primeras cintas continúan con las baterías cargadas de humor negro, ternura y neurosis. Esta vez, además, tienen que batallar contra poderosos rivales, como la inutilidad, el olvido y la adaptación al cambio.

Entre los personajes nuevos, destaca un violento e inexpresivo bebé grande que se convierte en un inesperado villano de película de terror, un temible mono chillón que vigila las cámaras de seguridad y un histriónico puercoespín que sueña con ser actor de teatro. Pero ninguno de ellos genera tantas carcajadas como Ken, el eterno novio de Barbie, caracterizado como un egocéntrico metrosexual que tiene un interminable walk-in closet.

Toy Story 3 puede ser disfrutada a rabiar por gente de cualquier edad, pero definitivamente tiene un mayor valor emocional para la generación que creció viendo el inicio de esta saga. Nos conciernen más los temas que la película expone con gran pertinencia: el inevitable trance a la madurez y el apego a las cosas materiales que asociamos con la felicidad.

Es raro que una secuela iguale a sus antecesoras, pero el capítulo final de esta trilogía resulta ser el más triste y el más hilarante, el más perverso y el más emocionante. Toy Story 3 es la mejor entrega de esta serie y su fantástico desenlace funciona como una emotiva despedida, como un sentido adiós a algo que hemos querido tanto pero que ya es tiempo de ver partir.

Título original: Toy Story 3
País y año: Estados Unidos, 2010
Director: Lee Unkrich
Con las voces de: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Michael Keaton, entre otros.
Calificación: **** 1/2

El auténtico decadente

2010-06-22T21:34:00.003-05:00

Cuando vi el año pasado el tráiler de Loco Corazón (Crazy Heart), no me entusiasmó demasiado, ya que parecía un argumento gastado y sospechosamente similar a El luchador (The Wrestler): un veterano cantante de música country está viviendo el ocaso de su carrera, pero encuentra el apoyo de una mujer menor que le devuelve la inspiración.

Después de ver Loco Corazón, sí encontré algunos puntos en común con El Luchador en la estructura narrativa, pero cada una tiene méritos propios que las hacen valiosas. De arranque, ambas cuentan con una volcánica actuación central. Tanto Jeff Bridges (Loco Corazón) como Mickey Rourke (El luchador) son dos actores de la vieja escuela que se lucen encarnando a perdedores en busca de redención.

Bridges se pone la guitarra al hombro para darle voz y alma a Bad Blake, a quien conocemos cantando en bares de mala muerte al lado de la carretera. Cada vez más lejos de sus años de fama, Bad es un alcohólico y mujeriego resignado a vivir su decadencia con clase.

Tres personajes decisivos ayudan a cambiar el rumbo errático de Bad: Jean (Maggie Gyleenhaal), una reportera que le pide una entrevista y termina alojándolo en su casa; Tommy (Colin Farrell), una estrella en ascenso de la música country; y Wayne (Robert Duvall), un viejo amigo con el que sale de pesca.

El romance entre Bad y Jean es vital para la evolución del personaje principal, pero resulta menos interesante que las escenas musicales, en las que Bad nos conmueve a través de canciones agridulces y una voz que destila tristeza.

Sin contar una historia demasiado original, Loco Corazón palpita con fuerza gracias a la fenomenal actuación de Jeff Bridges (ganador del Oscar a mejor actor con toda justicia) y a la excelente banda sonora. La música country nunca me había despertado mayor interés… hasta que esta película me hizo descubrir el costado más sutil y melancólico de ese género.

Título original: Crazy Heart
País y año: Estados Unidos, 2009
Director: Scott Cooper
Actores: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell, Robert Duvall, Ryan Bingham, Jack Nation, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Los saltos persas

2010-06-04T21:14:00.004-05:00

Basada en el clásico videojuego, El Príncipe de Persia: Las arenas del tiempo cuenta la historia del Príncipe Dastan (Jake Gyllenhaal), quien descubre una daga que tiene el poder de volver atrás el tiempo con sólo presionar un botón. Junto con Tamina (Gemma Arterton), la Princesa de Alamut, deben evitar que la daga caiga en manos del enemigo y se desate una tormenta de arena que destruya el mundo.

La acelerada película tiene abundantes escenas de acción, aventuras y saltos, muchos saltos. No sólo el protagonista prefiere desplazarse de un sitio a otro saltando por los techos o trepando paredes como el Hombre Araña, sino que además la narración tiene varios saltos en el tiempo, gracias a la mágica daga que puede retroceder al pasado y cambiar cualquier evento.

Este mecanismo, que resulta emocionante y hasta divertido en un inicio, va perdiendo la capacidad de asombro cuando, ante cada personaje que muere o queda en peligro, se presiona la daga y se borra todo como si se tratara de la función de “Deshacer” del teclado.

Jake Gyllenhaal es un actor que ha destacado en cintas independientes como Donnie Darko y Brokeback Mountain, pero aquí se le nota perdido en el rol de héroe de acción.

En papeles secundarios, encontramos a dos grandes actores: Ben Kingsley (Gandhi, La Lista de Schindler, La Isla Siniestra) en el papel de Nizam, el hermano del rey; y Alfred Molina (Frida, Spider Man 2, An Education), irreconocible como un convenido empresario informal que organiza carreras de avestruces.

Ambos actores elevan el nivel de esta cinta que por momentos más parece un videojuego que repite las mismas acciones y peleas, cambiando sólo de escenario y ponchando en cámara lenta cada salto para mayor lucimiento de los efectos visuales.

Título original: Prince of Persia: The Sands of Time
País y año: Estados Unidos, 2010
Director: Mike Newell
Actores: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Richard Coyle, Ronald Pickup, entre otros.
Calificación: ** 1/2

Los amantes del círculo bipolar

2010-05-29T17:21:00.005-05:00

En la década de los 90, Gwyneth Paltrow se convirtió en una de mis actrices favoritas. Lució su talento en cintas como Seven, Si yo hubiera (Sliding Doors), Shakespeare in Love (por la cual ganó el Oscar a mejor actriz) y The Talented Mr. Ripley. Este mes la hemos tenido por partida doble en la cartelera, gracias a Iron Man 2 y Los Amantes, y además sus cautivadores retratos formaron parte de la muestra Portraits del fotógrafo Mario Testino en el renovado Museo de Arte de Lima (MALI).

Los amantes (Two lovers) es el relato de un hombre inestable que se encuentra dividido entre dos mujeres diametralmente opuestas. Leonard (Joaquin Phoenix) tiene trastorno bipolar, un momento está eufórico y al siguiente, está deprimido. En circunstancias distintas, conoce primero a Sandra (Vinessa Shaw), la hija de un socio de su padre, quien se muestra muy interesada en iniciar una relación con él. Después, se topa con Michelle (Gwyneth Paltrow), una misteriosa vecina que le resulta inalcanzable pero que él igual quiere conquistar.

Leonard tiene una relación de dependencia con sus padres judíos, vive con ellos y sigue sus reglas. Sabe que a ellos les conviene su relación con Sandra, porque los padres de ambos están haciendo negocios juntos. Pero aunque la pasa bien con Sandra, ella no despierta en él la afiebrada obsesión que le causa Michelle.

A través de estos personajes desesperados por amar, la película desarrolla las distintas etapas que pueden darse en las relaciones de pareja: de la ilusión al desencanto, de la indiferencia a la dependencia absoluta, de la incertidumbre a la resignación.

Estas distintas posibilidades que marcan las relaciones de Leonard con las dos mujeres y de Michelle con su propio amante, dan lugar a situaciones que se sienten palpables y muy humanas. Sin embargo, el final tan apresurado y pragmático no está a altura de los logrados dos tercios anteriores.

Liderando el interesante reparto, destaca Joaquin Phoenix en la que podría ser su última actuación para el cine. Cuando se estrenó la cinta, este actor nacido en Puerto Rico anunció que se retiraba de la actuación para concentrarse en su carrera musical como rapero (¿¡!?). De hecho, su gran amigo Casey Affleck dirigió un documental que espera estrenar pronto: I'm Still Here: The Lost Year of Joaquin Phoenix.

Interpretando a la madre de Leonard, está la legendaria actriz italiana Isabella Rossellini. Tal vez Rossellini emana demasiado glamour para un personaje que pudo lucir más venido a menos (a tono con el esposo y la decoración de la casa), pero se agradece verla nuevamente en pantalla demostrando por qué sigue siendo una leyenda viviente.

Gwyneth Paltrow, por su parte, está magnífica como la mujer frágil, encantadora y convenida que brilla donde quiera que vaya. Está bastante mejor que en Iron Man 2 (su personaje no pasa de ser la novia del superhéroe que él debe rescatar de una situación riesgosa). Su presencia en Los Amantes es tan magnética como en los elegantes retratos de Testino y como en aquellas cintas de los 90.

Título original: Two Lovers
País y año: Estados Unidos, 2008
Director: James Gray
Actores: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Moni Moshonov, Elias Koteas, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Un árbol crece en el desierto

2010-05-01T19:43:00.003-05:00

Paraíso empezó a llamar la atención desde que se estrenó en el Festival de Venecia el año pasado. Luego recibió el premio al mejor guión en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Ahora que por fin ha llegado a la cartelera local, puedo reafirmar mi fe en el resurgimiento del cine peruano y en la aparición de nuevas voces que nos recuerdan lo que se esconde en otros rincones de nuestra realidad.

En los alrededores de Lima está Paraíso, un barrio de desplazados que huyeron del conflicto interno en Ayacucho. Un grupo de cinco amigos adolescentes, migrantes de segunda generación, se sienten atrapados en ese terreno árido y olvidado, así que idean diferentes rutas de escape.

Cada uno tiene sus propios sueños y frustraciones, pero en lo que están de acuerdo es que no quieren quedarse así para siempre. Joaquín (Joaquín Ventura) trabaja repartiendo volantes afuera de una pollería, disfrazado de pollo. Pero la llegada de un circo ambulante despierta en él una curiosidad por atreverse a ser algo diferente. Sus amigos tienen otros proyectos que implican una mejora en sus precarias realidades: terminar el colegio, conseguir una beca universitaria, tener un empleo fijo.

El director Héctor Gálvez (que antes estuvo a cargo del documental Lucanamarca) no nos muestra una edulcorada historia de superación personal ni de emprendedores que cambian sus destinos de la noche a la mañana. Trata a sus personajes como seres humanos reales y observando cómo se mueven en su asfixiante presente, con un pasado que no pueden sacarse fácilmente de la espalda y planeando un futuro que esperan sea mejor.

El conflicto armado que enfrentó a militares y grupos subversivos hace 20 años sigue siendo un tema recurrente en nuestra cinematografía. Al igual que en La Teta Asustada, en Paraíso se observa a los herederos de aquellos que sufrieron los horrores de la guerra interna y la forma en que cicatrizan sus heridas.

La relación entre los adolescentes y sus padres ofrece interesantes contrastes: mientras una madre le esconde a su hija un secreto sobre su padre, otra madre le habla en quechua a su hijo y él siempre le responde en español, como defendiendo su propio terreno.

Los actores no profesionales cumplen con transmitir la sensación de “chicos de barrio”, pero sin destacar demasiado. En todo caso, quien está mejor es Yiliana Chong, a quien antes ya habíamos visto en Madeinusa y que aquí se pone en la piel de Antuanet, la vehemente colegiala que quiere estudiar periodismo.

Paraíso, como decía al inicio, nos transporta a esos espacios de la periferia de nuestra gran capital, en los que la vida brota aunque le corten el paso. Una imagen muy particular de la cinta, que de hecho está retratada en el afiche, es la metáfora ideal de estos personajes: un árbol se mantiene en pie a pesar de que en esa zona desértica no hay agua, sus hojas siguen creciendo así nadie se acuerde de regarlas.

Título original: Paraíso
País y Año: Perú, 2009
Director: Héctor Gálvez
Actores: Joaquín Ventura, Yiliana Chong, José Luis García, Gabriela Tello, William Gómez, etc.
Calificación: *** 1/2

Soledad compartida

2010-04-13T19:33:00.002-05:00

Criatura de la noche sigue el encuentro de dos seres solitarios. Oskar es un niño de 12 años que no se halla en ninguna parte. En el colegio, no tiene amigos y por el contrario, es acosado por tres compañeros que siempre lo reciben con insultos, amenazas y golpes. Como sus padres están separados, vive solo con su mamá en un gran edificio al que se acaba de mudar una misteriosa chica que desde el inicio le advierte que no pueden ser amigos. Eli también tiene 12 años, pero ha tenido esa edad por lo menos durante 200 años.

Eli es una pequeña vampiresa que vive con un misterioso ayudante que aparenta ser su padre frente a los demás vecinos y que le provee de la sangre que necesita para sobrevivir. Una serie de asesinatos que ocurren tras la llegada de Eli y su ayudante despiertan el pánico en el vecindario y crean una opresiva atmósfera de peligro y suspenso.

Esta cinta sueca de bajo presupuesto no es la típica cinta frívola de vampiros y, por ende, se ubica en un extremo opuesto a la artificial Crepúsculo. Criatura de la noche clava sus dientes en el territorio de las emociones más hondas y las sensaciones más desoladoras: la soledad, la angustia y la necesidad de encajar en un mundo hostil.

Al margen de la temática de vampiros, la película se concentra en trazar la entrañable relación de amistad incondicional entre Oskar y Eli, quienes crean sus propios códigos y desafían los límites impuestos por sus propios temores.

Es notable la diferencia de encuadres para reforzar la relación de Oskar con Eli vs. la gente que lo rodea. Cuando está en el colegio, con sus padres o caminando solo por las calles, vemos a Oskar en planos generales que intensifican su soledad y falta de conexión. Cuando está con Eli, en cambio, se privilegian los planos más cerrados que marcan la intimidad y cercanía entre ambos personajes.

La película no juzga a Eli ni siquiera cuando tiene que matar para sobrevivir. Por el contrario, se compadece de ella y de su condición de marginal que ha aprendido a vivir sacrificándose. Este retrato de resignación contrasta con el de otro personaje secundario que recibe la mordida fatal, pero es incapaz de vivir por el resto de su vida escondiéndose en las sombras y esperando ansiosa el cuello de su siguiente víctima.

Criatura de la noche fue la sensación en muchos festivales y premiaciones europeas hace un par de años y su merecida condición de película de culto le ha valido el dudoso honor de inspirar un remake en Hollywood, por estrenarse a fines de este año. Me temo que la versión gringa será más sensacionalista y sangrienta, alejándose de la sutileza de la original. El mejor cine de terror nos invita a imaginarnos lo que pasa fuera del encuadre y lejos de nuestra vista, como ocurre en este caso, en escenas magníficas como la del ataque en la piscina.

Título original: Låt den rätte komma in
País y año: Suecia 2008
Director: Tomas Alfredson
Actores: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Peter Carlberg, Ika Nord, entre otros.
Calificación: ****

Las pasiones de Pedro

2010-03-13T18:20:00.003-05:00

Este blog se inició con la crítica de Volver, la última obra maestra de Almodóvar y la única película que ha merecido la máxima calificación (5 estrellas) en la corta historia de Las Horas Rojas. Su nueva película se titula Los Abrazos Rotos y aunque llega con bastante retraso a nuestra cartelera (su estreno en España fue hace un año), es un acontecimiento porque nos permite celebrar una vez más el talento y la creatividad del director manchego.

Los Abrazos Rotos gira alrededor de varios ejes narrativos. En un nivel destaca la pasión de dos amantes que se conocen en la filmación de una película. El director Mateo Blanco (Lluís Homar) vive un romance secreto con la actriz protagónica Lena (Penélope Cruz), quien a su vez es la amante “oficial” del productor y poderoso empresario Ernesto Martel (José Luis Gómez).

Ese triángulo está marcado por los celos, las intrigas, la obsesión y la tragedia, la cual nos conduce a otro nivel de la narración. Catorce años después de un accidente en el que perdió la vista, Mateo Blanco responde a la identidad de Harry Caine (léase hurricane = huracán) y con la ayuda de su directora de producción Judith (Blanca Portillo), sigue escribiendo guiones y recordando desde la oscuridad el pasado luminoso en que filmó su última película.

Esa cinta, que dejó filmada pero no editada, se llama Chicas y maletas y es un claro homenaje a Mujeres al borde de un ataque de nervios, la notable comedia que estrenó Almodóvar en 1988. Aquí reaparecen elementos reconocibles de ese clásico, como el gazpacho, la cama incendiada y la dominación de colores cálidos como el rojo, naranja y amarillo. Todo un regalo para los fans que conocemos su filmografía como si fuera nuestra vida misma.

Los Abrazos Rotos es también un homenaje a la pasión. Por un lado, los amantes se funden en abrazos que detienen el tiempo, pero que son interrumpidos por una presencia maligna. Por otro lado, puede sentirse la pasión de Almodóvar por el cine y la amalgama de géneros de la que nutre su film: el melodrama clásico, la comedia disparatada, el romance y el suspenso angustiante.

La cinefilia de Pedro se siente como una presencia vibrante en cada encuadre. Con absoluta meticulosidad, cada elemento le da forma a un todo del que es imposible despegar la mirada. Entre las numerosas imágenes de antología destacan la de una lágrima bañando un tomate sobre una tabla de picar y unas manos ansiosas que tocan la pantalla de un televisor queriendo palpar un beso que los ojos no le permiten ver.

Penélope Cruz cumple con el reto de interpretar un personaje rico en capas, de las que se va despojando hasta quedar expuesta, vulnerable y frágil. Lluís Homar está convincente en su tormento y nostalgia. La gran Blanca Portillo, quien ya había destacado en Volver, ahora brilla con un monólogo en el que destapa confesiones y conecta cabos sueltos.

A pesar de sus numerosos aciertos, Los Abrazos Rotos no llega a rozar la perfección de las obras maestras de su director, en especial porque el complejo guión no es parejo en todas sus interconexiones. Sin embargo, Almodóvar le ha declarado nuevamente su amor al cine y en ese romance, los espectadores ocupamos felices la tercera esquina del triángulo amoroso.

Título original: Los Abrazos Rotos
País y año: España 2009
Director: Pedro Almodóvar
Actores: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Tomar Novas, Rubén Ochandiano, Chus Lampreave, Lola Dueñas, entre otros.
Calificación: ****

El secreto de sus votos II

2010-03-11T23:11:00.004-05:00

Como era de esperarse, Zona de Miedo (The Hurt Locker) arrasó en la ceremonia del Oscar al llevarse 6 premios, incluyendo mejor película, directora y guión original. Hubiera preferido que gane Bastardos sin Gloria, de lejos la mejor de las 10 nominadas, pero Zona de Miedo sería mi segunda opción, así que no me pareció un premio tan injusto.

Pocas películas bélicas han logrado mantenerme al filo de mi asiento con la respiración contenida y los párpados inmóviles tanto como Zona de Miedo. La directora Kathryn Bigelow consigue que cada secuencia de desactivación de bombas sea un brillante ejercicio de suspenso, tensión y emociones extremas. El retrato del protagonista adicto a la adrenalina del campo de batalla y su fuerte conflicto interior por no comprometerse emocionalmente con una potencial víctima son grandes aciertos de una cinta con una mirada crítica sobre la paranoia que se respira en Irak.

En el resto de categorías, mis emociones viajaron del aplauso de pie al abucheo indignado.

El triunfo más merecido. Celebré entre aplausos los Oscar de Christoph Waltz (mejor actor de reparto por Bastardos sin Gloria y autor de la inolvidable frase: "Oscar and Penelope, that's an uber-Bingo"), Mo Nique (mejor actriz de reparto por Precious) y Up (mejor película animada y mejor partitura original).

El triunfo menos merecido. Sandra Bullock ganó el Oscar a mejor actriz por The Blind Side (que se estrenará acá como Un sueño posible), no porque sea una gran actuación, de hecho cumple con eficiencia y carisma, pero ahí nomás. Ganó porque es un imán de la taquilla y una intérprete muy popular en la industria, tal y como lo fueron antes Julia Roberts y Reese Whiterspoon, provenientes de la comedia romántica al igual que Bullock. Es una pena que hayan decidido entregar este premio basándose más en la popularidad que en el talento, cuando las otras candidatas (Meryl Streep, Carey Mulligan y Gabby Sidibe) estaban en un nivel superior.

Lo mejor de la ceremonia. Fue un gran acierto mostrar a los diez intérpretes nominados a mejor actor y mejor actriz al inicio de la ceremonia parados sobre el escenario recibiendo juntos el aplauso del auditorio. Los bailarines que representaban las cinco partituras nominadas le dieron brillo al espectáculo. Los maestros de ceremonias Steve Martin y Alec Baldwin tuvieron altibajos y no todas sus bromas funcionaron, pero me quedo con un momento memorable: cuando le dijeron a Christoph Waltz que, siendo cazador de judíos, había encontrado un gran tesoro en el Teatro Kodak y a continuación la cámara poncha a los hermanos Coen (visibles representantes de la comunidad judía en Hollywood).

Lo peor de la ceremonia. Podría elegir a la insolente pelirroja que le arrebató el micrófono al director ganador del Oscar a mejor cortometraje documental, o el insípido número musical a cargo de Neil Patrick Harris o la presencia de los “actores” de Crepúsculo que creían que esto era una premiación de MTV. Pero no. Lo más lamentable de la noche fue ver a la leyenda viviente Meryl Streep perder por enésima… digo, decimocuarta vez. Es la actriz más nominada de la historia y la más derrotada también. Este año su brillante actuación en Julie & Julia era el motivo ideal para reconocerla después de 27 años, pero al parecer premiar a Miss Simpatía en su primera nominación les pareció una mayor prioridad.

El secreto de sus votos I

2010-03-10T23:52:00.006-05:00

La entrega de premios Nº 82 de la Academia de Hollywood no se caracterizó precisamente por las sorpresas. Por el contrario, se dedicaron a repetir los mismos ganadores que habíamos visto en las premiaciones anteriores. ¡Qué tal reto para los actores preparar 5 discursos o más para las distintas ceremonias y poner cara de sorpresa cuando ganan por sexta vez en menos de dos meses!

Sin embargo, para los peruanos fue una emoción más intensa que de costumbre seguir la ceremonia del Oscar porque por primera vez una representante nuestra competía en el rubro de mejor película extranjera.

La Teta Asustada fue derrotada por la candidata argentina El Secreto de sus Ojos, una película con buenas actuaciones de Ricardo Darín y Guillermo Francella, una fotografía impecable (la memorable escena del estadio tiene un impresionante manejo de cámaras) y un interesante giro al final. Se trata de un film muy bueno y accesible para el público menos exigente, a diferencia de las candidatas de Perú, Alemania (La Cinta Blanca) y Francia (Un Profeta). Estas tres cintas resultan menos convencionales y más aptas para impresionar al riguroso jurado de un festival de cine europeo que a los conservadores votantes de Hollywood.

Quentin Tarantino y Pedro Almodóvar le entregaron el Oscar a Juan José Campanella, director de El Secreto de sus Ojos

En esta categoría, a diferencia de las demás, la Academia exige a los votantes que certifiquen que han visto todas las cinco películas nominadas antes de emitir su voto. Como consecuencia, quienes participan en la elección son por lo general personas mayores y en retiro, quienes tienen más tiempo libre de ver las cintas extranjeras. Por eso, este grupo usualmente conservador responde mejor a películas cálidas y sentimentales, con estándares más clásicos. El Secreto de sus ojos encaja bien en ese grupo, junto con ganadoras anteriores como La Vida es Bella (Italia), La vida de los otros (Alemania) o Los Estafadores (Austria).

Magaly Solier, Claudia Llosa y el Oso de Oro en Berlín

De todos modos, La Teta Asustada llegó donde ninguna película peruana había llegado jamás y no me refiero sólo a la nominación al Oscar, sino a conseguir el Oso de Oro en Berlín y a los numerosos premios que consiguió en festivales de cine alrededor del mundo. Este año el cine peruano ha seguido cosechando galardones gracias a Contracorriente (premio del público en los festivales de Sundance y Cartagena), con lo cual se sigue consolidando nuestra cinematografía en el exterior. ¿Volveremos algún día / pronto / el próximo año a la alfombra roja más famosa del mundo?

Próxima parada: Incertidumbre

2010-02-22T22:48:00.005-05:00

En épocas de caos, uno tiene que ser creativo y convincente para encontrar soluciones prácticas con pocos recursos. Dos cintas recientemente nominadas al Oscar muestran mundos fracturados, sociedades resentidas y rutas de escape inesperadas.

El carisma en tiempos de crisis

Amor sin escalas (inadecuado título en español para Up in the air) le toma el pulso a la sociedad americana de hoy, golpeada por la crisis económica, pero también por otras crisis igualmente deprimentes: la de la mediana edad y las afectivas. Todas estas situaciones inciertas son paraderos obligados en un mundo individualista en el que todo ocurre demasiado rápido y no hay tiempo de reponerse antes de que llegue la siguiente turbulencia.

Ryan Bingham (George Clooney) se gana la vida como consultor de una compañía que lo manda por todos los Estados Unidos despidiendo gente, pero ofreciéndoles un paquete de beneficios para que la experiencia sea menos traumática. Natalie Keener (Anna Kendrick) es una sabelotodo ambiciosa recién egresada de la universidad que idea una estrategia para ahorrar tiempo y dinero a la compañía: despedir a los trabajadores por videoconferencia. El jefe de ambos los manda juntos de viaje para que Bingham sea su mentor y le enseñe cómo funciona el negocio.

Bingham tiene muchos parecidos con el personaje público que George Clooney expone en entrevistas y alfombras rojas: es un soltero empedernido que le huye al compromiso y que se vale de su carisma para vender discursos irrefutables. Pero la gran actuación de Clooney es mucho más que un reflejo de sí mismo: la aparente desconexión de relaciones humanas duraderas y significativas de Ryan esconde un miedo a encariñarse demasiado con alguien que lo traicione. Sus compañeras de reparto también están excelentes: Kendrick se luce como la niña inexperta que cree tenerlo todo planeado y Vera Farmiga seduce en el papel de Alex, una amante ocasional de Ryan.

Amor sin escalas tiene 6 nominaciones al Oscar: mejor película, director, actor (Clooney), actriz de reparto (Anna Kendrick y Vera Farmiga) y guión adaptado. Se trata de la película más lograda del director Jason Reitman (Gracias por fumar y Juno), porque captura con humor negro, nostalgia y cotidianeidad el abandono en que quedan los seres humanos al ser despedidos por su empresa o su pareja, pero también nos invita a cuestionar qué ideales, personas y sentimientos queremos llevar en la maleta cuando nos animamos a viajar a un destino lejano.

Título original: Up in the air
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Jason Reitman
Actores: George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Jason Bateman, Amy Morton, Melanie Lynskey, J. K. Simmons, entre otros.
Calificación: ****

El juego y la política

Invictus es una crónica del período en que Nelson Mandela toma la presidencia de Sudáfrica y encuentra un país profundamente dividido, herido por una profunda desconfianza entre blancos y negros, producto del apartheid. Su estrategia para unir a la nación incluye, entre otras armas creativas, encargarle a la selección de rugby que gane el campeonato mundial.

Morgan Freeman interpreta a Mandela con serenidad, liderazgo y un dominio total del lenguaje corporal y del entorno. Su notable actuación, merecidamente nominada al Oscar, le hace justicia a un personaje tan emblemático a partir de gestos de humildad, de complicidad con sus colaboradores y del marcado contraste entre su amor a los sudafricanos y sus propios problemas familiares.

Matt Damon es Francois Pienaar, el capitán de la selección nacional de rugby, quien lleva sobre los hombres el enorme desafío de remontar la actuación inicialmente mediocre de su equipo. Damon cumple su papel de manera eficiente, con la concentración justa y necesaria, pero su nominación al Oscar como mejor actor de reparto resulta un poco exagerada.

Clint Eastwood ha dirigido muchas obras notables en la década pasada, desde Río Místico hasta Gran Torino. La mayoría de sus películas suelen tener un ambiente sombrío y tenso, sus personajes se enfrentan a pesadas derrotas o inexplicables tragedias. Esta vez ha cambiado el tono para confeccionar una cinta optimista, cálida e inspiradora, de esas que hacen sentir bien al espectador. El resultado, emocionante a pesar de que sigue una trayectoria predecible, resulta mejor que el promedio de cintas inspiracionales hechas para el consumo masivo, pero tampoco se coloca en la galería de clásicos del gran Clint.

Título original: Invictus
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Clint Eastwood
Actores: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Adjoa Andoh, Patrick Lyster, entre otros.
Calificación: *** 1/2

La dicha láctea

2010-02-09T18:43:00.008-05:00

Las foráneas

Las profecías se cumplieron: La Teta Asustada se ha convertido en la primera película peruana nominada al Oscar a mejor film en idioma extranjero. Su triunfo en el Festival de Berlín, hace exactamente un año, nos hizo soñar con esa posibilidad de llegar a la premiación más famosa del mundo del cine y ahora es un hecho palpable.

La Cinta Blanca

Como adelanté en un post de octubre, sus principales competidoras son la alemana La Cinta Blanca y la francesa Un Profeta, ambas ganadoras en el último Festival de Cannes. Por lo general, el cine europeo es el que suele ganar en esta categoría, pero cada año vemos cómo los supuestos favoritos son derrotados por filmes más pequeños. Recordemos el año pasado cómo la japonesa Okuribito (Departures) derrotó a las más prestigiosas Entre les murs (Francia) y Waltz with Bashir (Israel).

El Secreto de sus Ojos

Es la primera vez que dos películas latinoamericanas compiten en esta categoría. Nos acompaña en la terna Argentina con El Secreto de sus Ojos, cinta que viene precedida de muy buenas críticas y cuyo estilo clásico la hace amigable a la Academia. Su director también consiguió hace 9 años la nominación con la comedia El Hijo de la Novia.

La israelí Ajami también cuenta con posibilidades: ganó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes por ser la mejor ópera prima, tiene una estructura narrativa con historias paralelas que muestra las relaciones entre árabes y judíos, y además, le favorece el hecho de que la Academia de Hollywood está compuesta por un importante bloque de votantes judíos.

A estas alturas, cualquiera de las 5 candidatas puede ganar. Eso, a diferencia de otras categorías tan predecibles, hace de ésta una carrera más emocionante.

Las diez elegidas

En un afán de subir los niveles de rating de su entrega de premios televisada, la Academia decidió ampliar este año las nominadas a mejor película de 5 a 10. La discutible medida ha hecho que tengamos un grupo variado con opciones más populistas: Amor sin escalas, Avatar, Bastardos sin Gloria, The Blind Side, An Education, The Hurt Locker, Precious, Sector 9, A Serious Man y Up.

Las dos favoritas para ganar el premio a mejor película son Avatar y The Hurt Locker. Ambas parten con nueve nominaciones en total y son cintas marcadas por fuertes dosis de acción, una en un mundo de fantasía poblado por seres azules y la otra en un escuadrón de desactivación de explosivos en Iraq.

James Cameron y Kathryn Bigelow

En la categoría de mejor director los principales competidores son los ex esposos James Cameron (Avatar) y Kathryn Bigelow (The Hurt Locker), quienes se han deseado públicamente mucha suerte el uno al otro (¡sí, como no!). Bigelow ha ganado más galardones hasta el momento (incluyendo el premio del Sindicato de Directores) y muchos vaticinan que será la primera mujer en ganar el Oscar a mejor director. Sin embargo, su película no ha recaudado los mismos trillones de dólares que Avatar, lo cual lamentablemente juega en su contra ya que muchos votantes suelen inclinarse por la más taquillera.

Los actores

Jeff Bridges en Crazy Heart

No hubo mayores sopresas en la lista de actores y actrices nominados. El favorito para ganar el Oscar a mejor actor es Jeff Bridges por su papel de cantante de country en decadencia en Crazy Heart y si acaso tiene alguna competencia podría ser George Clooney por Amor sin escalas (Up in the air). Morgan Freeman (Invictus), Colin Firth (A Single Man) y Jeremy Renner (The Hurt Locker) tienen menos posibilidades.

Meryl Streep en Julie & Julia

En la categoría de mejor actriz, hay una competencia feroz entre dos populares reinas de la taquilla. Meryl Streep ha conseguido su decimosexta nominación (un record histórico) gracias a Julie & Julia y podría ganar su tercer Oscar después de 27 años de haber obtenido el último. Sin embargo, podría ser derrotada por la mismísima Miss Simpatía: Sandra Bullock, quien con la cinta de corte inspiracional The Blind Side se ha llevado el Critics Choice Award, Golden Globe y SAG Award a mejor actriz. Las otras nominadas son Helen Mirren (The Last Station) y las revelaciones Carey Mulligan (An Education) y Gabourey Sidibe (Precious).

Queda menos de un mes para la ceremonia del 7 de marzo y decenas de películas por ver. Que las distribuidoras se apiaden de nosotros y la buena leche acompañe a nuestra candidata peruana.

Nueve maneras de calificar mi nueva obsesión

2010-01-24T21:05:00.005-05:00

Podría definir Nine de nueve maneras distintas. Es un musical basado en una obra de teatro que a su vez adaptó una famosa película de Federico Fellini, 8 ½. Es una cinta extravagante sobre el bloqueo creativo de un director de cine. Es una mirada voyerista sobre las relaciones de este cineasta con las mujeres que han marcado su vida. Es un homenaje al cine italiano de los años 60, cuando el neorrealismo estaba en su mayor apogeo.

Es un espectáculo vibrante, enmarcado con telones de sensualidad y elegancia. Es un desfile de glamorosas estrellas de cine que se encuentran en distintos procesos de convertirse en leyendas. Es una reunión de varios ganadores del Oscar que además de brillar juntos en escena, interpretan sus canciones con apasionada entrega. Es un mundo de fantasía en el que las ilusiones deambulan entre camerinos y estudios de grabación jugando a ser ciertas. Es, por todo ello, una película que reunía grandes condiciones para ser una obra maestra del género musical, si no fuera porque su director (Rob Marshall) pareció contagiarse un poco de la desorientación de su protagonista.

Marshall dirigió Chicago, el fantástico musical que ganó el Oscar a la mejor película en el 2002. En Nine, demuestra nuevamente algunas brillantes ideas para la puesta en escena de los números musicales, cada uno tiene grandes valores de producción en cuanto a la edición, fotografía, dirección artística, vestuario y coreografía.

Sin embargo, donde decaen la dirección y el guión es en las escenas habladas, en las que la trama no fluye con la misma naturalidad que en las escenas musicales. Felizmente, la gran presencia escénica de Daniel Day-Lewis y su interacción con el elenco femenino crean una irresistible seducción.

Day-Lewis interpreta a Guido Contini, un afamado cineasta italiano que está a punto de filmar uno de sus más ambiciosos proyectos, la cinta Italia. La expectativa es grande, sobre todo porque sus últimas películas fueron fracasos, pero aún así cuenta con el respaldo de todo el equipo de producción. El problema es que, estando ya todos listos para filmar, Guido ni siquiera tiene el guión escrito porque no encuentra la inspiración. El gran Day-Lewis se comporta como un camaleón y se adapta a cada una de sus compañeras de reparto para encontrar una conexión distinta con cada una. Lamentablemente, le toca interpretar canciones poco memorables, pero cumple con el encargo sin salir magullado.

Marion Cotillard es Luisa, la sacrificada esposa de Guido que renunció a su sueño de ser actriz. Luisa es el personaje femenino mejor desarrollado y Cotillard está notable cuando canta con una excelente voz y un dominio total del escenario sus dos temas, la melancólica “My husband makes movies” y la despechada “Take it all”.

Penélope Cruz es Carla, la amante de Guido. La española no tiene la mejor voz, pero igual se divierte desbordando sensualidad y tiene diálogos que aportan una dosis justa de comedia.

Nicole Kidman es Claudia, la musa de Guido. Representa la imagen ambigua de una glamorosa estrella de cine, inalcanzable en apariencia, adorada por las cámaras, pero frágil a fin de cuentas. Kidman hace maravillas con un papel diminuto y le imprime clase a la mejor canción del musical, “Unusual way”.

Judi Dench es Lilli, la diseñadora de vestuario y confidente de Guido. Se luce con diálogos precisos y sarcásticos que la convierten en una presencia dinámica, pero su número musical se siente algo desencajado o poco inspirado.

Kate Hudson es Stephanie, una reportera americana de la revista Vogue que quiere a toda costa seducir a Guido y que está fascinada con el estilizado imaginario de sus filmes. Su interpretación del tema “Cinema italiano” es energía pura, un adictivo tema pop que, sin embargo, no aporta mucho al argumento.

Fergie es Saraghina, una prostituta que Guido conoció en su niñez. La cantante pop no dice una sola palabra, pero cuando empieza a cantar el tema “Be Italian” demanda atención absoluta y la consigue. Es el número más vistoso y destinado a convertirse en el más icónico de la cinta.

Sophia Loren interpreta a la madre de Guido. Es la única actriz italiana del reparto principal y a pesar de que es una leyenda viviente, luce completamente desganada y distanciada de cualquier emoción.

Podría definir Nine de una manera más: es un evento cinematográfico que, siendo imperfecto y sensacional al mismo tiempo, es un sofisticado placer culposo que acaricia la retina de los seguidores de estas espectaculares diosas de la pantalla.

Título original: Nine
País y año: Estados Unidos 2009
Director: Rob Marshall
Actores: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Kate Hudson, Sophia Loren y Fergie.
Calificación: ****

Balance 2009: El curioso año de la teta

2010-01-09T21:43:00.011-05:00

Lo más complicado de hacer una lista con los mejores títulos del año no es encontrar obras maestras en medio de la monótona oferta de las distribuidoras, sino elegir el puesto que determine que una película es mejor que otra. Hoy mi estado de ánimo, mi memoria y mi intuición me dictan 10 títulos que según mi punto de vista son lo mejor que se estrenó en la cartelera limeña entre enero y diciembre.

1. La Teta Asustada. Claudia Llosa filma la liberación del alma de Fausta (impecable Magaly Solier) con una gran riqueza de imágenes poéticas y un logrado equilibrio entre el retrato íntimo de una persona aterrorizada y el cuadro de personajes pintorescos que componen su entorno.

2. El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button). Esta elegante fantasía reflexiona sobre el inevitable paso del tiempo y la presencia efímera de la gente que transforma nuestro destino.

3. El llanto de la mariposa (Le scaphandre et le papillon). Esta cinta francesa sobre un hombre que queda paralítico y se comunica sólo a través del movimiento de un ojo es asombrosamente hermosa y poderosamente estremecedora.

4. Bastardos sin gloria (Inglorious Basterds). La mente delirante de Tarantino nos hace ingresar por la puerta falsa a los sangrientos escenarios de la Segunda Guerra Mundial, con personajes de antología que en medio de sofisticados planes de venganza tienen tiempo para distraer al enemigo con sus encantos.

5. La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky). Esta comedia salpicada de optimismo desbordante es irresistible gracias a su frescura y a su inmunidad frente al egoísmo e indiferencia de la sociedad individualista.

6. Milk. Los ideales de un político carismático y comprometido con la defensa de los derechos civiles son la materia prima de este film enérgico y apasionado.

7. Up. La gran aventura de un anciano gruñón y un niño explorador a bordo de una casa atada a globos de helio nos transporta por los elevados confines del asombro, la ternura y el entretenimiento familiar con neuronas.

8. La duda (Doubt). El afilado duelo verbal entre una monja estricta y conservadora y un sacerdote más liberal acusado de pedofilia plantea cuestiones morales muy relevantes y pone en evidencia la pesada maquinaria de los rumores y las culpas. El mejor elenco del año, sin duda.

9. El lector (The Reader). Stephen Daldry dirige este drama que revela secretos, expone vergüenzas y desata pasiones en medio de un doble aprendizaje entre una mujer madura y un joven mucho menor.

10. El sustituto (Changeling). Filmada con elementos de terror, suspenso y melodrama, esta cinta de Eastwood es una muestra de la descomposición a la que llegan tanto las instituciones corruptas como las mentes trastornadas.

Otras cintas y géneros

Otros dramas destacados este año fueron Gran Torino, Una visita inesperada (The Visitor) y El luchador (The Wrestler). Las comedias más hilarantes fueron Unas vacaciones diferentes (In Bruges), ¿Qué pasó ayer? (The Hangover) y Muerte en un funeral (Death at a funeral). En ciencia ficción, Avatar se coronó como un nuevo hito del género. En el terror, la española Rec fue la fuente de los mayores sustos. Y en el cine de animación, además de Up, destacó el retorcido mundo paralelo de Coraline.

Los mejores actores

Los 10 actores más inolvidables de este año que pasó y sus respectivas huellas indelebles son:

1. Meryl Streep, La duda y Julie & Julia
2. Sean Penn, Milk
3. Mickey Rourke, El luchador
4. Sally Hawkins, La felicidad trae suerte
5. Christoph Waltz, Bastardos sin gloria
6. Kate Winslet, El lector
7. Philip Seymour Hoffman, La duda
8. Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
9. Colin Farrell, Unas vacaciones diferentes
10. Magaly Solier, La teta asustada

Lo peor

Mis peores experiencias en el cine fueron el nefasto remake de Viernes 13 (Friday the 13th), el anémico romance emo de Crepúsculo (Twilight), la insípida Los fantasmas de mi ex (Ghosts of Girlfriends Past) y la desastrosa 2012.

El nuevo tanque del rey

2010-01-05T12:07:00.003-05:00

El director James Cameron logró lo inimaginable al hundir el Titanic: al recaudar $1,835,300,000 en todo el mundo, se convirtió en la película más taquillera de la historia y hoy, 12 años después, ninguna superproducción ha podido superarla. Este mismo tanque consiguió además 11 Oscar (igualando el record de Ben Hur) y en la ceremonia de premiación, cuando Cameron recogió su premio a mejor director lanzó la célebre frase: “Soy el rey del mundo”.

Después de tales logros, había mucha expectativa por el siguiente paso de Cameron. Primero se dedicó a producir y dirigir algunos documentales, mientras le daba forma a su siguiente film de ficción: Avatar. Con un presupuesto que se estima bordea los 400 millones de dólares, Cameron ha filmado la película más cara de la historia y con la que además conquista nuevos horizontes y rompe nuevos records.

Avatar sigue el recorrido del soldado parapléjico Jake Sully (Sam Worthington), quien llega al planeta Pandora para cumplir una misión que inicialmente estaba destinada a su hermano gemelo, quien acaba de morir. A través de un programa de simulación, debe insertarse entre la población Na´vi (quienes habitan este planeta) para ganarse su confianza.

Aunque los Na´vi inicialmente lo miran con desconfianza, terminan aceptándolo en el clan y enseñándole su cultura: desde la lengua hasta las formas de cazar y dominar a las bestias animales. Su mentora es la aguerrida Neytiri (Zoe Saldaña), de quien aprende a entender la relación con la naturaleza de una manera mucho más espiritual y respetuosa.

No es difícil entender el romance entre los aborígenes y el medio ambiente. El planeta Pandora tiene una belleza exótica que se encuentra en sus apasionantes montañas flotantes, en sus semillas del árbol sagrado que vuelan con elegancia por el espacio, en sus plantas de colores encendidos y fosforescentes que iluminan la noche. Es emocionante dejarse envolver por la magia de los efectos 3D y sentir que uno camina por esa jungla tocando las flores y esquivando las flechas envenenadas.

Avatar es una cinta épica con logradas escenas de acción y aventuras que están muy por encima del promedio de lo que produce Hollywood últimamente. Su ingeniosa incorporación de nuevas tecnologías y el ya mencionado uso interactivo de efectos en tercera dimensión la convierten en una experiencia cinematográfica imperdible.

Si bien podría decirse que la forma le gana al fondo, tampoco es que la historia sea descabellada ni mal trabajada. Muy por el contrario, el guión ofrece interpretaciones muy interesantes sobre el abuso de los recursos naturales y más aún, sobre los atropellos del imperialismo en contra de culturas milenarias que tienen una cosmovisión diferente.

Ahí se encuentra una gran fortaleza y a la vez una debilidad del film. Es de aplaudir una perspectiva inusual en una gran superproducción de Estados Unidos destinada para el consumo masivo, pero al mismo tiempo en la ejecución de estas ideas bien intencionadas se encuentran pequeños excesos o incoherencias como la repentina y conveniente aparición de las bestias salvajes para ayudar a los Na´vi en el combate contra los humanos, o como las pintorescas danzas que realizan los aborígenes para revivir a los muertos.

De todos modos, James Cameron está haciendo historia otra vez. Avatar ha recaudado en dos semanas desde su estreno más de mil millones de dólares en todo el mundo, algo que ninguna película había logrado en tan poco tiempo. Aún es prematuro saber si destronará a Titanic como la película más taquillera de la historia, pero por lo menos el rey del mundo puede sonreír tranquilo porque su nuevo buque lejos de hundirse se ha proyectado al infinito y ya se le considera un hito que marcará las tendencias del cine que veremos en la década que recién empieza.

Título original: Avatar
País y año: Estados Unidos 2009
Director: James Cameron
Actores: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez. Giovanni Ribisi, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Premios por gremios: globos y más

2009-12-22T01:14:00.006-05:00

Comenzó una de las épocas con más adrenalina para los cinéfilos: la temporada de premios en Hollywood. La semana pasada tuvimos el anuncio de nominados al Globo de Oro y los SAG Awards, mientras que los críticos de las principales ciudades de Estados Unidos también publicaron sus listas de ganadores.

Los Globos

La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood es la encargada de entregar los Golden Globes a las mejores producciones de cine y televisión. Este año, la película más nominada ha sido Up in the air, dirigida por Jason Reitman (Gracias por fumar, Juno) y protagonizada por George Clooney, quien interpreta a un hombre encargado de viajar por todo el país despidiendo gente de su empresa. Parte como favorita con 6 nominaciones: película de drama, director, actor de drama (Clooney), actriz de reparto (tanto Anna Kendrick como Vera Farmiga) y guión.

Le sigue en número de nominaciones el musical Nine, mi película más esperada del año. Compite en los tres rubros principales de la división comedia/musical: mejor película, actor (Daniel Day-Lewis) y actriz (Marion Cotillard). Además, está nominada a mejor actriz secundaria (Penélope Cruz) y mejor canción original (la contagiosa “Cinema Italiano” interpretada por Kate Hudson).

Bastardos sin Gloria de Quentin Tarantino también ha logrado varias nominaciones: película de drama, director, guión y actor de reparto (Christoph Waltz). Es un hecho que esta película es el gran retorno de Tarantino a las ceremonias de premiación, después de que ganara el Oscar por el guión de Pulp Fiction hace 15 años.

El resto de nominados en todas las categorías aquí.

El Sindicato de Actores

Los actores conforman el mayor bloque de votantes del Oscar, por eso los premios del Sindicato de Actores (SAG Awards) son un claro indicador de lo que sucederá meses después en los premios de la Academia. Este año, las cinco películas que compiten por el premio a mejor elenco del año son:

Nine: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Kate Hudson, Judi Dench, Sophia Loren y Fergie.

Bastardos sin Gloria: Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Kruger, Michael Fassbender, Mike Myers, entre otros.

Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Mariah Carey, Lenny Kravitz, Mo'Nique, Gabourey 'Gabby' Sidibe, entre otros.

The Hurt Locker: Jeremy Renner, Christian Camargo, Evangeline Lilly, entre otros.

An Education: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Emma Thompson, Dominic Cooper, entre otros.

El resto de nominados en todas las categorías aquí.

Los críticos

Las asociaciones de críticos de las principales ciudades de Estados Unidos también entregan sus premios al inicio de diciembre y, por lo general, eligen a los mismos ganadores, con lo cual marcan las tendencias de lo que se verá en el resto de la temporada de premios.

The Hurt Locker ha sido elegida la mejor película del año por los críticos de Chicago, San Francisco, New York, Los Angeles y Boston. Es una película de drama, acción y suspenso que narra el peligro al que se enfrenta un escuadrón del ejército de EEUU en Iraq. Los críticos de Washington votaron, en cambio, por Up in the air.

El voto para el mejor director ha sido unánime en todas las ciudades: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker. Si su buena racha se mantiene, se convertiría en la primera mujer en la historia en ganar el Oscar a mejor director. Como dato curioso, Bigelow estuvo casada con James Cameron (Titanic) y este año compite en el Globo de Oro contra él, ya que él está nominado por Avatar.

El premio a mejor actor ha estado repartido entre varios intérpretes, lo que hace más interesante la competencia. George Clooney (Up in the air) fue elegido por los críticos de Washington y New York, Colin Firth (A Single Man) ganó en San Francisco, Jeff Bridges (Crazy Heart) triunfó en Los Angeles y Jeremy Renner (The Hurt Locker) fue el vencedor en Boston y Chicago.

El premio a mejor actriz también está peleado. Meryl Streep (Julie & Julia) es la favorita de los críticos de San Francisco, New York y Boston. Chicago y Washington votaron por la revelación británica Carey Mulligan (An Education), mientras que en Los Angeles se decidieron por la actriz belga Yolande Moreau (Seraphine).

Christoph Waltz, quien interpretó al despiadado Coronel Hans Landa en Bastardos sin Gloria comenzó a cosechar premios en mayo en el Festival de Cannes y ahora continúa siendo una fuerza imparable al llevarse prácticamente todos los galardones de mejor actor de reparto que han entregado los críticos. El Oscar es casi suyo.

La comediante Mo'Nique también ha sido una ganadora imbatible hasta ahora, llevándose todos los trofeos de mejor actriz de reparto de la crítica por su papel de madre abusiva en el drama independiente Precious.

El 2 de febrero conoceremos los nominados al Oscar y seguramente muchos de estos actores ya tienen su pase asegurado al Teatro Kodak para la ceremonia del 7 de marzo.

2012: Número repetido

2009-12-01T22:45:00.003-05:00

¿Cuántas veces hemos visto el mundo destruirse ante nuestros ojos por obra y gracia de desastres naturales o de ataques alienígenas? Han sido tantas que el legado de estas obras conforma el subgénero de las “películas de desastre”. La más reciente versión del fin del mundo se llama 2012 y arrastra consigo todos los clichés que hemos visto una y otra vez en cintas similares.

Los mayas predijeron que el 21 de diciembre de 2012 sería el final de una era y la tierra sufriría importantes modificaciones. La película lleva esta predicción a extremos fatalistas para mostrarnos una destrucción total del planeta, producida por terremotos e inundaciones.

Por supuesto, tienen que haber los estereotipos de rigor como el padre de familia común y corriente que se convierte en héroe… mejor dicho, en mesías. Y además, mientras salva al mundo, nuestro protagonista Jackson Curtis (John Cusack) se da tiempo para intentar reconciliarse con su familia, tal como hicieron los respectivos héroes de El día después de mañana y La guerra de los mundos.

Otro cliché bastante común en este tipo de películas es el presidente de Estados Unidos con vocación de mártir y profeta. En este caso, Danny Glover interpreta a un presidente negro (para estar a tono con los tiempos) que da conmovedores discursos de moral y de sacrificio mientras se inmola en nombre de su nación. Por supuesto, mientras los protagonistas estadounidenses son los hérores que salvan al mundo y son inmunes a la catástrofe, los personajes secundarios rusos son viciosos y antipáticos, y por tanto no tienen el mismo derecho a sobrevivir.

Al margen de los estereotipos y de un guión tan absurdo y predecible que termina siendo el mayor desastre de la película, vale la pena destacar los impactantes efectos visuales. La destrucción de la ciudad de Los Angeles, del Parque Yellowstone o la Capilla Sixtina, por citar sólo algunos ejemplos, conforman un gran espectáculo.

Por lo demás, quedan para el salón de la vergüenza escenas infames como la de John Cusack gritando desesperado “¡Donaaa!” cuando un donut gigante se interpone en su camino en la carretera. No sabemos si ese accidente estaba escrito en las predicciones de los mayas, pero de seguro en el año 2012 será divertido comprobar que el mundo sigue girando sin que los donuts nos caigan encima y que los guionistas de Hollywood siguen reciclando los clichés de estas cintas al mismo tiempo que los técnicos de efectos visuales ponen el ojo sobre nuevos monumentos apeteciblemente destructibles.

Título original: 2012
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Roland Emmerich
Actores: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Thandie Newton, Woody Harrelson, Danny Glover, entre otros.
Calificación: **

El espectáculo de los sentidos

2009-11-22T18:54:00.005-05:00

La cartelera ha estimulado nuestros sentidos en las últimas semanas con un buen sabor y un mejor sonido, gracias a un biopic de la chef Julia Child (Julie & Julia) y un documental que muestra los ensayos finales de Michael Jackson para lo que iba a ser su nueva gira (This is it).

El buen gusto

Julie & Julia son dos mujeres apasionadas por la gastronomía que vivieron en décadas diferentes y que son retratadas en esta película basada en las memorias de ambas. Julia Child (Meryl Streep) es la dinámica y detallista esposa de un diplomático estadounidense (Stanley Tucci) con quien se instala en París tiempo después de la Segunda Guerra Mundial. Cuando entra a estudiar en Le Cordon Bleu, es la única mujer de su clase y al principio sólo su esposo apoya su decisión de ser una respetada chef en un entorno sólo masculino. Sus apetecibles creaciones, inmortalizadas en recetas escritas con mucho gusto, son la base de un libro que la lanzaría a la fama y que más adelante la convertiría en una estrella de televisión.

Julie Powell (Amy Adams), por su parte, es una treintañera burócrata que en el año 2002 se da cuenta que está insatisfecha con su vida, a pesar de un feliz matrimonio, así que decide asumir el reto de cocinar diariamente 524 recetas del libro de cocina de Julia Child durante todo un año. Para que quede registrada su aventura, crea un blog en el que vuelca todos sus pensamientos relacionados con ese desafío, desde los temores que le generan ciertas recetas hasta la forma cómo esto afecta la relación con su esposo.

La mitad de la película correspondiente a Julia está mucho mejor cocinada que la de Julie, gracias a unos personajes secundarios más interesantes y a un mejor menú de emociones y sensaciones. Más aún, quien eleva el nivel de la película como ya es costumbre, es Meryl Streep con una nueva actuación magistral que se coloca entre sus mejores creaciones de esta década, junto a Clarissa Vaughan (Las Horas), Miranda Priestly (The Devil wears Prada) y la monja Aloysius (La Duda). Muchos analistas coinciden en que Streep definitivamente será nominada al Oscar y hasta podría ganarlo, sería el tercero de una prolífica carrera coronada con 15 nominaciones hasta la fecha.

Amy Adams, por su parte, tiene entre manos un personaje inocente y adorable, algo que se ha convertido en su especialidad, pero sería interesante verla romper ese molde y apostar por algo menos azucarado. Sus mejores escenas no necesariamente ocurren en la cocina ni en la plana relación con su esposo, sino en la creación de su blog y en las emociones que comparte con sus lectores. La imaginaria interacción final entre ambas protagonistas es quizás algo innecesaria, pero a pesar de ello se agradece la sutileza en una directora como Nora Ephron (Hechizada), que por lo general está más acostumbrada a los excesos y cursilerías.

Título original: Julie & Julia
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Nora Ephron
Actores: Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina, Linda Emond, Helen Carey, entre otros.
Calificación: *** 1/2

El rey ha resucitado

This is it es un documento fílmico que nos acerca a Michael Jackson de una manera en que sus videoclips y entrevistas en medios no pudieron. Las cámaras nos muestran cómo el ídolo del pop se preparaba para volver a los escenarios con un espectáculo vistoso, enérgico y emocionante.

En los ensayos que componen este documental no vemos a ese ser de otro planeta, perdido en excentricidades y caprichos, que los medios se encargaron de moldear desde que saltó a la fama. Aquí aparece un hombre perfeccionista y en pleno dominio de su cuerpo y del espacio que lo rodea, cercano a sus colaboradores y decidido a crear un concierto memorable.

La película nos muestra cada canción que iba a ser parte del repertorio, alternando en la edición los ensayos sobre el escenario con los diversos preparativos de cada tema, ya sea la grabación de los videos en tercera dimensión o la práctica de sus clásicas coreografías, en las que este artista de 50 años baila mejor que sus bailarines de 20.

Quedan para el recuerdo imborrable sus interpretaciones de “Smooth Criminal”, “Beat it” y por supuesto “Thriller”, en las que Jackson iba a hacer delirar al público que lo esperaba ansioso en Londres. Como el pasado 25 de junio la muerte cortó esa posibilidad, todo el material audiovisual que quedó de esos preparativos sirve como un premio consuelo para todos sus fanáticos y como el testimonio vivo de un genio de la música pop, quien estaba listo para descargar su electricidad en cada canción.

Título original: This is it
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Kenny Ortega
Calificación: *** 1/2

La venganza judía según Tarantino

2009-10-18T21:41:00.003-05:00

Cuando ya creíamos haber visto todos los ángulos posibles sobre el conflicto entre nazis y judíos durante la Segunda Guerra Mundial, Quentin Tarantino nos sorprende nuevamente con su peculiar versión de los hechos, completamente ficticia y delirante, en Bastardos sin gloria (Inglourious Basterds).

Tarantino plantea un escenario en el que los judíos pelean en igualdad de condiciones frente a sus enemigos y elabora dos historias paralelas teñidas de sangre y revancha. Su imaginación nos traslada a la Francia ocupada por los nazis, donde un grupo de soldados americanos judíos conocidos como “los bastardos” tiene como misión asesinar brutalmente a los soldados alemanes y arrancarles el cuero cabelludo.

Por otro lado, en un rincón de París la joven judía Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) planea su venganza contra el alto mando del partido nazi, años después de que su familia fuera asesinada. Convertida ahora en dueña de un cine, tiene la oportunidad de acercase a su objetivo cuando un influyente soldado alemán se fija en ella (sin saber que es judía, por supuesto).

Ambas historias confluyen en un final explosivo (literalmente), que sin duda puede indignar a los puristas, pero que no vale la pena tomar demasiado en serio, porque finalmente se trata de una versión libre y disparatada de la Segunda Guerra Mundial, con todas las licencias que un director provocador como Tarantino suele tomarse.

El personaje más icónico de la cinta es el Coronel Hans Landa (Christoph Waltz). Conocido como el “cazador de judíos”, Landa es tan astuto como amenazante, tan implacable como histriónico. Waltz se luce en cada escena, cambiando sin problemas del inglés al francés y del alemán al italiano, así como muta de los diálogos sarcásticos a los actos más inescrupulosos para aplastar a sus enemigos. Esta brillante actuación le mereció el premio a mejor actor en el Festival de Cannes y ya parte como uno de los favoritos para conseguir una nominación al Oscar como mejor actor de reparto. Después de todo, si observamos a los dos últimos ganadores de esa categoría (Javier Bardem y Heath Ledger), lo favorece la tendencia de premiar a villanos desquiciados.

Por su parte, Shosanna es una heroína fascinante, que esconde un carácter aguerrido bajo su apariencia frágil y que usa su pasión por el cine como parte de su plan de venganza. Comandando al grupo de los “bastardos” está Aldo Raine (Brad Pitt), quien cumple con eficiencia su papel de antihéroe sanguinario, que no se resiste a dejar una huella en las víctimas que sobreviven a sus masacres. Menos convincente resulta la actuación de Eli Roth (director de la malísima Hostal), como el “Oso Judío”, un personaje que pudo ser más impactante en manos de un mejor actor.

Tarantino no se ha propuesto filmar la cinta definitiva sobre la Segunda Guerra Mundial, pero sí ha regresado en forma a lo que sabe hacer mejor: escribir diálogos mordaces, convertir situaciones aparentemente tranquilas y distendidas en festines de violencia descarnada y mezclar diferentes géneros en un cocktail cargado que se toma mejor de un solo tranco. Un cocktail con tantos ingredientes que necesita de una repetición para apreciar mejor los detalles y sentir la pasión con la que fue hecho.

Título original: Inglourious Basterds
País y Año: Estados Unidos 2009
Director: Quentin Tarantino
Actores: Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, entre otros.
Calificación: ****

Avance de temporada 2009/2010

2009-10-11T23:41:00.007-05:00

Queda menos de tres meses para que acabe el año y aún quedan muchísimas películas por ver. Presento algunos adelantos de cinco cintas que no puedo esperar para ver, aunque la mayoría seguramente recién llegará a nuestra cartelera el próximo año.

Nine
Director: Rob Marshall (Trabajos anteriores: Chicago, Memorias de una geisha)
Actores: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Sophia Loren, Kate Hudson y Fergie.
Estreno en EEUU: 25 de diciembre
Sinopsis: Guido Contini (Day-Lewis) es un director de cine que, en medio de una crisis creativa, evalúa su relación con las principales mujeres de su vida: su esposa (Cotillard), su amante (Cruz), su musa (Kidman), su madre (Loren), su vestuarista (Dench), una prostituta que conoció en su juventud (Fergie) y una periodista americana (Hudson).
Por qué promete: El argumento está basado en la película 8 ½ de Federico Fellini, que luego tuvo una adaptación para el teatro musical. El director Rob Marshall ya demostró un gran dominio del género musical con Chicago (aunque decepcionó con Memorias de una geisha) y ahora tiene entre manos un reparto que reúne a leyendas vivientes como Day-Lewis, Loren y Dench con actrices que están en la cima de su carrera (Kidman, Cotillard y Cruz). Excluyendo a Fergie y a Kate Hudson, todos los demás actores han ganado el Oscar y ahora seguro más de uno volverá a tentar la estatuilla dorada. El tráiler augura un espectáculo grandioso y los primeros comentarios de los espectadores que han ido a los screening tests han sido muy entusiastas.

Los Abrazos Rotos
Director: Pedro Almodóvar (Trabajos anteriores: Todo sobre mi madre, Hable con ella, Volver)
Actores: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Carmen Machi, Lola Dueñas, Rossy de Palma, entre otros.
Estreno en España: 18 de marzo
Sinopsis: Harry Caine (Homar) es un director de cine que perdió la vista y al amor de su vida en un accidente. Con ella vivió un trágico triángulo amoroso y hoy, 14 años después, ese recuerdo lo atormenta en la oscuridad.
Por qué promete: Almodóvar está entre los mejores autores del cine contemporáneo y aún cuando está menos inspirado, ofrece grandes historias. Esta cinta que parece homenajear al film noir o cine negro (que combina mujeres fatales, intrigas y suspenso) se estrenó en España con críticas divididas, aunque en el Festival de Cannes la respuesta fue más positiva. Al igual que hizo con La mala educación, aquí representa dentro del argumento la filmación de una película llamada Chicas y maletas, la cual tiene un evidente parecido al “look” ochentero de Mujeres al borde de un ataque de nervios. El trailer es seductor y misterioso.

Invictus
Director: Clint Eastwood (Trabajos anteriores: Río Místico, Million Dollar Baby, Gran Torino)
Actores: Morgan Freeman, Matt Damon, Scott Eastwood, Robert Hobbs, entre otros.
Estreno en EEUU: 11 de diciembre
Sinopsis: La cinta muestra los esfuerzos de Nelson Mandela (Freeman) para que Sudáfrica fuera elegida como país anfitrión de la Copa Mundial de Rugby en 1995 durante su primer mandato como presidente y cómo utilizó este evento para unir a un país fragmentado tras la disolución del apartheid.
Por qué promete: Las películas de Eastwood vienen con sello de calidad, lo he dicho en más de una ocasión. En esta oportunidad, cuenta con dos atractivos irresistibles: un personaje admirable como Nelson Mandela y un actorazo como Morgan Freeman en el papel que podría volver a depararle nuevos reconocimientos.

Precious
Director: Lee Daniels (Trabajo anterior: Shadowboxer)
Actores: Gabourey 'Gabby' Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz, entre otros.
Estreno en EEUU: 6 de noviembre
Sinopsis: “Precious” es una adolescente afroamericana, obesa, casi analfabeta y embarazada que ha sufrido numerosos abusos en su casa. Con la autoestima por los suelos, ella entra a una escuela alternativa en la que aprende a mirar la vida de forma distinta.
Por qué promete: Esta película independiente ha sido la gran sensación de los festivales de cine este año. En Sundance se llevó el gran premio del jurado y del público, así como un premio para Mo'Nique por su actuación como la monstruosa y abusiva madre de Precious. En Cannes y San Sebastián recibió el aplauso unánime de los críticos. En Toronto se llevó el premio a mejor película (entregado por el público), un reconocimiento que en años anteriores ha ido a parar a títulos como Slumdog Millionaire, Eastern Promises, Amélie y American Beauty. Muchos medios ya la vocean como una fija para recibir varias nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película. Las críticas han sido buenas incluso para la cantante pop Mariah Carey, quien antes ganó un Razzie a la peor actriz por Glitter y ahora tiene la oportunidad de reivindicarse.

The Lovely Bones
Director: Peter Jackson (Trabajos anteriores: la trilogía de El señor de los anillos, King Kong)
Actores: Rachel Weisz, Mark Wahlberg, Susan Sarandon, Stanley Tucci, Saoirse Ronan, entre otros.
Estreno en EEUU: 11 de diciembre
Sinopsis: Una adolescente de 14 años (Ronan) ha sido asesinada por su vecino y cuenta desde el cielo cómo ocurrieron los hechos, mientras trata de que encuentren al asesino y observa cómo su familia afronta esa dolorosa pérdida.
Por qué promete: La cinta ofrece el original punto de vista de la misma muerta y nos muestra como sería la vida más allá de la muerte. El reparto es sumamente interesante, en especial gracias a la adolescente Saoirse Ronan (quien fue nominada al Oscar por Expiación) y a Stanley Tucci, quien en el papel del asesino podría ofrecernos una de sus mejores actuaciones. Además, el tráiler luce un estilo visual impresionante, algo que ya no sorprende en el imaginativo Peter Jackson.

Las candidatas extranjeras en traje de gala

2009-10-06T00:21:00.006-05:00

Como todos los años, la carrera por el Oscar a la mejor película en idioma extranjero comienza en esta época, cuando cada país inscribe una candidata, la que ellos consideran la mejor representante de su cinematografía o tal vez la que sospechan que será mejor recibida por la exigente Academia de Hollywood.

Como tenía que ser por lógica y justicia, Perú ha inscrito a La Teta Asustada de Claudia Llosa y por primera vez en nuestra historia, los peruanos tenemos la opción de soñar con una nominación. Su mejor carta de presentación es, sin duda, el Oso de Oro que ganó en el Festival de Berlín, además de otros galardones en festivales de cine latinoamericanos y unas excelentes críticas en medios especializados de Francia y España.

No sólo es difícil predecir si su estilo poético podrá conectar con los gustos de la Academia, sino que tiene competidoras de peso que seguramente montarán campañas publicitarias gigantescas, especialmente las cintas europeas.

Entre las candidatas de Europa, la más fuerte es la apuesta alemana, llamada La cinta blanca de Michael Haneke (director de La pianista y Escondido), la misma que ganó la Palma de Oro en Cannes y obtuvo la adoración unánime de la crítica. Ambientada en la víspera de la Primera Guerra Mundial, la cinta narra una serie de incidentes extraños en una zona rural y expone cómo el sistema educativo pudo influir en la formación del régimen nazi.

Francia ha inscrito el thriller carcelario Un profeta de Jacques Audiard, la cual se llevó el Gran Premio del Jurado en Cannes. El cine francés es uno de los favoritos en la categoría de mejor película extranjera, ha sido nominado 35 veces y se han llevado la estatuilla en 9 oportunidades.

España prefirió no votar por la última cinta de Pedro Almodóvar, Los Abrazos Rotos, sino por El Baile de la Victoria de Fernando Trueba, quien ya ganó el Oscar en esta categoría con Belle epoque (1994). La cinta está ambientada en la época en que Chile se liberó de la dictadura militar y narra la historia de dos ladrones recién excarcelados. Actúan Ricardo Darín y Ariadna Gil.

Ricardo Darín no sólo protagoniza la candidata española, sino también la de su país natal, Argentina. La cinta seleccionada ha sido El secreto de sus ojos de Juan José Campanella, cuya comedia El Hijo de la Novia fue candidata al Oscar en 2001 y también fue protagonizada por Darín. Este thriller cuenta la historia de un hombre que se acaba de jubilar y que escribe una novela sobre un caso que presenció hace 30 años cuando trabajó en un juzgado: el asesinato de una hermosa jovencita. Como dato curioso, también figura en el reparto el reconocido cómico argentino Guillermo Francella.

México ha inscrito este año El Traspatio de Carlos Carrera, el mismo director de la nominada al Oscar El Crimen del Padre Amaro (2002). La cinta es protagonizada por Ana de la Reguera y trata sobre el asesinato de mujeres en Ciudad Juárez.

Uruguay perdió la oportunidad de ser representado por la maravillosa película Gigante de Adrián Biniez (premiada en los festivales de Berlín y San Sebastián). Su candidata es Mal día para pescar de Álvaro Brechner y que pude ver en el Festival de Lima.

De las más de 60 películas que han sido inscritas hasta el momento, quedarán sólo 9 semifinalistas. Las cinco candidatas se darán a conocer el 2 de febrero, junto con la lista de nominadas en las demás categorías y el director de la cinta ganadora subirá a recoger su premio en la ceremonia del 7 de marzo.

Engaños colaterales

2009-09-30T19:51:00.005-05:00

Fabrizio Aguilar tuvo un interesante debut como director de cine con Paloma de papel, en la que un niño pobre de la sierra peruana era reclutado por el grupo terrorista Sendero Luminoso. En su segunda película, Tarata, vuelve a sumergirse en la época en la que el terrorismo desangró nuestro país, pero ésta vez opta por la perspectiva de una familia limeña.

En 1992 cuando el terrorismo ya había sembrado el caos en el interior del país, Lima recién sintió el impacto cuando comenzaron los atentados en la propia capital. El más emblemático, quizás, fue el de la calle Tarata en Miraflores. La película de Aguilar no pretende ser un documento histórico que exponga cómo se planeó el atentado ni profundiza en el retrato de las víctimas que fallecieron ahí.

Por el contrario, esta cinta utiliza como pretexto el atentado para mostrarnos la mirada de una familia de clase media respecto a la convulsionada época de los noventa en el Perú. Daniel (Miguel Iza) es un contador que trabaja en la universidad de San Marcos y que está obsesionado con descifrar los mensajes que dejan los terroristas en las paredes. Su esposa Claudia (Gisela Valcárcel) es un ama de casa frustrada que siempre soñó con poner su poner su peluquería y que se siente por encima de los demás. Completan el cuadro familiar Elías (Ricardo Ota), un niño que sabe explicar muy bien el funcionamiento de los coches-bomba y que tiene una lista de cosas por hacer en caso de un atentado y Sofi (Silvana Cañote), una adolescente inconforme y rebelde que pasa horas en el techo planeando cómo fugarse.

La cinta nos conecta rápidamente con esa época y recrea adecuadamente episodios como los cortes de electricidad y los juegos que los niños improvisaban durante los apagones, las aspas de cinta adhesiva que se colocaban en las ventanas y los toques de queda que servían de excusa para encerrarse en casa a armar grandes fiestas toda la noche.

Sin embargo, el argumento tiene algunos puntos flojos que desarman el interés inicial que genera la cinta. Por ejemplo, el personaje de Daniel representa un caso de ingenuidad crónica (¿o de inconsistencia argumental?). A él le parece inofensivo llevar a todas partes un cuaderno en el que apunta todos los símbolos de la ideología de Sendero Luminoso, supuestamente con el afán de interpretar estos mensajes. No hay que ser adivino para imaginar las consecuencias de su imprudencia.

No dudo que Fabrizio Aguilar ha tenido las mejores intenciones al filmar Tarata. Aplaudo su decisión de denunciar las detenciones y desapariciones de gente inocente durante esa época de paranoia, pero la exposición de estos hechos se da de manera tan superficial que no llega a convencer ni generar la suficiente tensión. De haber profundizado en esos temas, hubiera tenido un combustible dramático ideal para sacar a sus personajes del letargo.

Es evidente que Gisela Valcárcel no pasó el casting por sus dotes histriónicas, sino por la estrategia comercial de usar su popularidad como conductora de televisión. Si bien es cierto que no hace un completo papelón, sí se evidencia su falta de experiencia actoral cuando grita más de la cuenta. Un actor como Miguel Iza, que ha brillado en otros papeles, ahora es un títere que luce confundido todo el tiempo. Mucho mejor está la experimentada Liliana Trujillo, quien en el papel de la empleada Rosa logra transmitirnos su angustia y desesperación.

Tarata pudo ser una gran película. Paradójicamente, el retrato de esta familia indiferente a las tragedias del terrorismo termina dejándonos indiferentes hacia la apatía e ingenuidad de los personajes.

Título original: Tarata
País y Año: Perú, 2009
Director: Fabrizio Aguilar
Actores: Gisela Valcárcel, Miguel Iza, Liliana Trujillo, Lorena Caravedo, Ricardo Ota, Silvana Cañote.
Calificación: ** 1/2

La fiesta de la pobre oferta II

2009-08-29T01:02:00.008-05:00

Chile

La nana de Sebastián Silva fue, como decía en mi post anterior, la gran vencedora del festival tanto para el jurado oficial como para la crítica internacional. Raquel (Catalina Saavedra) ha trabajado como empleada doméstica para una familia de clase alta durante 23 años y aunque está cansada y sufre de mareos, no acepta que contraten a otra empleada porque siente amenazados sus dominios. Por ello, ahuyenta con maltratos psicológicos a las potenciales candidatas.

Catalina Saavedra logra una gran actuación, al dar vida a una mujer amargada, egoísta y hasta cruel que no se da cuenta de su profunda necesidad de crear lazos afectivos y aferrarse a ellos para liberarse de su armadura. Lejos de optar por la solemnidad, el director impone un tono relajado y divertido para filmar la rutina de la familia y los celos infantiles de Raquel frente a las otras empleadas. El humor negro se da la mano con la ternura para redondear una cinta bastante simpática, pero sin destacar demasiado más allá de su protagonista. Calificación: *** ½

Huacho de Alejandro Fernández Almendras también muestra la vida cotidiana de una familia chilena, pero de una zona pobre. Primero los conocemos cenando juntos hasta que les cortan la electricidad por falta de pago y luego acompañamos a cada miembro de la familia por separado en su rutina diaria.

El director trata de mostrar cómo cada uno de ellos se relaciona con el avasallador mundo moderno y cómo participan de la sociedad de consumo. El niño envidia el videojuego de moda que tiene su compañero de colegio, la madre tiene que devolver un vestido que había comprado recién porque no le alcanza el dinero, la abuela vende quesos artesanales en la carretera pero a los clientes les parecen caros. No todos los personajes tienen algo interesante que mostrar (en especial el abuelo), pero como experimento narrativo es una propuesta diferente. Calificación: ***

Uruguay

Gigante de Adrián Biniez fue una grata sorpresa que se convirtió sin problemas en la mejor película que vi durante el festival. Jara (Horacio Camandule) trabaja como guardia de seguridad en un supermercado, viendo la noche pasar delante de las cámaras de seguridad. Desde que ve a la torpe y distraída Julia (Leonor Svarcas) limpiando el establecimiento, nace un amor platónico que lo llevará a perseguirla a través de las cámaras e incluso en la calle, pero siempre escondiéndose de ella porque su timidez le impide hablarle siquiera.

Jara escucha a Metallica, es alto y gordo, pero a pesar de su apariencia de guardaespaldas duro es un tipo entrañable e inocente. La interpretación de Horacio Camandule es impecable y transmite las dosis justas de ternura, misterio y explosión cuando el guión lo requiere. A medio camino entre el thriller y la comedia romántica, Gigante es un triunfo de la creatividad y la sencillez bien trabajada. Calificación: ****

Mal día para pescar de Álvaro Brechner es otra digna representante uruguaya, el país que destacó más este año. El Príncipe Orsini (Gary Piquer) es el cínico y astuto mánager de Jacob van Oppen (Jouko Ahola), un indomable ex campeón mundial de lucha libre algo maltratado por los años. Juntos se pasean por pueblitos perdidos de Sudamérica organizando peleas con retadores locales.

El guión de la cinta (premiado por el jurado) está ensamblado por personajes bastante peculiares y absortos en una atmósfera de tragedia inevitable, entre los que destaca, además del dúo protagónico, Adriana, una inquietante y dominante mujer fatal que obliga a su novio a retar a Jacob en el ring para ganar el premio de la apuesta. El agridulce retrato de estos decadentes melancólicos cuenta además con un acabado visual de muy buen nivel. Calificación: *** ½

España (país invitado, fuera de competencia)

Ander es el nombre de un vasco cuarentón (interpretado por Joxean Bengoetxea) que trabaja en una fábrica y además se dedica a las labores agrarias del caserío donde vive con su madre y su hermana, hasta que sufre un accidente y se rompe la pierna. La familia contrata a José (Christian Esquivel), un inmigrante peruano para que los ayude con las tareas del campo, sin imaginar que le hará descubrir a Ander los sentimientos más ocultos y reprimidos.

La cinta dirigida por Roberto Castón venía con el prestigio de haber ganado un premio en el último festival de Berlín, pero lamentablemente nunca llega a alzar demasiado vuelo. La relación entre Ander y José es sosa y poco convincente, tanto que lo más interesante de la cinta está en los personajes secundarios. Destacan la desconfiada madre de Ander que se niega a aceptar la presencia de José en su casa (se pregunta “¿Y qué comen los peruanos”?) y la Reme, la prostituta de la comarca que fue abandonada por su esposo y que vive esperando su regreso. Calificación: ***

Camino es una niña de 11 años (Nerea Camacho) que sueña con participar en una obra de teatro junto con el chico que le gusta, pero dos grandes obstáculos se lo impiden: una madre sobreprotectora y el cáncer que empieza a devorarla sin misericordia.

El director Javier Fesser generó un enorme revuelo en España con esta película al incluir varios personajes ligados a la orden religiosa del Opus Dei y mostrar su costado más mezquino, vehemente y ultraconservador. De manera similar a lo que ocurre en El Laberinto del Fauno, Camino también muestra cómo la imaginación de una niña puede liberarla del tormento que la rodea para transportarla a un mundo paralelo. En esta narración simultánea salpicada de humor, dolor e impotencia, radica el gran valor de esta cinta, ganadora de 6 Goyas incluyendo mejor película. Calificación: ****

La fiesta de la pobre oferta I

2009-08-23T22:35:00.006-05:00

El Festival de Lima, XIII Encuentro Latinoamericano de Cine, tuvo entre sus principales aciertos rendirle homenaje a una actriz de la talla colosal de Isabelle Huppert (una leyenda viva del cine francés) y a un actor nacional tan entrañable como Carlos Gassols. También destacó la muestra española, de la cual pude ver un par de representantes.

Este año vi 9 películas de las 20 que formaban parte de la sección oficial de ficción y honestamente, ninguna me pareció superior a La Teta Asustada. Esta debió ser la ganadora del premio a la mejor película, pero ni el jurado oficial ni la crítica internacional coinciden conmigo pues decidieron premiar a la chilena La Nana. En términos generales, el nivel de la competencia ha estado por debajo de años anteriores; ha habido varias cintas buenas, pero sin llegar a destacar como obras maestras.

Argentina

Los Paranoicos de Gabriel Medina es una comedia que gira alrededor de Luciano Gauna (Daniel Hendler), un perdedor lleno de manías que anima fiestas infantiles y escribe un guión que no es capaz de terminar. Cuando su amigo Manuel llega de España para repetir el éxito de su programa “Los Paranoicos” en Argentina, Luciano entra en conflicto con todas las cosas que se muere por hacer pero no se atreve.

El film tiene momentos hilarantes y escenas de un gran poder expresivo (la pelea de box en Play Station, el baile frenético que acerca dos cuerpos que se necesitan), pero hacia el final abandona su espacio de frescura y opta por un desenlace ligeramente forzado o resuelto muy de prisa. En todo caso, el premio que le concedió el jurado a Hendler como mejor actor es un reconocimiento muy acertado, pues el uruguayo está magnífico en cada registro de pánico, euforia, apatía, frustración y deseo. Calificación: *** ½

El niño pez de Lucía Puenzo cuenta la tormentosa relación amorosa de la adolescente Lala (Inés Efron) y Aylín (Mariela Vitale o simplemente Emme), su empleada doméstica paraguaya. El complicado rompecabezas incluye la leyenda que da título al film, la espinosa relación de ambas con sus respectivos padres y un crimen que desencadena la confesión de secretos oscuros.

La directora Lucía Puenzo me sorprendió con su sofisticado e inquietante film anterior, XXY. Aquí opta por una narración más desordenada, que salta caprichosamente en el tiempo y que abarca muchos temas para agregar más dramatismo a una historia bastante intensa y por momentos absorbente. La fotografía es bellísima, en especial en las escenas del lago donde conocemos al esquivo niño pez, cuyo origen pudo ser mejor explicado y su presencia pudo aportar más a la trama. Calificación: *** ½

Brasil

Última Parada 174 de Bruno Barreto es un nuevo exponente (sí, otro más) de la violencia y miseria en las favelas de Brasil. Sandro (Michel Gomes) es un chico de la calle que quedó huérfano y que quiere ser cantante de rap, pero en su desesperación termina secuestrando a los pasajeros de un bus.

La película cuenta con grandes dosis de melodrama de telenovela, con una sufrida madre evangélica que busca a su hijo perdido y cree encontrarlo en otro muchacho del mismo nombre. Aunque la historia cuenta con anécdotas interesantes y tiene picos de gran suspenso, no llega a cuajar del todo por ciertos lugares comunes y por su total desperdicio de una escena tan prometedora como la del secuestro. ¿Seguirá Brasil exportando nuevos intentos de repetir la fórmula de Ciudad de Dios todos los años? Calificación: ***

La fiesta de la niña muerta de Matheus Nachtergaele es una película difícil de ver, desmenuzar y digerir. En un remoto pueblito de la Amazonía brasileña, Santinho (Daniel de Oliveira) es casi un santo venerado por toda la comunidad, ya que supuestamente es el único que puede comunicarse con el espíritu de una niña que falleció de manera trágica y cada año se organiza una fiesta en su nombre.

La narración es caótica y muchas escenas parecen meros caprichos intrascendentes. Como quiere ser provocadora recurre a mostrar actos de incesto y de fanatismo religioso llevado al ridículo. El absurdo llega a su máxima expresión cuando un cura católico baila poseído y besa las escalinatas de la casa de Santinho bañadas con agua sucia. Al margen de la controversia, Santinho es un personaje deformado por excesos: todo el tiempo grita, convulsiona, delira y se exaspera. Una premisa tan interesante como la mirada a una secta religiosa es desaprovechada por culpa de los afanes pretenciosos del director. Calificación: **

En la próxima entrada: Chile, España y Uruguay.

Dejarse llevar

2009-08-16T21:43:00.009-05:00

Poppy es feliz. Así podría resumirse el argumento de La felicidad trae suerte (Happy-Go-Lucky), la última comedia del director británico Mike Leigh que ha venido a llenar de vitalidad y color nuestra cartelera gris.

Poppy (Sally Hawkins) derrocha optimismo y contagia buena onda. Pero no todos a su alrededor comparten su despreocupación y ganas de abrazar la vida con entusiasmo. Ella es un bicho raro que no se ha podido contaminar por la sociedad individualista, egoísta e indiferente a las necesidades del prójimo. Felizmente, tampoco tiene vocación de mártir, porque no sufre si alguien es hostil con ella. Por el contrario, trata de ganarse su simpatía y de invitarlo a que se relaje un poco.

Las mejores escenas de la película muestran los contrastes entre Poppy y Scott (Eddie Marsan), su profesor de manejo. Amargado, misógino y racista, Scott reniega de todo y pierde el control al chocarse con alguien que no comparte su visión cuadriculada del mundo. El choque entre el optimismo y el pesimismo es filmado con mucha ironía.

La frescura de Poppy también queda al descubierto cuando va al doctor por una molestia en la espalda y termina riéndose del dolor, cuando salta en el trampolín con una gran sonrisa, cuando deja que aflore su expresividad en las clases de flamenco o cuando deja caer su cuerpo al lado del chico que le atrae. En todas estas situaciones, Poppy se deja llevar sin miedo.

Sally Hawkins se ha consagrado con una actuación rica en detalles y autenticidad. Ganó una docena de premios por este papel, incluyendo el Oso de Oro en Berlín, el Globo de Oro a mejor actriz de comedia y el reconocimiento a mejor actriz del año de los críticos de Los Angeles y Nueva York. Fue una total injusticia que no la nominaran al Oscar, pero es comprensible que prefirieran a actrices mucho más conocidas y de películas con un tono más solemne.

Al margen de los premios, Hawkins le ha dado forma a un personaje inmensamente carismático y entrañable, comparable a Amélie por su búsqueda desinteresada de alegrarle la vida a los demás y por su felicidad contagiosa.

Título original: Happy-Go-Lucky
País y Año: Reino Unido 2008
Director: Mike Leigh
Actores: Sally Hawkins, Alexis Zegerman, Eddie Marsan, Karina Fernández, Samuel Roukin, entre otros.
Calificación: ****

La casa de los globos voladores

2009-07-08T21:45:00.003-05:00

Después de Ratatouille y Wall E, el estudio Pixar se puso la valla demasiado alta al alcanzar admirables picos de genialidad. Su última propuesta, Up, es otro triunfo (no mejor que las anteriores, pero con una calidad igual de excelente) que explora nuevos terrenos y narra una historia inmensamente conmovedora.

Al inicio de la cinta, conocemos a Carl, un tímido niño aventurero que encuentra en su camino a Ellie, una niña que lo invita a formar parte de su club de exploradores y con la que luego comparte toda su vida. El montaje en el que los vemos madurar y envejecer es sencillamente mágico: sin que pronuncien una palabra presenciamos los eventos decisivos de su vida, incluso los más tristes y emotivos.

Décadas después, cuando Carl está convertido en un anciano solitario y gruñón, decide emprender la aventura más grande de su vida atando miles de globos de helio a la chimenea de su casa para poder irse volando con ella hasta las exóticas Cataratas del Paraíso en Sudamérica. No sabe que Russell, un pequeño boy scout, será su involuntario compañero de viaje.

Uno de los grandes aciertos de las películas de Pixar es combinar la aventura con la comedia y con guiños de seriedad que parecen dirigidos a un público más adulto: aquí exponen el sentimiento de soledad de un niño que quiere pasar más tiempo con su padre, contrastado con la nostalgia de un anciano que quiere cumplir el mayor sueño de la mujer que amó desde niño.

Por eso la conmovedora escena en la que Carl descubre un mensaje de su esposa casi al final de la cinta tiene un poder de conmoción que, por lo menos a mí, logró desarmarme como ninguna otra cinta de animación había logrado.

Otro aspecto interesante es el personaje de Charles Muntz, que a primera impresión parecería cumplir el rol de villano, pero que yo considero más bien un antihéroe, un hombre que asombró al mundo con sus descubrimientos, pero que tuvo que autoexiliarse por culpa de la incredulidad e indiferencia ajena. Los años de soledad han deformado sus intenciones científicas y avinagrado su carácter.

Con la nueva regla de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, quienes han anunciado que a partir del próximo año habrá 10 nominadas al Oscar a mejor película en vez de 5, han aumentado exponencialmente las opciones de Pixar de tener por primera vez una cinta que postule al premio mayor. Sería un reconocimiento justo para un film que ya ha alcanzado otro logro importante: ha sido la primera cinta de animación en abrir el Festival de Cannes. Ojalá que Up siga elevándose y que los globos de helio que sujetan las mentes creativas de Pixar nos sigan dirigiendo hacia más aventuras.

Título original: Up
País y Año: Estados Unidos 2009
Directores: Pete Docter y Bob Peterson
Con las voces de: Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson, Delroy Lindo, entre otros.
Calificación: ****

Luciérnagas a media luz

2009-06-22T01:00:00.003-05:00

Julia Roberts empezó a llamar la atención con Magnolias de Acero (1989) y terminó de consolidarse como una estrella gracias a Mujer Bonita (1990). Ambos papeles le valieron nominaciones al Oscar, pero la estatuilla recién llegó a sus manos gracias a Erin Brockovich (2000). A comienzos de la década hizo algunas películas interesantes como Ocean's Eleven y Closer pero luego desapareció un poco de escena para dedicarse a su faceta de madre. Ahora la tenemos de vuelta en la cartelera por partida doble con Luciérnagas en el jardín y Duplicidad.

Luciérnagas en el jardín (Fireflies in the garden) muestra a una familia disfuncional de esas que tanto ama el cine independiente. La historia es contada desde el punto de vista de Michael (Ryan Reynolds), quien regresa a casa después de años para celebrar la graduación de su madre Lisa (Julia Roberts). Paralelamente, vemos escenas de su adolescencia, marcada por los maltratos de su padre Charles (Willem Dafoe) y por la ambigua complicidad con su tía Jane, casi de su misma edad.

El regreso de Michael es terapéutico. No sólo tiene que enfrentarse con los recuerdos de su padre abusivo, sino con su esposa Kelly (Carrie Anne Moss), de quien se separó por sus problemas de alcoholismo. Además, llega con un libro autobiográfico en el que ha volcado todos sus demonios internos de la adolescencia, lo que amenaza con destapar oscuros secretos familiares.

La película tiene un gran potencial que lamentablemente nunca llega a explotar del todo. Tiene los conflictos servidos sobre la mesa como en un gran buffet, pero los más sencillos se acaban rápido y los más interesantes apenas se prueban y luego se abandonan. Por ejemplo, el vínculo tan fuerte entre Michael y su tía hubiera podido explicarse mejor, en vez de dejar supuestos y cabos sueltos.

De otro lado, el principal conflicto de la película, la relación entre Michael y su padre, se resuelve de manera tan abrupta, que no resulta verosímil ni coherente. Si no fuera porque cuenta con un gran reparto, la película podría pasar desapercibida como un telefilme o un estreno que llega directo al formato DVD.

Pero es justamente el reparto lo que más llama la atención. Ryan Reynolds no está mal, pero le falta madurar más como actor para cargar en sus hombros un film dramático. En el papel de la tía Jane, tanto Hayden Panettiere (de la serie Heroes) y Emily Watson (Punch-Drunk Love) la interpretan de modo tan distinto en su adolescencia y adultez, que cuesta creer que se trata del mismo personaje. Willem Dafoe intenta alejarse del papel tan caricaturesco que le ha tocado interpretar y Julia Roberts tiene un desempeño eficiente, pero si quiere volver a llamar la atención, necesita buscar mejores guiones.

Título original: Fireflies in the Garden
País y Año: Estados Unidos, 2008
Director: Dennis Lee
Actores: Ryan Reynolds, Willem Dafoe, Julia Roberts, Emily Watson, Hayden Panettiere, Carrie Anne Moss
Calificación: ** 1/2

Los hijos pródigos

2009-05-27T00:13:00.009-05:00

Todos vuelven: Tom Hanks a investigar símbolos, Quentin Tarantino al celuloide sangriento y Mickey Rourke a los cuadriláteros.

CSI: Vatican City

Dos años después del gran éxito de taquilla de El Código Da Vinci, el director Ron Howard vuelve a adaptar para el cine otra novela de Dan Brown: Angeles y Demonios. El protagonista sigue siendo el profesor experto en símbología Robert Langdon (Tom Hanks), quien esta vez tiene que resolver el misterio de una secta conocida como los Illuminati, quienes han secuestrado a cuatro cardenales mientras se produce un cónclave en el Vaticano para elegir a un nuevo Papa.

Esta película resulta no sólo menos polémica que su antecesora (porque no remece los fundamentos de la Iglesia), sino mucho más entretenida, ligera e inofensiva. Si bien es cierto que recurre a viejos trucos del género como la bomba que siempre aparece a último minuto o el inesperado villano que parecía tan bueno, y que apela a situaciones absurdas y forzadas para conectar las pistas; hay que reconocer que el recorrido turístico por los archivos secretos del Vaticano y sus monumentales iglesias es un gran valor agregado. Además, aunque sea de manera superficial, revive el debate histórico entre ciencia y religión, enfrentando creencias radicales con aquellas mentalidades más abiertas al diálogo.

Título original: Angels & Demons
País y Año: Estados Unidos, 2009
Director: Ron Howard
Actores: Tom Hanks, Ewan McGregor, Ayelet Zurer, Stellan Skarsgård, Armin Mueller-Stahl, entre otros.
Calificación: ***

Un auto de segunda sin frenos

Mientras Quentin Tarantino acaba de presentar en el reciente Festival de Cannes su último film, Inglourious Basterds, aquí nos llega con dos años de retraso su proyecto anterior, A prueba de muerte (Death Proof). En esta cinta, conocemos a dos grupos de amigas en dos episodios distintos, unas se deslizan despreocupadas en los pisos resbalosos de la diversión nocturna, mientras que las otras destilan adrenalina al hacer arriesgadas maniobras en la carretera. Precisamente desde otro vehículo, un psicópata (Kurt Russell) va en busca de ambos grupos para satisfacer sus irreprimibles deseos de atemorizar mujeres.

Tarantino muestra sus habituales marcas registradas: tomas fetichistas de pies femeninos, escenas de una violencia salvaje y explícita, una banda sonora precisa y sensual, etc. La cinta comienza con un ritmo lento, pero una vez que pisa el acelerador, se dirige a toda prisa hacia un final abrupto que no conoce de frenos. Sin llegar a los niveles de genialidad de Pulp Fiction y Kill Bill, Death Proof es como un auto de segunda, pero que está muy bien conservado y equipado para todo terreno.

Título original: Death Proof
País y año: Estados Unidos, 2007
Director: Quentin Tarantino
Actores: Kurt Russell, Rose McGowan, Rosario Dawson, Zoe Bell, Vanessa Ferlito, Sydney Tamiia Poitier, entre otros.
Calificación: *** 1/2

Un último golpe antes de retirarse

La carrera de Mickey Rourke venía en caída libre desde los años 90, justo en la época en que empezó a boxear y su rostro se empezó a volver cada vez más irreconocible, primero por las heridas y luego por las cirugías. En 2005 logró cierta notoriedad con el personaje de Marv en Sin City, pero ha sido Randy “The Ram” Robinson en El Luchador (The Wrestler) el papel que lo ha hecho resucitar como actor, ganando un Globo de Oro y una nominación al Oscar. Rourke interpreta a un luchador que está en el ocaso de su carrera y que por problemas con el corazón, debe retirarse y resignarse a trabajar en un supermercado, mientras intenta recuperar el cariño de su hija (Evan Rachel Wood) y ganar el de una bailarina nudista (Marisa Tomei).

El director Darren Aronofsky ha evitado el estilo visual delirante e hiperactivo de sus cintas anteriores Réquiem por un Sueño y La Fuente de la Vida para narrar una historia más íntima y conmovedora. Aquí le permite a Mickey Rourke volverse inmortal con un personaje que no duda en cortarse la frente con una cuchilla para añadir más dramatismo a la pelea, pero que fuera del cuadrilátero es un hombre que se siente muy solo, que se aferra a sus épocas de gloria y que busca llenar sus inmensos vacíos de afecto. Independientemente de si nos gusta la lucha libre, Rourke logra que sintamos la necesidad de verlo triunfar una vez más sobre el ring y sobre el écran.

Título original: The Wrestler
País y Año: Estados Unidos 2008
Director: Darren Aronofsky
Actores: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Mark Margolis, Todd Barry, entre otros.
Calificación: ****

El purgatorio en Brujas

2009-04-30T21:33:00.004-05:00

Colin Farrell nunca me pareció un actor muy destacado. Su participación en cintas como Minority Report, Phone Boot y S.W.A.T le dio cierta fama que luego vino a decaer cuando protagonizó Alexander, un fracaso de grandes proporciones que le deparó una nominación al Razzie como peor actor. Cuando ganó este año el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical por Unas Vacaciones Diferentes (In Bruges), lo tomé con cierto escepticismo. Pero ahora, habiendo visto la película, debo reconocer que su actuación es de lejos la mejor de su carrera.

En esta cinta, Farrell interpreta a Ray, un asesino a sueldo bastante cínico, pero al mismo tiempo con muchos conflictos internos. Como uno de sus trabajos salió mal, su jefe (Ralph Fiennes) lo envía junto con su colega Ken (Brendan Gleeson) a esconderse a la ciudad de Brujas, en Bélgica, mientras esperan instrucciones.

Al principio Ray detesta la ciudad, mientras Ken está fascinado con su historia, arquitectura y obras de arte. Lo que más le llama la atención a Ken es la filmación de una película muy bizarra en la que participa un enano drogadicto y racista, y a través del cual conoce a Chloe (Clémence Poésy), una vendedora de drogas con la que surge una relación ¿amorosa?

Además de Farrell, su coprotagonista Brendan Gleeson también construye un personaje memorable como el asesino bonachón y culto. En un pequeño papel, Ralph Fiennes deja la solemnidad habitual de sus personajes para divertirse en la piel de un criminal grosero y amargado, pero fiel a sus principios.

Unas Vacaciones Diferentes (desafortunado título para una cinta que en el resto del continente se llamó Escondidos en Brujas) combina escenas de una violencia bastante gráfica con bromas políticamente incorrectas (geniales e inspiradas, dicho sea de paso) y de refilón, un debate moral sobre los conflictos y culpas que carga un asesino, cuando recuerda un caso en particular que le martilla la conciencia.

No es casual que mientras analizan una pintura, Ray y Ken empiecen a filosofar sobre el cielo, el infierno y el purgatorio. Para ellos, Brujas es una ciudad donde han venido involuntariamente a purgar sus pecados y pagar por las consecuencias de sus actos. El guión demuestra, con giros que aportan suspenso y mucha ironía, que las acciones más insignificantes pero salpicadas de malicia, luego regresan con un efecto destructivo.

Título original: In Bruges
País y Año: Reino Unido 2008
Director: Martin McDonagh
Actores: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clémence Poésy, Jérémie Renier, Jordan Prentice
Calificación: ****