1 dic. 2019

"El irlandés" e "Historia de un matrimonio"

Dos de los mejores estrenos del año son producciones de Netflix, que tuvieron un paso limitado por cines durante una semana, antes de verse exclusivamente en la plataforma de streaming. Comparto mis críticas de estas extraordinarias películas.


El irlandés (The Irishman) es el retorno del director Martin Scorsese a un terreno que él conoce y explora mejor que nadie: el cine de gangsters. Con 77 años, el director estadounidense baja las revoluciones y nos entrega una obra de un ritmo menos frenético, mucho más reflexivo y melancólico. La película tiene la contundencia de un testamento y el aroma de una confesión tardía.

Quien se confiesa con el espectador es el asesino a sueldo Frank Sheeran (Robert de Niro). Desde un asilo, el anciano hace un repaso por los sucesos más saltantes de su vida, marcada por su estrecha colaboración con el jefe de la mafia Russell Bufalino (Joe Pesci) y el líder sindical Jimmy Hoffa (Al Pacino). Las trayectorias de estos 3 personajes se entrelazan con muchos de los hechos que definieron la historia de la segunda mitad del siglo XX en Estados Unidos. Así se establece que la historia de la mafia es indisociable de la historia del país.

Lejos de repetirse, Scorsese marca distancia de sus anteriores películas de gangsters. Ya no se concentra en el glamour y los lujos de la vida de los mafiosos. Ahora muestra cómo Frank Sheeran se enfrenta al peso de la culpa y el arrepentimiento (especialmente por un crimen que sacudió todos sus cimientos), mientras analiza todos los sacrificios que su trabajo como sicario le trajo en su vida personal, como el alejamiento de su hija Peggy (Anna Paquin), cuyo potente silencio es una condena más dolorosa que cualquier sentencia o que el confinamiento en una prisión o un asilo.

La notable editora Thelma Schoonmaker, habitual colaboradora de Scorsese, logra que las 3 horas y media de duración transcurran con fluidez y precisión, saltando del presente al pasado y alternando los episodios de crimen y violencia con escenas cotidianas, en heladerías, restaurantes, hoteles y casas, donde se forjan relaciones amicales y se ponen a prueba las lealtades.

Tuvieron que pasar 24 años para que Scorsese vuelva a dirigir a Robert De Niro en un largometraje y la larga espera valió la pena. De Niro borda su personaje con la sequedad y frialdad de quien sabe que su misión es llevar a cabo todo lo que le indiquen con sumo cuidado y discreción, sin espacio para la duda o la flaqueza. En sus escenas finales, le otorga a Sheeran una triste serenidad que conmueve y desarma.

En tanto, Al Pacino vuelve a brillar después de mucho tiempo, como el explosivo Jimmy Hoffa, dotándolo de un agudo sentido del humor y una incorregible tendencia a decir siempre lo que piensa. A su lado, Joe Pesci está mucho más contenido, pero igualmente maravilloso. En cada una de sus apariciones, dice muchísimo con pocas palabras y con sus expresivas miradas, dejando siempre mensajes ocultos entre líneas. 

De Niro, Pacino y Pesci dan una clase maestra de actuación. Conducidos por Scorsese, son unos gigantes imbatibles que pasada la barrera de los 70 años tienen la sabiduría y la experiencia para encontrar ángulos diferentes y novedosos en un género tan recorrido como el cine de gangsters. El irlandés es una película grandiosa en su ambición y en su alcance, mostrando al director y sus tres principales intérpretes en la cúspide de su potencia creativa. Calificación: 9/10.


Historia de un matrimonio (Marriage Story) es un relato de (des)amor narrado a través del lente de un espinoso proceso de divorcio. El director y guionista Noah Baumbach expone la evolución de una pareja que intenta llevar una separación amigable, hasta que entran a tallar los abogados de cada uno y la batalla legal se convierte en una guerra cruel y descarnada.

El impecable guion de Baumbach destaca por la elaborada construcción de sus dos protagonistas, a quienes presenta como personas imperfectas, que progresivamente revelan todo el daño que el divorcio va causando en su interior, obligándolos a exhibir facetas desagradables durante un juicio en el que todo vale con tal de ganar. Pero el retrato de ambos personajes es tan entrañable y delicado, que el espectador no siente la necesidad de tomar partido por uno de ellos, sino por ambos como equipo.

Scarlett Johansson está impresionante en el balance de fortaleza y vulnerabilidad que define a su personaje, luciéndose tanto en las escenas de mayor dramatismo, como en los momentos de humor y ternura. Es la mejor actuación de su carrera, la que le traerá todo el reconocimiento que antes le fue esquivo.

En tanto, Adam Driver está igual de sensacional que Johansson, construyendo un personaje que intenta tener siempre el control de todas las situaciones y que se sorprende al conocer sus propios límites, llegando a la desesperación cuando su hijo lentamente se aleja de él. Es una actuación de una exquisita sensibilidad. 

En papeles secundarios, destacan Laura Dern y Ray Liotta como dos abogados que saben cómo utilizar las argucias más punzocortantes para hundir a su oponente. Dern le da unos interesantes matices a su personaje, para mostrarla maternal y comprensiva con su cliente, pero también implacable y agresiva cuando está en el juicio.

No es casual que los personajes de Charlie (Driver) y Nicole (Johansson) sean un director de teatro y una actriz, pues durante el divorcio ella representa un personaje que frente a él se presenta fuerte y decidida aunque esté quebrada por dentro, mientras que él intenta dirigir y manejar todos los elementos como si fuera una obra teatral. Pero terminada la función (el divorcio), ambos cicatrizan sus heridas y solo les queda compartir sentimientos de cariño y gratitud por todo lo compartido. Calificación: 9/10.

18 nov. 2019

5ta Semana del Cine ULima: Críticas de la muestra internacional – Parte 2

Este es el segundo grupo de críticas de lo que vi en la muestra internacional de la 5ta Semana del Cine de la Universidad de Lima.


Diane (Estados Unidos) es el retrato dolorosamente honesto de una mujer de más de 70 años que llena sus días tratando de ayudar al prójimo, como una forma de evadir culpas y recuerdos amargos que la persiguen y la confrontan.

Kent Jones, crítico de cine y programador de festivales, pasa ahora a la silla de director con esta ópera prima que presenta, con respeto y dedicación, la vida cotidiana de personajes que están en el ocaso de su vida. Hacia el final, Jones cambia el registro hacia lo onírico, para mostrar el reencuentro inevitable con su pasado.

En el rostro  de la notable protagonista Mary Kay Place se dibujan las sensaciones de temor, arrepentimiento y resignación mientras acepta los estragos del tiempo y pierde a sus seres queridos, enfrentándose así a la idea de su propia mortalidad. Calificación: 8/10


Así habló el cambista (Uruguay) es una mirada perversa y sarcástica a la corrupción y el lavado de dinero en Uruguay entre los años 50 y los 70, ramificándose a Argentina, Brasil y, en realidad, toda América Latina. En la corrupción, somos hermanos.

Federico Veiroj, el mismo director de la excelente La vida útil y la más bien floja El apóstata, entrega ahora su película más ambiciosa, con una elegante recreación de época y un fino balance entre ironía y tensión, con lo que recuerda por momentos a los hermanos Coen. 

Daniel Hendler ofrece una de sus actuaciones más logradas, al encarnar a un hombre inescrupuloso que solo cree en la religión del dinero. Dolores Fonzi acierta con la interpretación de una mujer que construye una armadura de frialdad para protegerse de los continuos excesos de su esposo, pues en el fondo quiere compartir los lujos que él le brinda. Ambos representan una imagen de esa cúpula capaz de todo para seguir manteniendo sus privilegios. Calificación: 7/10.


La Gomera (The Whistlers, Rumania) es un complejo policial con una estructura episódica que muestra el punto de vista de distintos personajes a ambos lados de la ley: un grupo de policías y una banda criminal. Al centro se ubica Cristi, un detective que se mueve en la ambigüedad, por lo que es difícil determinar a qué bando pertenece.

El director Corneliu Porumboiu rinde homenaje a los films clásicos del cine negro y a las películas de intrigas de Alfred Hitchcock, al concebir una trama en la que la pesquisa policial se complica con giros inesperados y con la presencia determinante de una imponente mujer fatal, quien altera todos los planes del protagonista.

Un aspecto atractivo de la puesta en escena es la utilización de un lenguaje de silbidos, que permite generar un código con mensajes cortos y precisos, para revelar información que ayuda a desenredar la madeja. A pesar de que la trama se complica progresivamente y los episodios se presentan en desorden, el desenlace llega con mayor contundencia y con la nitidez de un silbido revelador. Calificación: 7/10.


Martin Eden (Italia) es una película de una vitalidad desbordante. Cuenta la historia de un marinero que sueña con ser escritor y en ese camino conoce el amor, la desilusión y la lucha por encajar en un mundo al que no pertenece. Mientras la diferencia de clases con su novia se complica con las distancias ideológicas, los planes de ambos parecen no viajar en la misma dirección.

Esta adaptación libre de la novela homónima de Jack London pone en escena el conocido dilema del artista que lucha por salir adelante sin traicionar su esencia. El director y guionista Pietro Marcello enfoca ese conflicto a partir de interesantes debates intelectuales y despliega la contradictoria evolución de un personaje que consigue “hacerse a sí mismo”, solo para auto destruirse una vez que logra el éxito.

Luca Marinelli (ganador de la Copa Volpi en el Festival de Venecia) domina cada escena de forma impresionante, portando un ímpetu y una pasión que se convierten en el combustible ideal para involucrarnos en su viaje. Calificación: 7/10.

10 nov. 2019

5ta Semana del Cine ULima: Críticas de la muestra internacional – Parte 1

Comparto el primer grupo de críticas de las películas que vi en la muestra internacional de la 5ta Semana del Cine de la Universidad de Lima.


Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu, Francia) es un hermoso drama de época que muestra cómo se entrelaza el destino de dos mujeres: una pintora y su modelo. Entre ellas se establece un juego de observación, en el que sus miradas se estudian y se desafían mutuamente hasta enamorarse perdidamente.

La puesta en escena de Céline Sciamma destaca por su elegancia y delicadeza. Junto a sus actrices, la directora logra que las chispas iniciales de la seducción se transformen en un fuego apasionado. Además, el guion integra hábilmente distintas problemáticas de la feminidad, como los límites que se le imponen a las mujeres y las formas que ellas encuentran para liberarse y volar. A pesar de ser una historia ambientada en el siglo XVII, se siente urgente, vigente y trascendente.  

Las protagonistas Noémie Merlant y Adèle Haenel incendian la pantalla con solo una mirada, ya sea por el deseo contenido o por la apreciación de una belleza que las embarga. Las dos escenas finales son de una potencia estremecedora y nos dejan la cálida sensación de haber vivido junto a Marianne y Héloïse un romance inolvidable. Calificación: 9/10.


Parásito (Gisaengchung, Corea del Sur) es una enriquecedora experiencia cinematográfica, equiparable a una descarga de electricidad o una inyección de adrenalina. El director Bong Joon-ho crea una película irreprochable que se transforma constantemente mientras cambia de registro con fluidez: pasa de la comedia negra al thriller, de la sátira social al film de catástrofe, del terror al drama familiar, sin decaer en ningún momento. 

Es imposible no reírse, no conmoverse y no contener la respiración frente a una película que de manera tan ingeniosa y furiosa toma una radiografía del mundo actual, donde las diferencias sociales cada vez más marcadas están motivando a las personas menos privilegiadas a reclamar una vida mejor y un trato más digno por parte de las élites que ostentan el poder. 

Esta obra maestra es como un virus que muta delante de nuestros ojos y se cuela en nuestro organismo, gracias a la precisión e imprevisibilidad del guion, así como la extraordinaria capacidad del elenco para manejar todos los géneros. Las ingeniosas vueltas de tuerca nos llevan a un estado de fascinación en el que es imposible adivinar por dónde vendrá el siguiente ataque, sin imaginar que el último golpe que se reserva la película apunta directo al corazón. Calificación: 10/10.


Hasta siempre, hijo mío (Di jiu tian chang, China) es un melodrama en el cual una tragedia marca para siempre el destino de dos familias y, a partir de ellas, muestra los profundos cambios sociales que se han ido gestando en China a lo largo de las últimas décadas. Con una fuerza desoladora, la película muestra cómo las decisiones políticas más crueles pueden afectar los planes de los individuos y obligarlos a cometer sacrificios dolorosos.

Durante las tres horas de duración, el director y guionista Wang Xiaoshuai presenta los principales hechos de la vida de estas familias de forma no cronológica, invitándonos a armar un rompecabezas en el que las piezas claves son el amor paternal y una generosidad inquebrantable.

Los protagonistas Wang Jingchun y Yong Mei (ganadores de los Osos de Plata al mejor actor y mejor actriz en Berlín, respectivamente) nos regalan portentosas actuaciones, capaces de emocionarnos con los más pequeños gestos o miradas. Su dolor nos invade cuando se enfrentan a las pruebas más duras imaginables para unos padres. Su arrebato de discreta alegría en el desenlace nos deja una sensación de alivio y reconciliación. Calificación: 8/10.


El hotel cerca del río (Gangbyeon hotel, Corea del Sur) es una de las películas más tristes del director Hong Sang-soo, al abordar con serenidad y melancolía la cercanía de la muerte.

En el hotel del título, cinco personajes se encuentran encerrados e inquietos, al igual que los reproches que empiezan a revelar con amargura. Pero también surge la posibilidad del perdón antes de la inminente despedida. 


Pocos directores tienen la capacidad de Sang-soo para confeccionar con tanto cuidado escenas de relajadas conversaciones en restaurantes que inicialmente tocan temas superfluos o cotidianos, pero que se sumergen de improviso en cuestiones de una mayor hondura filosófica. En esos diálogos respira la vida y respira el cine. Calificación: 7/10.

29 oct. 2019

5ta Semana del Cine ULima: 12 películas para descubrir

Del 1 al 9 de noviembre podremos vivir días de intensa cinefilia gracias a la 5ta Semana del Cine de la Universidad de Lima. Todas las proyecciones serán de ingreso libre para el público.

Cabe resaltar que habrá funciones especiales de Retablo de Álvaro Delgado-Aparicio y el documental La revolución y la tierra de Gonzalo Benavente, dos de las mejores películas peruanas del año. En el Concurso Nacional de Largometrajes, destaca la presencia de Norte de Fabrizio Aguilar, Miss Amazonas de Rafael Polar, El viaje de Javier Heraud de Javier Corcuera, Con el nombre de Tania de Mary Jimenez y Bénédicte Liénard, entre otros títulos. Toda la programación está disponible aquí.

De las 16 películas que conforman la Muestra Internacional, he seleccionado 12 que llegan precedidas de premios y excelentes críticas. Vamos a descubrirlas.


1. Parásito (Parasite / Gisaengchung). Director: Bong Joon-ho. País: Corea del Sur. Sinopsis: Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor Gi Woo empieza a dar clases particulares en casa de Park, las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles. Premios: Ganó la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes y el tercer premio del público en el Festival de Toronto. Es la candidata de Corea del Sur para el Oscar a la mejor película internacional.

Horarios:
Sábado 2 de noviembre 7.45 pm – Auditorio Central U. de Lima
Miércoles 6 de noviembre 9.00 pm – Auditorio Central U. de Lima.


2. Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu). Directora: Céline Sciamma. País: Francia. Sinopsis: Francia, 1770. Marianne, una pintora, recibe un encargo que consiste en realizar el retrato de bodas de Héloïse, una mujer que acaba de dejar el convento y que tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario. Premios: Ganó el premio al mejor guion y la Queer Palm (destinada a la mejor película LGTB) en el Festival de Cannes. Ganó el premio del público en el Festival de Melbourne.

Horarios:
Viernes 1 de noviembre 7.30 pm – Auditorio Central U. de Lima
Martes 5 de noviembre 9.00 pm – Auditorio Central U. de Lima.


3. Hasta siempre, hijo mío (Di jiu tian chang). Director: Wang Xiaoshuai. País: China. Sinopsis: Yaoyun y Liyun son un matrimonio que creen haberlo perdido todo. Su hijo murió tras ahogarse de forma trágica. Años más tarde, la pareja decide adoptar a Liu Xing. Sin embargo, él no consigue reconfortarlos de la forma que esperaban. De pronto, Xing decide desaparecer y alejarse de quienes, para él, son unos padres extranjeros. El desolado matrimonio se pierde en sus recuerdos mientras espera una única cosa en sus vidas: hacerse lo suficientemente viejos como para dejar que el dolor sea algo del pasado. Premios: Sus protagonistas Wang Jingchun y Mei Yong ganaron el Oso de Plata al mejor actor y el Oso de la Plata a la mejor actriz respectivamente en el Festival de Berlín. Además, la película se llevó el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público en el Festival de Cine de Uruguay.

Horarios:
Domingo 3 de noviembre 6.00 pm – Sala Ventana Indiscreta U. de Lima
Viernes 8 de noviembre 5.30 pm – Auditorio Central U. de Lima.


4. Border (Gräns). Director: Ali Abbasi. País: Suecia. Sinopsis: Después de que una oficial de aduanas desarrolla una extraña atracción por el sospechoso que está investigando, las revelaciones del caso pronto cuestionan toda su existencia. Premios: Ganó el premio a la mejor película en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes. Estuvo nominada al Oscar al mejor maquillaje y peinado. Ganó el premio a mejores efectos visuales en los European Film Awards, donde tuvo otras 4 nominaciones: mejor película, director, guion y actriz (Eva Melander).

Horarios:
Jueves 7 de noviembre 11.00 am - Ventana Indiscreta U. de Lima
Viernes 8 de noviembre 2.00 pm - Auditorio Central U. de Lima.


5. Martin Eden. Director: Pietro Marcello. País: Italia. Sinopsis: Martin Eden es un chico de pueblo que se gana la vida trabajando como marinero. Un día, Martin consigue salvar la vida de Arthur Morse, un joven de clase alta que vive en San Francisco. Como agradecimiento, Arthur invita a Martin a su hogar y, poco a poco, lo va introduciendo en su propio estilo de vida. Martin ve esto como una oportunidad para convertirse en escritor. Premios: El protagonista Luca Marinelli ganó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia.

Horario:
Jueves 7 de noviembre 9.00 pm - Auditorio Central U. de Lima
Sábado 9 de noviembre 2.00 pm - 
Auditorio Central U. de Lima.


6. La Gomera (The Whistlers). Director: Corneliu Porumboiu. País: Rumania. Sinopsis: Cristi es un policía que viaja desde Rumania a la isla española de La Gomera para aprender el lenguaje del silbo gomero. En Rumania se encuentro bajo vigilancia policial, y utilizando la ancestral forma de comunicación canaria pretende comunicarse con la mafia para conseguir sacar de la cárcel a Zsolt, el único que sabe dónde están escondidos 30 millones de euros. Premios: Compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Es la candidata de Rumania para el Oscar a la mejor película internacional.

Horarios: 
Domingo 3 de noviembre 7.15 pm - Auditorio Central U. de Lima 
Martes 5 de noviembre 5.00 pm - Auditorio Central U. de Lima.


7. El hotel cerca del río (Gangbyeon hotel). Director: Hong Sang-soo. País: Corea del Sur. Sinopsis: Un poeta que se hospeda en un hotel de la ribera llama a sus dos hijos con los que no se reúne desde hace tiempo para que vayan a verlo. Esta repentina decisión parece estar motivada por su extraña impresión de que va a morir en cualquier momento. Mientras la familia intenta ponerse al día, una mujer que ha sido engañada por su pareja se muda al hotel. Nada más llegar a su habitación, llama a un amigo para que se encuentre con ella. Sumidos en la desesperación, una repentina nevada entrelaza ambas historias. Premios: Ki Joo-Bong ganó el premio al mejor actor en el Festival de Locarno y en el Festival de Gijón. En este último certamen, recibió también los premios de mejor película y mejor guion.

Horarios:
Sábado 2 de noviembre 5.00 pm – Ventana Indiscreta U. de Lima
Domingo 3 de noviembre 5.00 pm – Auditorio Central U. de Lima.


8. Diane. Director: Kent Jones. País: Estados Unidos. Sinopsis: Diane es una viuda septuagenaria que dedica su vida a las necesidades de los demás. Llena sus días sirviendo comida a los vagabundos, visitando a amigos enfermos e intentando ayudar a su hijo drogadicto. Pero cuando su existencia empieza a marchitarse, se verá obligada a reflexionar sobre su identidad. Premios: Ganó los premios de mejor película, guion y fotografía en el Festival de Tribeca. Está nominada a mejor director revelación y mejor actriz (Mary Kay Place) en los premios Gotham.

Horarios:
Sábado 2 de noviembre 7.15 pm - Ventana Indiscreta U. de Lima 
Lunes 4 de noviembre 5.00 pm - Auditorio Central U. de Lima.


9. Ema. Director: Pablo Larraín. País: Chile. Sinopsis: Ema, una joven bailarina, decide separarse de Gastón luego de entregar a su hijo Polo en adopción. Desesperada por las calles del puerto de Valparaíso, Ema busca nuevos amores para aplacar la culpa. Sin embargo, ese no es su único objetivo, también tiene un plan secreto para recuperarlo todo. Premios: Compitió por el León de Oro en el Festival de Venecia.

Horarios:
Miércoles 6 de noviembre 11.00 am – Ventana Indiscreta U. de Lima
Viernes 8 de noviembre 9.00 pm – Auditorio Central U. de Lima.


10. Así habló el cambista. Director: Federico Veiroj. País: Uruguay. Sinopsis: Durante los años 70, Humberto Brause comienza una meteórica carrera en la compra y venta de divisas extranjeras, patrocinado por su propio suegro, un veterano en el negocio de la fuga de capitales. Ciego por su excesiva ambición, Humberto se lleva por delante a todo aquel que se cruce en su camino. Consigue hacerse cargo del negocio familiar y acepta una sospechosa tarea: lavar la cantidad de dinero más grande que ha visto en su vida. Premios: Fue parte de la competencia oficial de la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián. Es la candidata de Uruguay para el Oscar a la mejor película internacional.

Horario:
Lunes 4 de noviembre 9.15 pm - Auditorio Central U. de Lima
Martes 5 de noviembre 2.00 pm - Ventana Indiscreta U. de Lima.


11. Un hombre fiel (L'homme fidèle). Director: Louis Garrel. País: Francia. Sinopsis: Marianne deja a Abel por Paul, su mejor amigo y padre del hijo que está esperando. Ocho años más tarde, Paul muere y Abel vuelve con Marianne. Esto provoca los celos del hijo de Marianne y de la hermana de Paul, Eve, enamorada en secreto de Abel desde que era niña. Premios: Ganó el premio al mejor guion en el Festival de San Sebastián y el premio al mejor director en el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente). Lily-Rose Depp fue nominada a mejor actriz revelación en los premios César.

Horarios:
Sábado 2 de noviembre 6.00 pm - Auditorio Central U. de Lima 
Martes 5 de noviembre 11.00 am - Ventana Indiscreta U. de Lima.


12. Apuntes para una película de atracos. Director: León Siminiani. País: España. Sinopsis: Elías es un director de cine. Flako fue el ladrón de bancos más buscado durante la crisis económica en España. Este documental es la crónica de una amistad entre dos personas con un objetivo común: hacer una película de atracos. Premios: Fue nominada al Goya al mejor documental. Formó parte de la competencia de los festivales de San Sebastián y BAFICI.

Horario:
Viernes 8 de noviembre 11.00 am - Ventana Indiscreta U. de Lima.

2 sept. 2019

Festival de Lima 2019: Críticas de 7 películas de muestras paralelas

Después de comentar las películas latinoamericanas de la competencia de ficción y los documentales que vi en el 23 Festival de Cine de Lima, comparto ahora mis críticas de 7 películas provenientes de las muestras paralelas.

Sección “Aclamadas 2019”


El reino (España) es una magistral radiografía de la corrupción enraizada en un partido político de España, una realidad que aplica también a la clase política del resto del mundo. El director Rodrigo Soroguyen presenta a la corrupción como un mal endémico, inevitable e imparable, pero necesario de denunciar, cueste lo que cueste.

En este notable thriller, Sorogoyen evita el maniqueísmo al mostrar la variedad de motivaciones que esconde cada personaje y logrando que cada pieza del guion encaje en una estructura compleja. La cámara se pega al protagonista y nos regala impresionantes planos secuencia, de un ritmo vertiginoso. Antonio de la Torre entrega una actuación brillante y comprometida. La tensión crece hasta conducir a un memorable desenlace en el que se demuestra la tesis de que el poder siempre protege al poder. Calificación: 9/10.


Gracias a Dios (Grâce à Dieu, Francia) conforma junto a la estadounidense Spotlight (2015) y la chilena El bosque de Karadima (2015) un tríptico incendiario sobre la denuncia de casos de pedofilia en la Iglesia Católica. Al igual que esos films, Gracias a Dios le otorga voces y rostros a las víctimas, mientras examina el procedimiento sistemático de la Iglesia de minimizar las acusaciones y proteger a los sacerdotes acusados.

Siempre propenso a abordar temas controversiales, el director François Ozon opta por una narración directa y fluida, concentrándose en los hechos concretos y en sus consecuencias. Acierta al estructurar el relato en tres partes, enfocándose en tres víctimas que representan los distintos efectos que los abusos siguen causando en su vida adulta. Los protagonistas Melvil Poupaud, Denis Ménochet y Swann Arlaud ofrecen actuaciones sobrias y conmovedoras, en las que confluyen la dignidad y la vulnerabilidad. Calificación: 7/10.


Juana de Arco (Jeanne, Francia) es la segunda película consecutiva que le consagra el cineasta Bruno Dumont a la Doncella de Orleans. Tal como lo hizo en el transgresor musical Jeannette, Dumont crea una película demandante, que no sigue una narrativa convencional y que se orienta más hacia los debates filosóficos que a los detalles más mundanos de la existencia de su heroína.

Lo mejor de la película está en la forma en que Dumont toma una historia tantas veces llevada al cine y la vuelve nueva otra vez, gracias a su creativo uso de los recursos cinematográficos. Por ejemplo, destaca su forma de filmar las escenas de batallas como si se tratase de una hermosa coreografía de jinetes y caballos generando armonía a pesar de la confrontación. Y, sobre todo, resalta su manera de encuadrar a la niña protagonista Lise Leplat Prudhomme, quien mira en silencio a la cámara, buscando acaso la respuesta de Dios ante sus dudas existencias, encontrando tal vez la mirada comprensiva del espectador. Calificación: 7/10.


El joven Ahmed (Le Jeune Ahmed, Bélgica) reflexiona sobre los riesgos del fanatismo religioso desde la perspectiva de un adolescente musulmán que decide emprender una cruzada contra quienes él considera herejes o impuros.

Como en tantos títulos de su filmografía, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne muestran un protagonista confrontado a un dilema moral en el que parece no haber escapatoria y en el que no hay respuestas sencillas. A pesar de que los Dardenne manejan con tacto la complejidad del adoctrinamiento y las interacciones entre los personajes, hacia el final los directores abandonan su habitual sutileza por un mensaje aleccionador, que no termina de cuajar. Calificación: 6/10.

Sección “Irresistibles”


Divino amor (Brasil) está ambientada en un futuro distópico, en el cual el Estado brasileño pretende controlar los cuerpos de las personas, al tiempo que una profunda fe religiosa se apropia de la gente e inunda todos los aspectos de su vida: sus relaciones sentimentales y sexuales, su trabajo, su propósito en la vida.

A partir de un ingenioso guion y una fantástica puesta en escena llena de detalles impresionantes, el director Gabriel Mascaro cuestiona el rumbo actual de Brasil, donde el conservadurismo radical va ganando terreno e intenta inmiscuirse en la esfera privada de los individuos. Mascaro explora con inteligencia e imaginación los puntos en los que la religión y la sexualidad convergen y se oponen, así como las contradicciones entre los intereses propios y los que la Iglesia pretender imponer sobre uno. Calificación: 8/10.

Sección “Homenaje a Claire Denis”


High Life es una fascinante película de ciencia ficción en la que un grupo de criminales a bordo de una nave espacial representan distintas facetas del ser humano: el instinto de supervivencia, la necesidad de redención, la búsqueda de una conexión emocional, el deseo sexual.

La cineasta Claire Denis (quien fue invitada a recibir un homenaje en esta edición del festival, pero canceló a último minuto su participación) encierra a sus personajes en ambientes que condensan todas sus pulsiones, mientras recorre los cuerpos y las mentes de sus personajes. Juliette Binoche y Robert Pattinson tienen una presencia inquietante, cargada de ambigüedad y provocación. Calificación: 8/10.

Sección “Galas”


Chicuarotes (México) nos introduce en un entorno de pobreza y desesperación, en el que los personajes toman una serie de decisiones extremas para escapar de ese entorno de frustración. El humor que aligera la tensión en los dos primeros tercios, luego cede el paso a la violencia y el caos. 

Aunque el director Gael García Bernal genera una efectiva química entre sus actores, el guion de Augusto Mendoza tropieza constantemente al querer abarcar demasiados temas sin profundizarlos demasiado, así como por la abundancia de clichés y situaciones resueltas de manera brusca en el tercer acto. Calificación: 4/10.

25 ago. 2019

Festival de Lima 2019: Críticas de 5 documentales

Después de comentar 12 películas latinoamericanas de la competencia de ficción del 23 Festival de Cine de Lima, comparto ahora críticas de 5 documentales realizados en Perú y Estados Unidos.

Película de apertura


El viaje de Javier Heraud (Perú) es un viaje de descubrimiento. Ariarca Otero parte al encuentro de su tío abuelo, el poeta Javier Heraud, quien fuera asesinado a los 21 años en Madre de Dios. Ariarca tiene la oportunidad de conocer a Javier gracias a su obra, sus cartas y sus fotos. También  a partir de entrevistas que realiza a personas que lo conocieron y que contribuyen a dibujar el retrato de un hombre que dejó un importante legado literario.

El director Javier Corcuera nos presenta las distintas facetas de Heraud, intercalando los testimonios salpicados de anécdotas y remembranzas, con la narración en off de algunos de sus poemas (en la voz de Emanuel Soriano), junto a evocadoras imágenes de ríos y árboles, tan presentes en su obra literaria. 

A pesar de que muchos pasajes son conmovedores y reveladores, también es cierto que hay otros momentos, como la apertura de un baúl de recuerdos por parte de Ariarca y su abuela Cecilia Heraud (hermana de Javier), que se sienten más ensayados que espontáneos. Calificación: 6/10.

Sección “Competencia documental”


La revolución y la tierra (Perú) recoge valiosos puntos de vista sobre uno de los hechos decisivos de la historia del Perú: la Reforma Agraria impulsada por Juan Velasco Alvarado. Historiadores, sociólogos, campesinos y expertos en distintas materias analizan las causas y consecuencias de esa reforma y cómo sus efectos remecieron los cimientos de la sociedad peruana. Algunos de los testimonios se complementan, mientras otros se contraponen y en esa variedad de perspectivas radica una de las fortalezas del documental.

En base a un minucioso trabajo de investigación, el director Gonzalo Benavente acompaña las declaraciones de los entrevistados con fragmentos de películas peruanas que grafican aquello que se narra. Así, en el tejido de la narración, se integran films de Armando Robles Godoy junto con películas más recientes como Las malas intenciones o Wiñaypacha. Benavente nos recuerda así que el cine es un espejo en el que nos reconocemos y construimos nuestra identidad. Calificación: 7/10.


Con el nombre de Tania (By the Name of Tania, Perú / Bélgica / Países Bajos) es una película híbrida que integra el documental y la ficción para narrar los testimonios reales de mujeres que han sido obligadas a ejercer la prostitución en las regiones donde opera la minería ilegal en la selva peruana. 

La directora peruana Mary Jimenez y la cineasta Bénédicte Liénard suavizan la dureza de algunos testimonios con momentos de baile o distensión, en los que la protagonista Tania deja que su cuerpo se relaje, lejos de la opresión de quienes lo utilizan como una mercancía. Con una mirada lírica, este documental les da un rostro y una voz a tantas mujeres afectadas por la trata de personas, un delito que suele pasar desapercibido y quedar impune. Calificación: 7/10.

Sección “Muestra de Cine Independiente Norteamericano”


Hale County This Morning, This Evening (Estados Unidos) nos invita a sumergirnos en una comunidad afroamericana del estado de Alabama. La película muestra a distintas personas en su vida cotidiana y los deja expresarse frente a la cámara, no solo con palabras, sino que nos presenta a sus protagonistas siempre en continuo movimiento (corriendo, bailando, jugando basket, etc.), dejando en claro que la vida es siempre dinámica, nunca quieta ni estancada.

En lugar de presentar una narración convencional, el director RaMell Ross (fotógrafo además de cineasta) ofrece una experiencia sensorial, en la que descubrimos la fuerza de estos personajes anónimos, mientras apreciamos la belleza de unas imágenes poéticas y visualmente potentes. Es un documental fascinante, que brilla por la originalidad y singularidad de su propuesta. Calificación: 8/10.


Minding the Gap (Estados Unidos) se centra en la vida de tres jóvenes que son amigos desde la infancia y que comparten su afición por montar skate. Aunque inicialmente el documental explora esa afición común, lentamente profundiza en las vidas de estos tres hombres, cuyas vidas han estado marcadas por la violencia doméstica.

Bing Liu es uno de los tres protagonistas y también el director de este documental. Gracias a esa cercanía con sus entrevistados, obtiene escenas de gran veracidad, intimidad y apertura emocional. 

A partir de las vidas de estos jóvenes que usaron el skate como un vehículo para escapar de la violencia, Liu hábilmente integra temas como el racismo, la construcción de la masculinidad, la difícil transición a la adultez en entornos con faltas de oportunidades, y el contraste entre las familias que uno tiene en casa y las que uno forma con esos amigos que comparten mucho más que un hobbie. Calificación: 7/10.

19 ago. 2019

Festival de Lima 2019: Reseñas de la competencia de ficción – Parte 2

Continuando con las críticas de las películas que vi en el 23 Festival de Cine de Lima, comentaré en este post 6 películas de la competencia de ficción procedentes de Perú, México, Colombia y Chile. En la publicación anterior, comenté las películas de Argentina, Brasil y Guatemala de esa categoría.


La bronca (Perú) es una potente alegoría de la violencia que desangraba al Perú a inicios de la década de 1990. Al estar ambientada en Canadá, muestra cómo las esquirlas del conflicto armado interno se llevan interiorizadas donde quiera que vayan aquellos que supuestamente escapan de esa violencia, sin darse cuenta que la tienen en las venas, como un fuego imposible de apagar.

La relación de Roberto (Jorge Guerra) con su padre Bob (Rodrigo Palacios) y con el amigo de éste (Rodrigo Sánchez Patiño) va generando una tensión creciente que está siempre a punto de desbordarse. Sus interacciones hacen presagiar que la ira contenida va a estallar en cualquier momento, pero cuando finalmente lo hace, el impacto es mayor por todo lo que revela y por la imagen terrorífica en la que nos vemos reflejados como nación. El brutal desenlace nos recuerda que somos un país que muchas veces prefiere huir de sus problemas en vez de enfrentarlos, negar el pasado en vez de tratar de entenderlo.

Los hermanos Daniel y Diego Vega construyen con maestría una puesta en escena en la que todo encaja de forma precisa y orgánica. Así como estos directores le ofrecieron a Bruno Odar en Octubre y a Fernando Bacilio en El mudo los papeles definitorios de sus carreras, en La bronca tanto Rodrigo Palacios como Rodrigo Sánchez Patiño se consagran con actuaciones notables, que encarnan los furiosos rostros de una masculinidad irascible y vulnerable. Calificación: 8/10.


Canción sin nombre (Perú) narra la odisea de Georgina, una mujer pobre que intenta recuperar a su bebé recién nacida, la cual le fue arrebatada en una clínica clandestina en 1988. La excelente actuación de la protagonista Pamela Mendoza Arpi es desgarradora y destila una infinita tristeza que no hace sino agudizarse cuando entona una canción evocando a esa hija desaparecida.

La cineasta Melina León se inspira en el caso real de tráfico de bebés que fue investigado por su padre, el periodista Ismael León, hace más de 30 años. La directora apuesta por una detallista y sobria puesta en escena, en la que destaca un interés por dotar a sus imágenes de una expresividad rica en sensaciones. Los impresionantes encuadres en blanco y negro que crea con tanto virtuosismo el director de fotografía Inti Briones encuentran un buen complemento en la melancólica banda sonora compuesta por Pauchi Sasaki.

A pesar de que el conflicto de Georgina se desarrolla de forma fluida a través de la investigación del periodista Pedro Campos (Tommy Párraga), en el último tercio el guion deja algunos cabos sueltos y se dispersa en tramas secundarias que quedan apenas esbozadas. De todos modos, estamos ante una ópera prima con una sólida dirección, una lograda actuación protagonista y una impecable factura técnica. Calificación: 7/10.


La camarista (México) sigue la rutina de Eve (Gabriela Cartol), una mujer que trabaja limpiando y ordenando las habitaciones de los huéspedes de un exclusivo hotel. La cámara la acompaña por los distintos rincones del hotel, donde ella cumple sus labores en silencio, casi siempre invisible ante la mirada de los demás.

La directora Lila Avilés logra que la cotidianidad de la camarista no transmita jamás tedio ni lástima, sino que hábilmente introduce en su camino situaciones de humor, empatía y exploración de nuevas experiencias, como por ejemplo, la escena en la que Eve se anima a probar un juego en el que recibe toques de electricidad. En ese momento liberador, ella se despercude de la rutina y se deja llevar por la corriente… literalmente. Calificación: 7/10.


Las niñas bien (México) es una aguda sátira de la clase alta mexicana de los años 80, a través de la mirada de Sofía (Ilse Salas), una mujer que se resiste a perder su estatus de aristócrata cuando el país vive una crisis económica. La película retrata con humor y patetismo un grupo de personajes que ven cómo la burbuja en la que viven amenaza con reventarse, privándolos de todos los privilegios a los que siempre han estado acostumbrados.

El mayor acierto de la directora Alejandra Márquez Abella y la actriz Ilse Salas es no hacer de Sofía una caricatura, sino que la convierten en un personaje complejo, que despliega una serie de estrategias para aferrarse a lo alto de lo pirámide social y para pretender frente a sus amigas que todo sigue igual que antes. 

Además, destaca el interesante paralelo entre la caída de Sofía y el auge de Ana Paula, la “nueva rica”. En ese recorrido inverso, se evidencia cómo se negocia la aceptación o rechazo dentro de los círculos sociales, dependiendo de quién ostente el poder económico. Calificación: 7/10.


Enigma (Chile) se inspira en el caso real de una chica lesbiana que fue asesinada en una fiesta y nunca se encontraron a los culpables. La película no se concentra en ese hecho, sino que ubica la acción cinco años después, cuando su madre recibe la invitación de un programa de TV para hablar sobre esta tragedia, lo que genera el rechazo de casi toda su familia, para quienes la vergüenza y el temor al “qué dirán” son más fuertes que la necesidad de encontrar justicia.

En esta historia poblada por personajes femeninos, importa no solo lo que se murmura, sino lo que no se dice o lo que se percibe entre líneas. El guion captura la sutileza de las interacciones entre las mujeres y la forma en la que se intenta persuadir o quebrar la determinación de alguien.

La ingeniosa puesta en escena del director Ignacio Juricic crea tensión o inquietud a partir de los sutiles movimientos de cámara o los planos fijos, colocando a sus personajes fuera de campo o mostrándolos a través de espejos o pantallas, para representar que ellos dejan ver solo aquello que quieren proyectar, guardando una parte de misterio para sí mismos. Calificación: 7/10.


Monos (Colombia) es una fábula sobre la violencia que se inocula a unos adolescentes guerrilleros escondidos en medio de las montañas. Privados de su libertad, están entregados a actividades muy duras en las que deben forjar su disciplina y probar su lealtad a los ideales del grupo armado al que pertenecen.

Las historias de guerrilleros son moneda corriente en el cine colombiano y Monos transmite, por momentos, la sensación de un retrato ya antes visto del conflicto armado interno de ese país. Sin embargo, la propuesta del director Alejandro Landes se aleja de otras películas similares al preguntarse cómo se origina la violencia al interior de esos grupos y si es posible escapar de entornos rígidos como una guerrilla. 

La sugerente fotografía acierta al mostrar todos los contrastes y contradicciones que se generan en los personajes. Calificación: 6/10.